Planeta Zappa

SIN MUSICA

2011-12-19T14:18:00.001-04:30

‎"Sin música para decorarlo, el tiempo es sólo un puñado de aburridos plazos límite de producción o fechas en las cuales deben pagarse las cuentas".

Frank Zappa

Carnegie Hall (2011) primeras impresiones

2011-12-08T09:47:00.002-04:30

Carnegie Hall (2011) primeras impresiones

por Román

Bueno, pues ya llegó. Para las estadísticas: 42,22 € con gastos de envío

incluidos (son cuatro CDs, lo que no está mal, pero ya sabemos que la

calidad de sonido no debe ser muy buena, así que...), lo pedí el día 12

de octubre, me anunciaron que lo enviaban el 19 de noviembre y ha

llegado hoy, 2 de diciembre. De 2011.

El empaquetado es muy sencillo: una caja de cartón duro y dentro los

cuatro CDs en sendas fundas de plástico transparente, un libreto de 24

páginas y una reproducción de la entrada original del concierto, pero

algo retocada.

El disco, según lo anunciado, contiene los dos pases de The Mothers Of

Invention en el Carnegie Hall de Nueva York el día 11 de octubre de

1971, y además el concierto previo de The Persuasions, el grupo telonero

(no sé si también hubo concierto previo de The Persuasions en el segundo

pase). Todo grabado en "glorioso MONO".

El primer disco empieza con el concierto de The Persuasions y ya desde

el principio está claro que el sonido no va a ser lo mejor del disco.

Grabado con una de esas grabadoras que Zappa utilizaba para sus

grabaciones de "antropología de campo" escondida en alguna parte (es

decir, sin permiso de la sala, que probablemente le hubiera cobrado un

canon por la grabación), aun así tiene la suficiente calidad como para

recoger el ambiente del lugar. Y suena mejor que muchos de los discos

piratas que circulan y se atesoran por ahí.

El repertorio de los Persuasions consiste sobre todo en viejas canciones

_doo-wop_ y _soul_ cantadas _a capella_. Habría que imaginar a Zappa

escuchándolos emocionado desde detrás del escenario y transportándose a

sus años mozos.

Mientras tanto, vamos echándole un ojo al libreto. En la portada el

anuncio en prensa del concierto, dentro la lista de canciones, una foto

de las cajas de las cintas originales, un comentario de Ron Delsener, el

promotor del concierto, un texto de Al Malkin, amigo de la infancia de

Warren Cuccurullo, donde nos cuenta cómo conoció la música de Zappa y

cómo no se perdían ningún concierto de Halloween en Nueva York. Aunque

en realidad el del Carnegie Hall no llegaron a verlo, porque todavía

eran demasiado jóvenes.

Entre Delsener y Malkin nos cuentan además que para conseguir que The

Mothers Of Invention tocaran en el Carnegie Hall, un prestigioso teatro

de conciertos, tuvieron que engañar al encargado asegurándole que Zappa

era un músico clásico. No sé muy bien qué cara se les quedaría cuando

vieran a Flo & Eddie y sus camisetas de colores haciendo el payaso sobre

el escenario.

Después unas notas de Gail sobre el disco, acompañadas de una foto del

grupo... pero del grupo con Bob Harris, excepto que han quitado la

cabeza de Harris y han puesto la de Don Preston, que es quien toca en el

disco. La pregunta que uno se hace es... ¿por qué? ¿No había fotos del

grupo con Don Preston? En el CD de _200 Motels_ (1971) hay una muy

buena, y en _Just Another Band From L.A._ (1972) otra.

En fin. Veamos qué cuenta Gail. Mientras tanto, ya ha acabado el

concierto de The Persuasions y ha empezado el primero de The Mothers Of

Invention, con "Call Any Vegetable", en una versión muy parecida a la de

_Just Another Band From L.A._, que está grabada con el mismo grupo.

Por cierto, miro y remiro, y no encuentro los nombres de los miembros de

The Persuasions por ninguna parte

En las notas, Gail recoge una presunta declaración del propio Frank

Zappa sobre el segundo disco inédito de _Just Another Band From L.A._,

que incluiría parte de este concierto, donde explica las condiciones de

la grabación. Gail cuenta que las palabras de Zappa las han encontrado

en la Internet, pero que parecen auténticas.

Mientras Zappa se pregunta qué coño hacen en el Carnegie Hall durante el

monólogo de "Call Any Vegetable" seguimos pasando páginas del libreto.

Dos páginas con los créditos y dos nuevas fotos de la misma sesión, de

nuevo con la cabeza de Bob Harris sustituida por la de Don Preston. No.

No bastaba con una foto manipulada, ¡tenían que poner tres!

Un mapa de Manhattan con la ubicación de la sala, una lista de flora y

fauna en peligro de extinción en Nueva York, como viene siendo habitual

en los discos de conciertos de Vaulternative Records, y fotos de los

músicos con sus nombres: FZ, Mark Volman & Howard Kaylan, Ian

Underwood... ¡Demonios! Sale el nombre de Don Preston, pero... ¡sin foto!

Me duele la cabeza de intentar comprender esto. A ver, han utilizado

tres fotos (tres) diferentes de Don Preston para sustituir la cabeza de

Bob Harris en las fotos de grupo, pero... ¿no han encontrado otra para

poner encima de su nombre?

No lo entiendo.

También hay fotos de Jim Pons y Aynsley Dunbar, y en la contraportada

una muy graciosa de Zappa con Flo & Eddie.

Un poco desconcertado por el asunto de las fotos sigo oyendo el disco.

Tras "Call Any Vegetable" vienen "Anyway The Wind Blows", "Magdalena" y

"Dog Breath", igual que en el pirata _Swiss Cheese/Fire!_, legalizado en

la serie _Beat The Boots_, y grabado unas semanas después de este

concierto. Es decir, que las versiones son prácticamente iguales. Por

ese lado no hay mucha novedad. Y el sonido tampoco es que sea mejor.

El primer pase continúa en el segundo CD. Zappa anuncia las siguientes

canciones: "Peaches En Regalia", "Tears Began To Fall" y "Shove It Right

In", todas en versiones similares a las ya conocidas de _Fillmore East

-- June, 1971_ (1971), _You Can't Do That On Stage Anymore Vol. 6_

(1992), y el ya mencionado _Swiss Cheese/Fire!_.

Sigo pensando en lo de las fotos y sigo sin entenderlo. Si odiaran a Don

Preston tanto como para no poner su foto al final del libreto no se

habrían tomado la molestia de poner su cabeza en ¡tres fotos! en las que

no estaba originalmente.

Sigue "King Kong" en una enorme versión de media hora de reloj, con

solos e improvisaciones de todos los colores. Luego vienen los bises de

este primer pase: "200 Motels Finale" y lo que hasta ahora es la gran

novedad de este disco, es decir, la fantástica versión de "Who Are The

Brain Police?" que hacía este grupo y que hasta ahora permanecía inédita

oficialmente (si exceptuamos la versión de 1970 incluida en el pirata

redimido _Disconnected Synapses_).

Con el tercer llegamos al segundo pase de The Mothers Of Invention, que

comienza con la suite del sofá, aquí llamada "Divan", y que consiste en

"Once Upon A Time", "Sofa #1", ambas en versiones similares a las de

_You Can't Do That On Stage Anymore Vol. 1_ (1988), "Magic Pig", "Stick

It Out", en versión hasta ahora sólo escuchada oficialmente en _Swiss

Cheese/Fire!_, y lo que han llamado "Divan Ends Here", que es más o

menos la parte que en _Playground Psychotics_ (1992) aparece como

"Divan". En realidad la _suite_ hasta ahora sólo la habíamos oído al

completo en el mencionado _Swiss Cheese/Fire!_, álbum cuyo repertorio

completo está incluido en éste.

Después de la historia de Dios, el Cerdo Mágico y la Chica Bajita en el

sofá, volvemos al repertorio clásico del grupo en esta época: "Pound For

A Brown", "Sleeping In A Jar", "Wonderful Wino", "Sharleena" y "Cruising

For Burgers", con la que acaba este tercer CD. Vamos a sacar el cuarto

de la funda.

Es que no lo entiendo. Por más vueltas que le dé. Si tanto interés

tenían en hacer el montaje fotográfico e incrustar la cabeza de Don

Preston sobre la de Bob Harris, ¡hubiera bastado con hacerlo una vez!

Pero, ¿tres veces? ¿Por qué? Si no tenían fotos de este grupo en

particular, pues no tenían, y ya está. Pero, ¿tres montajes? ¿Por qué?

¿Por qué?

El cuarto CD se abre con "Billy The Mountain" en todo su esplendor.

Zappa les explica a los neoyorquinos que le han añadido algunas cosas a

la pieza desde la otra vez que la tocaron en la ciudad, en el Fillmore,

es decir, en la versión que se puede escuchar en _Playground Psychotics_

(1992). Esta versión, que dura más de tres cuartos de hora, incluye

todos los solos, que hubieran formado parte de la edición doble de _Just

Another Band From L.A._ que hemos mencionado antes.

A estas alturas uno ya está acostumbrado a la calidad del sonido del

disco, sea o no sea mono, y la verdad es que suena todo bastante bien y

bastante equilibrado.

Después de "Billy The Mountain" Zappa se despide y, ante la insistencia

del público, vuelve a escena para decir que por cuestiones sindicales no

se puede seguir tocando. A no ser que por el tiempo extra pague a la

sala otros 600 dólares, que dice estar dispuesto a poner de su bolsillo,

así que sí, que hacen un bis. Los neoyorquinos enloquecen y The Mothers

se despiden con una versión extendida de "Mud Shark" y ahí acaba todo.

En serio, ¿no tenían ninguna foto de Don Preston?

Live Concert on 1971/10/11 at NYC Carnegie Hall (4 cds)

DISC ONE (tt 53:13)

THE PERSUASIONS SHOW 1 (tt:25:44)

I Just Can’t Work No Longer (Curtis Mayfield, Jerry Butler) 2:32

Working All The Live Long Day/ Chain Gang (Trad./Sam Cooke) 2:20

Medley #1 tt 7:28

Pieces of A Man (Jerry Galen Foster, Wilburn Rice) 2:53

Buffalo Soldier (David Barnes, Margaret Ann Lewis, Mira Ann Smith) 4:33

Medley #2 tt 2:36

Medley #3 tt 3:14

FZ SHOW 1 (tt 27:29)

Hello (to FOH)/ Ready?! (to the BAND) 1:03

Call Any Vegetable 10:36

Anyway The Wind Blows 4:00

Magdalena* (Zappa/Kaylan) 6:08

Dog Breath 5:41

DISC TWO (tt 54:41) FZ SHOW 1

Peaches En Regalia 4:24

Tears Began To Fall 2:32

Shove It Right In 6:32

King Kong 30:25

200 MOTELS Finale 3:41

Who Are The Brain Police? 7:08

DISC THREE (tt 45:13) FZ SHOW 2

Auspicious Occasion 2:45

DIVAN (tt 19:45) 2011 persists of:

Once Upon A Time 5:40

Sofa #1 3:11

Magic Pig 1:43

Stick It Out 4:54

Divan Ends Here 4:17

Pound For A Brown 6:03

Sleeping In A Jar 2:46

Wonderful Wino* (Zappa/Simmons) 5:46

Sharleena 4:52

Cruising For Burgers 3:17

DISC FOUR (tt 62:42) FZ SHOW 2

Billy The Mountain – Part 1 28:33

Billy The Mountain – the Carnegie solos 13:31

Billy The Mountain – Part 2 5:37

The $600 Mud Shark Prelude 1:27

The Mud Shark 13:35

FRANK ZAPPA, el Sida y la Guerra Bacteriológica.

2011-11-30T08:26:00.002-04:30

FRANK ZAPPA, el Sida y la Guerra Bacteriológica.

por Aldo

este es su blog

http://algomasquerockandroll.blogspot.com/

"... Yo creo que éste tipo de enfermedades son creadas adrede y transmitidas-contagiadas adrede, con el propósito de eliminar del planeta a determinadas personas (los homosexuales por ejemplo). Creo que el sida no es un accidente, no es una enfermedad natural que fué evolucionando. ALGUIEN LA FABRICO en algún laboratorio genético especial a requerimiento de otra(s) persona(s). También creo que todas las guerras futuras van a ser mediante la biogenética, porque ahora los genes son algo conocido para la tecnología... Puede concebirse la idea de preparar enfermedades que afecten específicamente a determindas personas..."

En 1985, mientras muchos todavía no entendían bien de qué se trataba el sida, o hasta hablaban con ironía de la "peste rosa" y sus víctimas (con las primeras muertes los gestos de sorna se convirtieron en preocupación), Frank Zappa se permitía éste tipo de reflexiones para una entrevista de la presentación del disco "Thing Fish" (publicada en Argentina en el número 13 de la revista Rock & Pop)...

Puede que las cosas no sean como dijo Zappa... Y si son así es probable que nunca nos enteremos... ¿Pero nunca se te ocurrió algo parecido...?

Católicas y Judías...

2011-11-30T08:25:00.001-04:30

FRANK ZAPPA: Católicas y Judías...

por Aldo

este es su blog

http://algomasquerockandroll.blogspot.com/

Resumir en pocas palabras el universo lírico de Frank Zappa es imposible, pero al menos se pueden repasar algunas de sus obsesiones: El sexo (gays, heterosexuales, enfermedades venéreas, groupies, etc..), la política (con críticas furiosas a los gobiernos, en particular el de su país), y la religión (los riesgos del fanatismo)... Todas ellas tratadas con mordacidad crítica, y casi siempre con ironía y sarcasmo... Otras veces sí, las letras son delirios con personajes de lo más variados, o relatos escatológicos o sexuales... El humor cínico era uno de sus fuertes, y no siempre fué bien interpretado...

El mismo Zappa fué un activista de los derechos de los músicos a la libre expresión. A principios de los '80 expuso en el senado de los EEUU para defender su posición frente a una liga de moralidad (la PMRC -Parents Music Resource Center o Centro de Recursos Musicales de Padres- donde militaba la esposa de Al Gore) que pretendía ejercer un control sobre las letras de los discos de rock, y que finalmente impuso el famoso sticker de "Parental Advisory"...

Una de las mejores anécdotas es la del tema "Jewish Princess" (Princesa Judía) del disco "Sheik Yerbouti" de 1979, que fué denunciada por un grupo judío-americano antidiscriminación... ("...Quiero una Princesita Judía que huela a sexo / Una afiladora, sacudidora, con el vertedero humedecido / Una Princesita Judía descarada / Con tetas titánicas, con pezones gastados / Puede ser hasta pobre / Mientras lo haga con cuatro en el suelo..."). Como reparación no tuvo mejor idea que incluir en su siguiente disco "Joe's Garage" la canción "Catholic Girls" (..."Hasta el final / así es como van cada día / y ninguna de sus mamás parece saberlo. / Hip, hip, hurra, por la clase que tienen / no hay nada como una chica católica / en la CYO -Organización Católica Juvenil- cuando aprenden a soplar....")

No creo que los aludidos hayan quedado conformes... Pero al menos dejó claro que no tenía animosidad hacia ningún grupo religioso... ¡sino que podía reírse de todos por igual!

Zappa y Grand Funk

2011-11-28T08:28:00.002-04:30

Zappa decía: “Los cielos se separarán… Mi pene es un puñal, lo fuerzo a que entre…” Frank Zappa llega en helicóptero a la granja en donde viven los integrantes de la banda Grand Funk, es una especie de comuna Hippie en San Francisco – California… pero con todas las comodidades, llega con un sombrero de copa de la bandera gringa y con ganas de grabar con ellos… inmediatamente se meten al estudio y graban y graban… “Good singin`good playin” es lo que el Zappa les produce, “Out to get you” es una joya musical y el Zappa toca en ella y se luce con la guitarra tocando… Woo... Woo… Yeaahhh ...Ahhhh ... Yeow. Baby, baby, baby. We're out to get you. Yeah... Ow. We got good singin'. We got good playin'. We got earth shakin'. Yeah. Grand Funk and rock 'n roll. Woahhh. Ohhhhhhh... Baby, baby, baby. We're out to get you!

El mismo FZ nos cuenta sobre este trabajo con la gente del Grand Funk…

“Lo único que hice fue, de un modo documental, hacer un disco que te diga exactamente cómo suenan de verdad. Por primera vez en disco puedes escuchar a Grand Funk Railroad... y son fantásticos, ¡Fan-tásticos con una “F” tres veces más grande que tú!”… si el Zappa lo dice!!!!!

FRANK ZAPPA EN LA MESQUITA

2011-11-19T12:50:00.001-04:30

FRANK ZAPPA EN LA MESQUITA

por Sebastián Ruffo

"En julio de 1981, durante la tregua entre cuestiones de acelerador, Dale Brumfield encontró una revisión en un archivador recortado de Richmond News-líder del 03 de noviembre de 1972 concierto de Frank Zappa en la mezquita (ahora el Teatro Landmark). Zappa habrían realizado una pieza improvisada durante ese show titulado "¿por qué freír todo en Richmond (especialmente en mi hotel)" – una pieza que extrañamente nunca ha mostrado en cualquiera de los numerosos álbumes de compilación lanzada por su familia desde su muerte. Querer incluir tantos grandes nombres como sea posible en noviembre y el número de diciembre, Brumfield envió una carta a Zappa, pidiéndole hacer un dibujo para la portada, mencionando la referencia "Freír todo". Zappa bits y el autorretrato y la Carta de acompañamiento llegaron a finales de agosto, con franqueo debido ("deje 27 centavos en el buzón" el cartero escribió sobre la envolvente). "

Bienvenido, Mr. Zappa

2011-10-04T07:16:00.001-04:30

Bienvenido, Mr. Zappa

Los seguidores de la música electrónica tienen un nuevo e insospechado recinto para disfrutar de ella. El Auditorio Nacional busca un público más joven y se abre a la música actual con los Red Chair concerts

MIGUEL PÉREZ MARTÍN - Madrid

"Deberíamos escuchar música vieja una vez al año y los otros 364 días escuchar música de ahora", decía el compositor Karlheinz Stockhausen. En esa misma línea piensa Joan Cerveró, director musical del proyecto Veinte21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). El martes llegará al Auditorio Nacional, a la batuta de la orquesta de este nuevo proyecto, para inaugurar el ciclo de conciertos bautizado como Red Chair concerts

"Nuestra música está en los márgenes del concierto de rock, la clásica y el jazz. El que busque líneas de contaminación entre estilos las va a tener, y el que busque nuevos colores y ritmos, también va a quedar satisfecho", dice Cerveró, también director del Laboratorio de Informática y Electrónica Musical. Precisamente de la electrónica, que hace del Auditorio su hogar con este concierto, es un férreo defensor el director. "Si el siglo XVIII fue el piano, el XIX la orquesta y el XX la percusión; el instrumento del siglo XXI es la música electrónica", explica.

La orquesta inaugura este ciclo con obras de transgresores: compositores que han superado los clichés de una música contemporánea que al público le cuesta asimilar. El menú lo forman piezas de Frank Zappa, Ravel, Boulez y Varèse. "Son heterodoxos, han estado en los límites y han encontrado un estilo propio en otras inspiraciones. El rockero Frank Zappa se integró en la clásica, Varèse fue el que incentivó el uso de la percusión como protagonista y Boulez elevó la música contemporánea a lo político y lo intelectual. Lo importante de este concierto es que lleva a lo cotidiano la música actual", explica Cerveró.

Además, se incluye un estreno absoluto para inaugurar el ciclo, una obra de Juan José Colomer encargo del CNDM bajo un evocador título: Semana Santa en Gomorra. "Es una antítesis desde su título. Su música lo que hace es llevar los ritmos de las marchas procesionales a una deformación. Es algo parecido a lo que hacía Goya con los grabados: ha creado un mundo diferente", explica el director.

Un valor añadido a este concierto es la proyección durante la interpretación de Déserts de Varèse de una videocreación firmada por el artista Bill Viola y que solo se puede ver en pequeños circuitos. "Varèse ya tenía pensado hacer una película, pero no pudo ser. Bill Viola recuperó esta idea para la Bienal de Venecia, y es una forma de acercar a la gente a través de la vista la música contemporánea, aprovechando que es el sentido que más desarrollado tenemos", explica.

Pero el gran invitado al templo de la música clásica española es Frank Zappa. Curioso, imaginativo y extravagante, la música del rockero debuta en la sala de Príncipe de Vergara. "Zappa es un personaje con un gran carisma, un revolucionario del rock. En vez de considerarlo como un género cerrado, quiso abrirlo a otras disciplinas", explica Cerveró sobre el músico cuya obra fue resucitada por Pierre Boulez con la London Symphony Orchestra. "Será un descubrimiento para muchos, y hemos decidido tocar el último disco que hizo antes de morir", cuenta el director.

De la dificultad que tiene la música contemporánea para calar en el gran público, Cerveró piensa que "es algo lógico". "Después de 500 años de tonalidad, cualquier cosa diferente causa perplejidad. Pero en principio la música no habla de cosas que están en nuestro entorno de manera realista. No creo que un cuarteto de Beethoven sea menos abstracto que esto", comenta el director.

Cerveró prefiere la denominación de música actual a la de música contemporánea porque "es la música de lo que está ocurriendo ahora". No tiene miedo al público, porque espera reencontrarse con aquellos espectadores "que buscan y no se limitan a encontrar, que son curiosos, tolerantes, críticos y que se hacen preguntas". "Este concierto va a demostrar que la música tiene aún mucho que comunicar. La música tiene que vivirse, amarse, odiarse... la música es la vida", concluye.

Joan Cervero

Zappa-Tarzán

2011-09-23T15:44:00.001-04:30

Este Zappa-Tarzán con las chicas pertenece a la revista

Muziek Expres holandesa editada en mayo del ´76

DIVA ZAPPA NOH8

2011-09-22T14:48:00.002-04:30

DIVA ZAPPA

NOH8

No a la propuesta 8

que en California impide que se realicen matrimonios homosexuales.

ZAPPA BASE BALL

2011-09-22T14:46:00.001-04:30

Frank Zappa signed the ball in 1984 following a game in which he played centerfield for the San Francisco Giants.

Zappa played the entire game on stilts, robbing batters of six home runs.

He also stole four bases, Amazingly, the stilts had no cleats.

2011-09-22T09:11:00.002-04:30

Zappa 'a humane and unusual man'

2011-09-22T09:10:00.001-04:30

Zappa 'a humane and unusual man'

que dice? que dice?

http://news.bbc.co.uk/today/hi/today/newsid_9596000/9596226.stm

lusi g.

Son cortes de una entrevista en que le preguntan a Pauline Butcher;
autora de este libro libro que acaban de publicar ( y quien fue
secretaria de Zappa del 68 al 72)...y que estoy leyendo:

http://www.afka.net/Books/Freak_Out.htm

Freak Out!
My Life with Frank Zappa
Pauline Butcher

Un resumen breve sobre las preguntas-respuestas:

Le encargaron el trabajo como mecanógrafa de ir al hotel donde se
alojaba Zappa en Londres en el verano del ´67 para transcribir los
distintos temas del álbum (Absolutely Free) (para dárselos a la prensa
escrita) y ella cuenta lo sorprendida que se quedó al abrir la puerta
( no le conocía y se creía que se había equivocado de habitación) al
ver las pintas de Zappa.
( Las letras que transcribía las oía ella de la grabación del disco,
pero al darle a FZ el resultado de lo que ella entendía, se
desconojaba Zappa).

Le preguntan por la casa de Laurel Canyon, ( Log Cabin) y los horarios
nocturnos de trabajo de Zappa, principalmente recuerda en la época del
Hot Rats, y sobre todo la música instrumental que practicaba al gran
piano ( no sabía tocar Zappa con las 2 manos a la vez) y a la
guitarra, y también junto a Ian Underwood.

También le preguntan por la estimación de que Zappa en el año 1976 se
presentaría como candidato para las elecciones por la presidencia de
los EEUU, y que no fue sino a partir del 1988 cuando se lo tomó en
serío.

Y a pesar del cáncer de próstata continuó con su carrera como músico
haciendo conciertos.. ( Yellow Shark)...

Y que a no asistió a su funeral (sino los 4 chicos y Gail y nadie más
de su familia, ni hermanos...etc)

Y que le sorprendió lo humano, amable, inteligente y carismático que
era...

javier marcote

THE ZAPPANALE REPORT

2011-09-20T15:18:00.001-04:30

THE ZAPPANALE REPORT

Mira, Carlos, a Peter Van Laarhoven le gustó tu exposición en la Zappanale

http://united-mutations.blogspot.com/2011/09/zappanale-report-part-5.html

Róman..

THE ZAPPANALE REPORT - PART 5

The room on the left had works by Carlos Zerpa, and by Lothar Taube. I wan't impressed by Lothar Taube's work, but Zerpa's pieces were excellent.

And here are some pictures of Carlos Zerpa's work. I like this. Great size (they were huge), great colours and alienating subjects. I like this a lot. (thanks for the pictures, Steffen !!)

Peter Van Laarhoven

United Mutations

IN ZAPPA

2011-09-05T12:42:00.001-04:30

Feeding The Monkies At Ma Maison

2011-09-02T13:24:00.002-04:30

Feeding The Monkies At Ma Maison

For those of you that don't want to know what sex this is, don't read the following:

1. Feeding The Monkies At Ma Maison

2. Buffalo Voice

3. Secular Humanism

4. Worms From Hell

5. Samba Funk

Realized by FZ on his Synclavier. All tracks produced by Frank Zappa.

DIVA ZAPPA

2011-08-30T12:39:00.002-04:30

Citas de Frank Zappa

2011-08-27T17:03:00.001-04:30

Citas de Frank Zappa

recopiladas por Elessar

· "Sin desviarse de la norma, el progreso es imposible".

· "El arte es hacer algo de la nada y venderlo".

· "La estupidez tiene un cierto encanto del que la ignorancia carece".

· "Lee el Kama Sutra ¿Cuánta gente murió por leer el Kama Sutra comparado con la Biblia? ¿Quién gana?"

· "El comunismo no funciona porque a la gente le encanta poseer porquerías".

· "Cuanto más aburrido es un niño, es cuando más sus padres, al mostrar a su hijo, reciben adulaciones por ser buenos padres. Porque tienen un chico domesticado como un animalito en sus casas".

· "Si tienes una vida aburrida y mediocre es por haber escuchado a tu mami, a tu papi, a tus profesores, a los curas o a algún tipo en la televisión diciéndote cómo hacer las cosas ¡Así que te lo mereces!"

· "Cienciología... Pones unas monedas y un tipo te resuelve unas cuantas de tus preguntas, y si pagas suficiente dinero te convierte en un Maestro ¿Qué diferencia tiene con las otras religiones?"

· "Adán y Eva estaban en el paraíso, y el cuento de hadas dice que la serpiente "mala" convenció al hombre de comer la manzana del Árbol del Conocimiento. Y el castigo fue que Eva debería sangrar y él tendría que trabajar ¿Pero qué tenía de malo querer tener conocimiento? Por ello, el cristianismo es una religión anti-intelectual. No quieren que seas inteligente. Así que sé un estúpido imbécil y tienes el cielo ganado. Eso es el cristianismo".

· "Después de todo, Dios escribió el libro, ¡y en él dice que nos hizo a su semejanza! Asi que si somos tontos, entonces Dios es tonto. Y tal vez un poco feo..."

· "Mi consejo como padre es que, si quieres criar a un niño feliz y saludable mentalmente, aléjalo de la iglesia lo más que puedas."

· "Nunca me ha importado que treinta millones de personas puedan pensar que estoy equivocado. El número de personas que pensaban que Hitler tenía razón no prueba que estuviese en lo cierto ¿Tengo acaso que estar necesariamente equivocado sólo porque unos pocos millones de personas piensen que no tengo la razón?"

· "Algunos científicos argumentan que, debido a su abundancia, el hidrógeno es el bloque básico con el que el universo está construido. Estoy en desacuerdo. Pienso que hay mucha más estupidez que hidrógeno, y que por lo tanto la estupidez es el bloque básico con el que el universo está construido".

· "El periodismo musical consiste en gente que no sabe escribir entrevistando a gente que no sabe hablar para gente que no sabe leer".

· "Sin música para decorarlo, el tiempo es sólo un puñado de aburridos plazos límite de producción o fechas en las cuales deben pagarse las cuentas".

· "Escribir sobre música es como bailar sobre arquitectura".

· "La música es físicamente la más inspiradora de todas las artes."

· "Si no lo captas, es que no tenías que captarlo."

· Entrevistadora: “¿Cómo quieres que te recuerden?" — “Yo no quiero que la gente me recuerde."

Frank Zappa (1940-1993), músico estadounidense.

ZAPPAFOTOS

2011-08-17T14:19:00.001-04:30

The new Michael Gray book just arrived in Frankfurt

Great Cover from Cal for the new book of Frank Wonneberg

LUMPY GRAVY?

2011-08-02T20:37:00.002-04:30

LUMPY GRAVY?

Frank Zappa

traducción por Román García Albertos

¿Salsa Grumosa? (FZ, 1967)

Una narración que iba a aparecer en la frustrada edición original de Lumpy Gravy por Capitol en 1967, y que no aparecía en la edición de MGM.

Este texto aparecía en la portada de la abortada edición original del álbum Lumpy Gravy (Capitol STAO-2719, agosto de 1967) que fue retirada del mercado antes de su distribución.

Ha estado lloviendo toda la noche. Un coche negro avanza a través de los húmedos bosques. El viento está soplando y hace frío fuera. Podemos oír la lluvia. No escuchamos el coche.

Hay dos personas en el coche. Uno de ellos está muerto. Tiene 19 años. Vemos lo que queda de sus ojos. Es como si algún instrumento extraño y blando los hubiera golpeado, volviendo los párpados translúcidos, grises e hinchados. Apenas podemos ver las pupilas detrás. Se llama Bernie y trabajaba en una granja.

Es muy tarde. El silencioso coche negro se abre camino a través de un laberinto de calles planeadas con prisa hasta un área de casas nuevas. Las Propiedades del País de las Maravillas del Pan de Jengibre de Cenicienta están todas vacías. Los pequeños bucles de contrachapado que hay en los aleros de cada castillo de ensueño están rajados y desconchados. Los clavos puntiagudos que los sujetan sangran moho. Las ventanas están casi todas rotas. El área está delimitada por alambre de espino y hebras cutres de cuerda de algodón y banderolas chillonas de neón... en todas direcciones de una a otra y arriba y abajo y por los lados, pequeños triángulos de plástico sobre esos maravillosos cables que nunca se estropean, de casa a casa, proporcionan un soporte estructural Dios sabe cuán necesario.

El silencioso coche negro se detiene en una casa turquesa en la esquina de Wand Parkway y Thornhaven Court. El conductor sale y camina lentamente hasta la puerta de la casa turquesa. Todavía llueve. Abre la puerta de contrachapado combada y enciende la luz de la sala de estar. Vemos desde fuera que la casa turquesa está amueblada. El conductor llama desde la puerta. Bernie sale del silencioso coche negro y camina por el sendero hasta la puerta, evitando cuidadosamente los puntos embarrados entre cada loseta circular de cemento hecha a mano y maravillosamente única. Escuchamos unas ranas y la lluvia.

A la luz de una lámpara con forma de carro con un bronce decolorado pintado en la sombra, vemos el siniestro rostro del conductor claramente por primera vez. Se parece a la imagen personal que cada uno tiene de su propio padre cuando se pone furioso. Dice: "Bernie... ¿por qué has huido, hijo?"

Bernie no le mira. Arrastra los pies un poco y mira a los muebles de la habitación... a través de sus bultos translúcidos. Parece encontrar las cosas como estaban antes... el sillón vibrador de sky, la reproducción en tres colores del Gran Cañón con el marco de arce realzado sobre la sección marrón con hilos metálicos que se enganchaban en las hebillas de su chaqueta, las mesas de paso de nogal con las viejas revistas y los mantelillos y la caja de Kleenex, con la mesilla de café de caoba con cajones a juego y con mantelillos contrastados y cromos de todas partes en un pequeño botellero de latón. Se levanta y va a la cocina, pensando para sí mismo (y odiando admitirlo) que estaría bien sentarse en la vieja mecedora verde otra vez, pero sabía que necesitaba una Coca-Cola.

"¿Quieres que te destroce de verdad, chico? ¿Lo que te hice en los ojos no fue bastante para ti? ¿Tienes idea de lo que esa cosa le puede hacer a tu boca si la utilizo contigo? ¿Por qué has huido, hijo?"

Bernie se bebe nerviosamente su Coca-Cola. Espumea dentro de él mientras se vuelve a responder, "No lo sé, papá... no lo sé. ¿Por qué tuviste que usar esa cosa en mis ojos? Duele mucho... y me siento muy raro." Otro sentido trago de su bebida y Bernie continúa, "¿Cómo me has encontrado?"

"¡No me hagas preguntas! ¡Yo hago las preguntas! ¡Dime por qué has huido así! ¿Esta no era una casa lo suficientemente buena para ti? Todo lo que hay aquí es de primera mano... ¡nunca habíamos tenido cosas de primera mano antes de mudarnos aquí! Me dejo el culo en ese lugar del gobierno y consigo suficiente dinero para comprarlo todo nuevo... casa nueva, muebles nuevos, tocadiscos portátil... todo lo que nunca habíamos tenido antes... ¡y tú te vas a trabajar a una granja!"

"Tenía que hacerlo, papá. Echaba de menos cómo eran las cosas cuando vivíamos en el campo. Echaba de menos a los animales y todo eso. Ojalá nunca hubieras aceptado ese trabajo en la planta de Alabama... así nunca te hubieran transladado aquí... y yo nunca hubiera tenido que huir y ser atrapado... y no tendría los ojos mal. ¿Ha comprado mamá salchichas esta semana?"

"Está por ahí en alguna parte. ¿Sabes lo que le hice a tu madre?"

Bernie muerde el envoltorio de plástico de las salchichas con una pericia sólo conocida por gente a la que le encanta la salchicha y que odia coger un cuchillo para abrirla. Los años le han enseñado dónde morderlo exactamente. Escuchamos romperse el plástico y el pequeño "puf" de la ruptura del vacío. Bernie hace tres lonchas y se las come. Mientras mastica, dice, "¿Qué le has hecho a ella? ¿Los ojos, como a mí?"

"Quería que lo dejara y volviera. Le dí en los ojos y en la boca... hace dos semanas. Ya no va a la compra, así que Sharva tiene que hacerla."

"¿Sharva compró esto? ¿Cómo consiguió esta marca?"

"Puede que haya estado preocupada por ti y por mamá. Es duro para un niño ver los ojos y la boca de su madre así. Ahora le doy un poco más de paga. Se ha comprado una cesta para la bicicleta para no tener que cargar con todo desde el supermercado. Ahora lo hace en tres viajes."

Bernie coge tres lonchas más de salchicha y se las come, sólo que esta vez saca la mostaza y las moja mientras se las come. "Chico, mira que me siento raro. No sé si me estoy poniendo malo o he estado malo o qué. ¿Qué aspecto tiene su boca?"

"¡Vaya pregunta del demonio! ¿Qué aspecto crees que tiene? Está toda hinchada... y como grisácea... y casi se pueden ver los dientes hasta la raíz... y sus dos ojos están como los tuyos... y ella ya ha hecho la transición. Ahora nos llevamos mucho mejor, ¡así que no te hagas el listillo con ella! A tu transición le debe faltar poco ya. Yo te enseñaré disciplina y modales y respeto a tus mayores."

MUÑEQUITOS DE ZAPPA

2011-07-18T14:48:00.001-04:30

ZAPPANALE

2011-07-14T08:07:00.002-04:30

please enjoy the exhibition poster designed by Helmut King:

Carlos Zerpa ZAPPANALE

hommage to Captain Beefheart

http://www.zappanale.de/zappanale/de/home.html

JOHN LENNON & YOKO ONO & FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION

2011-07-01T11:19:00.001-04:30

JOHN LENNON, YOKO ONO, FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION

Fillmore East 1971.

mostachos

2011-06-24T10:42:00.002-04:30

EL DIA DE FRANK ZAPPA

2011-06-14T08:49:00.002-04:30

En Baltimore (EE.UU.) se celebra el “Frank Zappa Day” (Día de Frank Zappa), una jornada oficial en honor de tan importante músico (nacido en dicha ciudad –dicho sea de paso-) y que fue proclamada por la alcaldesa Sheila Dixon, debiendo destacarse que no sólo por sus méritos musicales, sino también por la defensa que el artista siempre había hecho de la Primer Enmienda de la Constitución.

TRES de ZAPPA

2011-06-14T08:45:00.002-04:30

1993

2011-05-19T12:28:00.000-04:30

Jamie Livingston, el hombre que tomó una foto al día durante 18 años.

En esta foto, Livingston marcó la fecha de la muerte de Frank Zappa con una foto del televisor, el 6 de diciembre de 1993.

Woodstock NO

2011-05-11T09:36:00.001-04:30

El motivo de Frank Zappa para rehusarse a asistir con sus Mothers of Invention al festival de Woodstock en 1969 nunca ha sido claro.

En una entrevista a Jimmy Carl Black, en el año 2007 él cuenta que Frank Zappa le dijo:"Nos invitaron a ir a Woodstock, los Mothers fueron invitados para tocar en Woodstock, pero no quiero tocar para un puñado de "hippies" y de todos modos, no va a ir nadie"

Zappaaaaaaaaaaaaaaaaaa

2011-05-09T19:32:00.001-04:30

HOT RATS

2011-05-09T15:06:00.000-04:30

En Zappa

2011-05-08T23:02:00.003-04:30

LOS BATERÍAS DE FRANK ZAPPA

2011-05-07T13:45:00.003-04:30

LOS BATERÍAS DE FRANK ZAPPA

Benet García

(1)

JIMMY CARL BLACK

Inicio esta serie titulada 'los baterías de Frank Zappa' con el que fue su primer percusionista dentro del grupo The Mothers of Invention, Jimmy Carl Black (1938-2008). 'El Indio', como se le llamaba en ocasiones colaboró con FZ en la primera etapa que va desde Freak Out! hasta su aparición en 200 Motels. Podemos escucharlo en:

Freak Out!, Absolutely Free, We're Only in It for the Money, Cruising with the Ruben and the Jets, Burnt Weenie Sandwich, Weasels Ripped my Flesh y Uncle Meat.

Como vemos, abarca una importantísima etapa (1966 - 1969) ya que formó parte de la primera formación de The Mothers incluyendo álbumes fundamentales en la Historia del Rock. En algunos de los álbumes citados comparte la percusión con otros baterías como Art Tripp o Billy Mundi de los que ya editaremos sus próximos posts correspondientes.

Al finalizar su etapa con The Mothers formó su propia banda llamada Geronimo Black y luego otro grupo junto a otros ex-Mothers llamada The Grandmothers además de cooperar en algún que otro disco de FZ como You Are What You Is en los años 80.

Quizás no fuera el batería más espectacular ni mejor técnicamente ya que la historia de FZ lleva nombres del calibre de Chester Thompson, Aynsley Dunbar o Terry Bozzio, pero la etapa que cubrió Jimmy Carl Black es imprescindible para poder entender una parte de nuestra historia musical, la historia de The Mothers of Invention, para muchos, la mejor etapa.

(2)

ART TRIPP

Arthur Dyer Tripp III o Art Trip fue otro de los baterías de la primera formación de The Mothers of Invention, que junto a Jimmy Carl Black formaron parte de aquella bizarra formación, incluso compartiendo cartel en algunos discos.

El primer LP en el que lo encontramos es Cruising With Ruben & The Jets de 1968, luego lo podemos escuchar en Uncle Meat, también del mismo año, en Burnt Weeny Sandwich y en Weasels Ripped My Flesh, las dos últimas obras de The Mothers que fueron publicadas en 1970 ya una vez la banda se hubo separado.

Una vez finalizada su etapa con The Mothers su carrera estuvo muy unida con Captain Beefhart and The Magic Band.

zaaaaappaaaaaaaaa

2011-05-06T12:02:00.000-04:30

DOS DE LOS GRANDES

2011-04-22T17:03:00.001-04:30

ZAPPA EN BOGOTÁ COLOMBIA

2011-04-14T09:06:00.002-04:30

He sido invitado a The ZAPPANALE exhibition 2011

2011-03-09T15:32:00.003-04:30

He sido invitado a

The ZAPPANALE exhibition 2011

Ellos dicen:
Dear Carlos Zerpa,

Your Zappa drawings would fit perfectly to a Zappanale exhibition.

Music is the best!
Dieter
Zappanale Exhibition

First was the exhibition of Bruce Bickford’s clay figures. Since his work together with Frank in the “Baby Snakes” and “The Amazing Mr. Bickford”.

Two years ago, the exhibition was focused on Ur-Mother Jimmy Carl Black, pieces from the private and professional world of Jimmy, including several sculptures, casting light on his less well know aspirations as a visual artist.
Last year the exhibition was focused the exhibition as some new works of Cal Schenkel (Zappa Cover Designer) and Helmut King.

And NOW Carlos Zerpa from Caracas Venezuela
The ZAPPANALE exhibition 2011
The annual music festival held in Bad Doberan,
a German town previously part of East Germany.

Frank Zappa en Miami Vice

2011-03-07T23:59:00.001-04:30

Frank Zappa en Miami Vice
Por Klamm

En el episodio de Miami Vice rodado en 1986 "The Payback", Frank Zappa encarna a un narco latino llamado Mario Fuente. Los rasgos sicilianos que el músico heredo de su padre le dieron una una notable credibilidad para el personaje. En su breve aparición Zappa es detenido por Sonny Crockett y Ricardo Tubbs debido a sus mayúsculos negocios con weasel dust (cocaína).

No fue el único músico al que le ofrecieron un papel en la serie. Entre la lista de grandes estrellas que hicieron su cameo encontramos a Leonard Cohen, Gene Simmons, Ted Nugent, Phil Collins, Miles Davis, James Brown o Willie Nelson.

Además de la música original compuesta para la serie por Jan Hammer, Miami Vice solía incorporar canciones de grandes músicos en activo durante los 80. The Payback hubiera sido redondo si además se hubiera acompañado con un temazo zappero, pero en su lugar incluyeron canciones de INXS, X, Chris Isaak y Sly & Robbie.

Si quieres ver el video
http://www.youtube.com/watch?v=JPVjXgw4sUU&feature=player_embedded#at=65

ZAPPA VIVE

2011-02-09T09:43:00.003-04:30

ZAPPA VIVE
Zappa vive, una discografía póstuma
Escrito por Román García Albertos
Martes 01 de Febrero de 2011 00:00

Francesco Vincente Zappa (Maryland 1940, Los Angeles 1993) es sin duda el más prolífico de los creadores del rock. Sus discos se cuentan por docenas y todavía ni vemos el fondo del barril. Cuando Frank Zappa dejó este mundo el 4 de diciembre de 1993, después de treinta años de carrera, no nos dejó solos. Adicto al trabajo y archivista compulsivo, en las bodegas de su mansión de Los Ángeles almacenó infinidad de grabaciones inéditas, en todos los formatos imaginables, en directo y en estudio, a veces en forma de álbumes terminados, que el ZFT (Zappa Family Trust, es decir, sus herederos) va publicando poco a poco. De momento, a las más de sesenta que editó en vida —y que el sello Rykodisc se encarga de distribuir casi al completo—, hay que añadir unas treinta nuevas referencias discográficas publicadas en los últimos catorce años.

Civilization Phaze III

(2 CDs, Barking Pumpkin, 1994)

Sin duda una de las obras maestras de Zappa, creada e interpretada casi íntegramente con el Synclavier, la poderosa estación digital de composición y producción musical con la que escribió sus últimas obras. La música contenida —en la que estuvo trabajando durante diez años— lleva a límites inusitados todos los aspectos habituales en las composiciones de Zappa, jugando con el ritmo, el tono, el tiempo, la melodía y el timbre, aprovechando las capacidades de muestreo digital del Synclavier para conseguir orquestaciones imposibles. A destacar la breve y deliciosa «Amnerika» y las largas y complejas «N-Lite» y «Beat The Reaper». Las piezas están unidas por conversaciones entre unos personajes, recuperados de Lumpy Gravy (1968), que viven dentro de un piano mientras se plantean el sentido de la vida en un mundo dominado por cerdos y ponis. Hubo un proyecto frustrado de estrenar la obra en Viena, con bailarines representando en pantomima los textos y acciones descritos en el detallado libreto que acompaña al disco. La lujosa portada ganó en 1995 el Grammy al mejor empaquetado.

The Lost Episodes

(CD, Rykodisc, 1996)

Una recopilación preparada por Zappa con grabaciones inéditas realizadas sobre todo entre 1958 y 1973. En orden más o menos cronológico nos va arrojando pequeños fragmentos de su vida artística, incluyendo un extracto de su primer concierto para orquesta, partes seleccionadas de una de sus primeras bandas sonoras, grabaciones de su estudio en Cucamonga, colaboraciones con Captain Beefheart, descartes impresionantes con músicos como George Duke o Jean-Luc Ponty, y muchas cosas más —incluidas algunas grabaciones de antropología de campo al estilo Zappa—, hasta completar treinta pistas. Interesante no sólo por lo que tiene de documento histórico, sino por la cantidad y calidad de la música que contiene, con joyas como una primitiva versión jazzística de «Take Your Clothes Off When You Dance», «Wonderful Wino» cantada por el increíble Rick Lancelotti, el instrumental inédito «Kung Fu», y sobre todo la versión de doce minutos de «Sharleena» con la voz y el violín del inigualable Sugarcane Harris. La portada es del dibujante húngaro Gabor Csupo, fan irredento de Zappa conocido por su trabajo en Rugrats.

Läther

(3 CDs, Rykodisc, 1996)

En 1977, deseoso de romper con ellos, entregó a Warner los cuatro álbumes que les debía —Zappa In New York (1978), Studio Tan (1978), Sleep Dirt (1979) y Orchestral Favorites (1979)—, pero la compañía no parecía querer publicarlos, así que consideró que habían roto el contrato y se declaró libre de reutilizar el material, reorganizándolo en una caja de cuatro elepés que llamó Läther y que trató de publicar en su nueva compañía, Zappa Records. Por presiones de Warner la fabricación se canceló, dejando a Zappa sin compañía y con una gira de promoción ya en marcha, pero sin disco. Casi veinte años después, Läther ve la luz oficialmente por primera vez y, aunque la mayoría de la música aparece en aquellos cuatro álbumes originales —que Warner terminó publicando y que fueron reeditados en CD en su momento—, también hay algunas cosas inéditas, como una versión antigua de «A Little Green Rosetta» o el interesante instrumental «Down In De Dew». En cualquier caso, este triple CD se convierte en una de las piezas más interesantes de la discografía de Frank Zappa, ya que reúne casi todos los aspectos de su obra y es en definitiva un compendio con algunas de sus mejores grabaciones de los años setenta.

Frank Zappa Plays The Music Of Frank Zappa: A Memorial Tribute

(CD, Barking Pumpkin, 1996)

Un homenaje preparado por su hijo Dweezil: las tres composiciones para guitarra más personales de Frank Zappa —«Black Napkins» y «Zoot Allures» de Zoot Allures (1976) y «Watermelon In Easter Hay» de Joe’s Garage (1979)—, cada una en sendas versiones, la del álbum original, cortesía de Rykodisc, y otra inédita grabada en directo. Para completar, «Merely A Blues In A», una improvisación donde por una vez se le puede escuchar tocando blues, uno de sus primeros amores. Destaca la versión de «Zoot Allures» grabada en Tokyo en 1976, que acaba siendo todo un festival de guitarra de quince minutos en el que podemos encontrar desde el Zappa más delicado al más ácido. La portada consiste en un auténtico bigote de pelo sintético a tamaño real, con el título del disco escrito a mano por Matt Groening, el creador de The Simpsons.

Have I Offended Someone?

(CD, Rykodisc, 1997)

Otro de los discos que el propio Zappa dejó acabados, una recopilación especial con sus canciones más ofensivas. No hay ninguna nueva, pero sí un par de versiones inéditas, y las conocidas han sido reconstruidas y remezcladas. El sonido del disco es espectacular y la selección no deja títere con cabeza: bromas sobre el movimiento de liberación de la mujer y la homosexualidad, chistes sobre Francia, burlas sobre la nostalgia de los sesenta y sus héroes muertos, descripciones de las costumbres sexuales secretas de las chicas creyentes, observaciones crueles sobre el negocio musical, etc. Entre lo más destacable, la remezcla de «Goblin Girl», del álbum You Are What You Is (1981), y la magnífica versión en directo de «Dumb All Over», el rap contra todas las religiones. La portada reproduce una ilustración de Ralph Steadman, famoso por sus colaboraciones con Hunter S. Thompson, y en el libreto hay un artículo de Ed Sanders, de The Fugs.

Mystery Disc

(CD, Rykodisc, 1998)

Reedición en formato CD de los dos Mystery Discs con grabaciones oscuras e inéditas que se incluían de regalo en las dos primeras cajas de la serie The Old Masters (1985-1987), con la que Zappa comenzó a reeditar en vinilo sus viejos discos. Reutilizó parte de estas grabaciones en otros discos como The Lost Episodes (1996) y sobre todo Ahead Of Their Time (1993), pero aun así queda suficiente material interesante —más cosas antiguas de Captain Beefheart y descartes del estudio de Cucamonga, actuaciones en directo de grupos anteriores a The Mothers y extractos de algunos de los primeros conciertos y ensayos de éstos—, como para justificar la reedición. Además, un extenso libreto diseñado por Calvin Schenkel, con un buen montón de fotos inéditas.

Everything Is Healing Nicely

(CD, Barking Pumpkin, 1999)

Un proyecto al que Zappa no tuvo tiempo de dar forma definitiva —lo acabó el técnico Spencer Chrislu—, y que recopila algunos de los momentos estelares de los primeros ensayos del Ensemble Modern en Los Ángeles, durante el verano de 1991, cuando Zappa comenzaba a comprobar la versatilidad, la perfección y el compromiso de esta pequeña orquesta de cámara de Frankfurt, con la que grabaría The Yellow Shark (1993), uno de sus mejores discos. Aquí podemos escucharles interpretando piezas complejas leyéndolas directamente de la partitura, o improvisando a las órdenes del compositor, que les enseñó a dejarse utilizar como un instrumento, como en la hilarante «Master Ringo», en la que el pianista Hermann Kretzschmar lee la sección de cartas al director de una revista de piercing extremo mientras Zappa dirige las improvisaciones del resto del grupo. En «Roland’s Big Event/Strat Vindaloo» podemos escuchar uno de los últimos solos de guitarra de Zappa, acompañado por el violín de su viejo amigo L. Shankar.

FZ:OZ

(2 CDs, Vaulternative, 2002)

Primer título del nuevo sello discográfico del ZFT, un concierto casi completo grabado en Australia con la última formación de The Mothers Of Invention, que giró por todo el mundo entre 1975 y 1976. Se trata de uno de los grupos más reducidos y menos virtuosos que tuvo nunca Zappa, aunque tremendamente efectivo: sólo el batería Terry Bozzio, el bajista Roy Estrada, el cantante y saxofonista Napoleon Murphy Brock y el teclista André Lewis le acompañan, dejándole a él casi toda la responsabilidad rítmica y armónica del grupo. Así, Zappa y su guitarra —solista y rítmica— se hacen omnipresentes a lo largo de las casi dos horas y media que dura el álbum. El peso del repertorio —con una sola canción inédita, «Kaiser Rolls»— se lo llevan las canciones de Zoot Allures (1976), destacando la versión de «The Torture Never Stops», con la aparición estelar del cómico australiano Gary McDonald. Aparte de clásicas de los setenta, también se recuperan canciones antiguas, como la versión reggae de «Take Your Clothes Off When You Dance», y se estrenan otras de futuros discos, como «Canard Toujours», embrión del «Let’s Move To Cleveland» de los ochenta.

Halloween

(DVD-Audio, DTS-Vaulternative, 2003)

Selección extraída de la serie de actuaciones en el Palladium de Nueva York durante la semana de Halloween de 1978 —seis conciertos con más de doce horas de música, de los que aquí se han destacado apenas unos setenta minutos—, realizada por Dweezil, y que se centra en lo más conocido del repertorio, las canciones que el público pedía una y otra vez, noche tras noche, y que apenas sufrían variación —de hecho, muchas de ellas también aparecen en el disco anterior—, pero aún así incluye algunos de los grandes momentos únicos que se vivieron esos días, como la versión completa del solo «Ancient Armaments», que hasta ahora sólo había aparecido como cara B de un sencillo, o las dos colaboraciones del violinista L. Shankar, «Conehead» y «Black Napkins (The Deathless Horsie)». El interés principal del disco es que está editado en el nuevo formato DVD-Audio y mezclado en 5.1, lo que asegura una experiencia auditiva excepcional. La mezcla trata de recrear la sensación de concierto, con el grupo al frente —con la excepción del solo de batería de Vinnie Colaiuta, «Zeets», que sitúa al oyente en una posición privilegiada—, y el encargado de hacerla ha sido Joe Chicarelli, que fue el que grabó los conciertos originales para Frank Zappa.

Joe's Corsage

(CD, Vaulternative, 2004)

El primero de una serie de discos con curiosidades y rarezas encontradas entre las viejas cintas de las bodegas por Joe Travers, el encargado de catalogarlas, restaurarlas y transferirlas a un formato utilizable. En este caso se trata de maquetas y grabaciones en directo de los Mothers originales —Frank Zappa, Ray Collins, Roy Estrada y Jim Black, a los que se une en algunas canciones Henry Vestine, futuro miembro de Canned Heat— anteriores a su primer álbum, en la época en que eran sólo un grupo de rock&roll, ni más ni menos. Entre las curiosidades, «I’m So Happy I Could Cry», versión romántica de la canción que luego sería conocida como «Take Your Clothes Off When You Dance», y versiones en directo de los Righteous Brothers y Marvin Gaye. Para contextualizar, el álbum se completa con algunas jugosas declaraciones de Zappa contando los orígenes del grupo y unas fotos del mismo en su entorno natural, el Whisky à Go-Go de Los Ángeles, a finales de 1965.

QuAUDIOPHILIAc

(DVD-Audio, DTS-Barking Pumpkin, 2004)

Un repaso en DVD-Audio a algunas de las mezclas inéditas que Zappa preparó en los setenta para el sistema cuadrafónico, que terminó siendo un fracaso comercial por diversas circunstancias, pero cuyas posibilidades él siguió estudiando, ya fuera para posibles discos o para bandas sonoras de películas. Ya en los años noventa llegó a diseñar un sistema de seis vías con el que hizo mezclas alternativas de casi todos sus últimos trabajos. Contiene grabaciones con orquesta de 1975, como la magnífica «Rollo», remezclas de piezas conocidas, como «Waka/Jawaka», y algunas cosas inéditas muy interesantes, como el solo «Venusian Time Bandits» y la experimental «Basement Music #2», grabada con un sintetizador y una caja de ritmos en el sótano de su casa. Dweezil promete más ediciones en este formato cuadrafónico, tan apropiado para disfrutar hasta el último detalle de la música de Zappa.

Joe's Domage

(CD, Vaulternative, 2004)

El segundo volumen de la serie de Joe Travers es bastante más difícil de digerir, ya que se trata de la edición en CD de uno de los ensayos preliminares a las sesiones que darían lugar a Waka/Jawaka (1972) y The Grand Wazoo (1972). Es decir, Zappa explicando y cantando a sus músicos diferentes partes de diferentes composiciones, repeticiones, pruebas, fallos, nuevas explicaciones, más repeticiones, etc. Lo que es un ensayo, vaya. Nos da la oportunidad de asomarnos al proceso creativo de Zappa y nos permite comprender mejor cómo componía y cómo trabajaba con sus grupos en una de sus épocas más interesantes, si bien con un sonido que deja bastante que desear. Aparte de canciones incluidas en esos álbumes y un fragmento de la sección final de «Greggery Peccary», la sesión encierra una pequeña joya inédita que han listado como «Another Whole Melodic Section», una vieja y delicada pieza de apenas dos minutos.

Joe's XMASage

(CD, Vaulternative, 2005)

El tercer y de momento último volumen de la serie de Joe se remonta a los tiempos en que Zappa trabajaba en el estudio de Cucamonga, entre 1962 y 1965, antes de la formación de The Mothers, mientras se ganaba la vida tocando en garitos de mala muerte los fines de semana para ayudar a mantener la casa que compartía con su primera esposa en Ontario, California. Una auténtica pieza de arqueología, vaya, que incluye algunas de las primeras grabaciones de campo de Zappa, como el detallado análisis del contenido del bolso de una chica católica a cargo del batería Al Surratt, y una entrevista fingida entre Zappa y Ray Collins explicando cómo hay que bajarse los pantalones para entrar en el negocio musical. En la parte musical, que no llega a cubrir la mitad del disco, destacan una larga improvisación para guitarra acústica grabada en el estudio poco antes de ser arrestado por la brigada anti-vicio y dos fragmentos de collage electrónico con cinta magnetofónica. Para cerrar el disco, doce minutos del programa de radio que Zappa hacía en aquella época.

Imaginary Diseases

(CD, Zappa Records, 2006)

Uno de los lanzamientos más esperados por los aficionados. En septiembre de 1972 Zappa recorrió los escenarios con una orquesta eléctrica de veinte músicos conocida como The Grand Wazoo, y de nuevo en octubre con una versión más reducida de diez músicos —entre ellos el multiinstrumentista Tom Malone, el trombonista Bruce Fowler o el legendario batería Jim Gordon— que bautizó informalmente como Petit Wazoo, protagonista de este disco. Hasta ahora no se había publicado grabación alguna de ninguna de las dos bandas, y ese hueco comienza a cubrirse con esta recopilación montada a partir de piezas seleccionadas, mezcladas y editadas por el propio Zappa, todas instrumentales. Destacan la extensa «Farther O’Blivion» y la composición inédita «Imaginary Diseases», que sólo se interpretó en esta gira, pero sobre todo lo que el disco contiene son muchas, muchas improvisaciones individuales (prácticamente todos los músicos del grupo tienen su momento de gloria) y colectivas, dirigidas por Zappa.

Trance-Fusion

(CD, Zappa Records, noviembre de 2006)

Una nueva recopilación de solos de guitarra completada por Zappa para añadir a las dos anteriores, Shut Up ‘N Play Yer Guitar (1981) y Guitar (1988). Se llevaba anunciando desde hace bastantes años y la edición finalmente se hizo coincidir con el comienzo de la gira Zappa Plays Zappa, con la que Dweezil recorre el mundo desde 2006 interpretando la música de su padre. Resulta apropiado, porque el álbum se abre y se cierra con el propio Dweezil de invitado especial alternando solos con él. La mayoría de los cortes procede de 1988 y 1984, con un par de excepciones, así que junto a la guitarra de Zappa podemos disfrutar también del bajo de Scott Thunes y la batería de Chad Wackerman, sus dos acompañantes principales en sus arriesgadas exploraciones instrumentales. Entre los más destacables está el que da título al álbum, «Trance-Fusion», con una interesante línea de bajo, y «Bowling On Charen», grabado en 1977, aunque realmente el disco se deja escuchar como un todo continuo.

The MOFO Project/Object

(4 CDs, Zappa Records, 2006)

Para celebrar el cuarenta aniversario de la publicación del primer álbum de The Mothers Of Invention, el ZFT publicó este documental sonoro de lujo, The Making Of Freak Out! An FZ Audio Documentary, cuatro CDs con un envoltorio espectacular. El primer disco contiene la mezcla para vinilo, tal y como se publicó en 1966, ligeramente diferente a la que apareció en CD. El segundo lleva tomas alternativas de las voces, pistas instrumentales, y sorpresas como «Groupie Bang Bang», una canción inédita donde se nos cuentan de forma explícita las aventuras sexuales de una groupie de Hollywood. El tercero comienza con ensayos y descartes de la última sesión de grabación del álbum, para la que Zappa alquiló un montón de instrumentos de percusión e invitó al estudio a la mayoría de los freaks que pululaban por Sunset Strip aquellos gloriosos días de la primavera de 1966, con Kim Fowley como maestro de ceremonias dirigiendo los berridos y aullidos —entre los que se esconden algunas piezas inéditas muy interesantes como «Percussion Object 1 & 2»—, y se completa con un extracto de una actuación del grupo en el Fillmore de San Francisco. El cuarto CD continúa con pistas instrumentales y remezclas, intercaladas con fragmentos de entrevistas en las que Zappa nos va contando la historia del disco y del grupo.

Buffalo

(2 CDs, Vaulternative, 2007)

Un concierto completo grabado en la ciudad de Buffalo, Nueva York, en octubre de 1980. El grupo es uno de los más interesantes que tuvo Zappa, repleto de músicos y cantantes excepcionales, un equilibrio que nunca fue fácil de conseguir: Arthur Barrow al bajo y Vinnie Colaiuta a la batería; en los teclados el habitual Tommy Mars y el también trompetista Bob Harris, poseedor además de un falsete excepcional; en las voces, Ike Willis y Ray White, dos de los cantantes favoritos de Zappa, aunque pocas veces pudo cazarlos juntos; y para acabar, un jovencísimo Steve Vai, que debutaba como guitarrista. Por si semejante grupo fuera poco aliciente, la grabación original se realizó con una unidad móvil de 24 pistas, lo que garantiza un sonido impresionante. El repertorio del concierto se basa en Tinsel Town Rebellion (1981) y otros álbumes de la época, como Sheik Yerbouti (1979), sin olvidar canciones de los viejos tiempos como «Chunga’s Revenge» o la larga versión de «The Torture Never Stops», repleta de solos, y curiosidades entre las que destaca una de esas hilarantes narraciones medio cantadas medio contadas que Zappa improvisaba sobre la marcha, «The Real World Thematic Extrapolations», donde nos cuenta las aventuras de un incauto joven en una de las discotecas de moda de Nueva York.

The Dub Room Special!

(CD, Zappa Records, 2007)

La banda sonora de la película de 1982 The Dub Room Special! —recientemente reeditada en DVD por Eagle Vision—, que Zappa preparó para un posible vinilo aquel mismo año. Se alternan grabaciones de dos conciertos con dos grupos completamente diferentes: uno en Los Ángeles en 1974, para un especial de televisión, y otro en Nueva York en 1981, en lo que fue el primer concierto emitido en directo por la recién creada MTV. Las estrellas indudables del grupo de 1974 son la percusionista Ruth Underwood y el teclista George Duke, mientras que en las dos grabaciones del hiper-eficiente grupo de 1981, los protagonistas son Steve Vai y la pareja formada por el percusionista Ed Mann y el teclista Tommy Mars. En las notas del disco, John Frusciante nos cuenta cómo comenzó a coleccionar discos de Zappa con catorce años y cómo aprendió a leer partituras estudiándose sus solos.

Wazoo

(2 CDs, Vaulternative, 2007)

Un concierto completo del ya mencionado y hasta ahora inédito Grand Wazoo de veinte músicos. En total, doce instrumentos de viento, un violonchelo, dos percusionistas, un teclista, dos guitarristas, bajo y batería, ni más ni menos. Con un sonido más que aceptable para estar grabado en sólo dos pistas y hace 35 años, el doble CD nos presenta el último concierto de la gira, en Boston, septiembre de 1972, con el grupo completamente adaptado al complejo repertorio, 100% instrumental. En su hora y media de duración el álbum no tiene ni un minuto de desperdicio, aunque destacan la tremenda versión de «The Grand Wazoo (Think It Over)» y los varios movimientos interpretados de «The Adventures Of Greggery Peccary», que excepcionalmente incluyen un buen puñado de solos e improvisaciones. En definitiva, todo un lujo para los oídos.

Paralelamente a estas nuevas ediciones, Rykodisc ha ido elaborando y publicando una serie de discos recopilatorios sin material inédito: Strictly Commercial: The Best Of Frank Zappa (1995) reúne algunos singles y se convirtió en uno de sus discos más vendidos, atrayendo a toda una nueva generación hacia su música; Zappa en la Radio (1997) fue elaborado por Marcelo Gasió y Alfredo Rosso en exclusiva para el mercado argentino; Strictly Genteel: A «Classical» Introduction To Frank Zappa (1997) reúne sólo piezas instrumentales; Cheap Thrills (1998) y Son Of Cheap Thrills (1999) se publicaron a precio de saldo para anunciar que se rebajaba buena parte del catálogo; Threesome No. 1 y Threesome No. 2 (2002) reúnen en sendas cajas los tres primeros discos de The Mothers Of Invention y los tres discos más jazzísticos de Zappa; y lo último por ahora, Zappa Picks by Jon Fishman of PHISH y Zappa Picks by Larry LaLonde of PRIMUS (2002), donde los dos músicos seleccionan sus favoritas, y que nos hablan más sobre sus gustos que sobre la música de Zappa.

De todos los mencionados, sólo los discos editados por Rykodisc tienen una distribución normal y se pueden encontrar en nuestras tiendas. El resto de sellos —Barking Pumpkin, Vaulternative y Zappa Records— los distribuye directamente la familia Zappa a través de su página en www.zappa.com. En España últimamente los está distribuyendo por correo el sello valenciano Hall Of Fame Records (www.halloffame.es), especializado en propuestas arriesgadas de calidad certificada.

El legado de Frank Zappa va creciendo y creciendo de forma imparable, y eso sin mencionar todo lo que pueda existir en las bodegas y de lo que ni siquiera tengamos noticias, ya que, tal y como apunta Steve Vai en las notas que escribió para Imaginary Diseases (2006), ‘’esta plétora de grabaciones inéditas es tan enorme que ni siquiera en el tiempo que te quede de vida (independientemente de lo viejo que seas cuando leas esto) podrás llegar a escucharlo todo’’.

Román García Albertos
Publicado en Ruta 247, marzo 2008.

ZAPPA BLACK CAT

2011-02-06T13:15:00.002-04:30

Zappa y Las Madres

2011-01-30T13:43:00.001-04:30

Zappa InFrance

2011-01-29T11:03:00.004-04:30

Zappa InFrance

simpatico

2011-01-22T19:28:00.001-04:30

ZAAAAPPAAAAAAA

2011-01-22T19:22:00.003-04:30

September 19, 2010
2:00PM
Enoch Pratt Free Library 3601 Eastern Avenue Baltimore, MD 21224
Frank Zappa statue to be dedicated on Sunday, September 19 at the Southeast Anchor Branch of the Enoch Pratt Free Library located at 3601 Eastern Avenue.
Additional details are forthcoming.
The sculpture is a gift to the city of Baltimore orchestrated by three guys from Lithuania: Saulius Paukstys, Saulius Pilinkus and Arturas Baublys.
It is a replica of the bust of Frank Zappa installed in Vilnius (pictured here), created by artist Konstantinas Bogdanas.
The gift and location were approved by the Baltimore City Public Art Commission and sanctioned by the family.
Legendary musician and composer Frank Zappa was born in Baltimore in 1940 and passed away in 1993, at home in Los Angeles.
He is internationally recognized as one of the most innovative composers and musicians of the 20th century with a career spanning more than 30 years.

esa sonrisa contagiosa

2011-01-22T19:17:00.002-04:30

CALVIN

2011-01-13T17:39:00.001-04:30

Calvin y el asiento de atrás de su coche...
por Calvin Schenkel
Traducción de Román García Albertos

Mi Pontiac del 39 estaba en el taller, así que le pedí prestado su coche a Frank. Era el Jaguar Mark VIIII blanco de 1959 que antes perteneció a Captain Beefheart y que conducía Janet [Neville-Ferguson]. Cuando funcionaba. Ya sabes, aquél al que quemaron los asientos (pero yo no me acuerdo de eso). Nada más dejar la casa de Frank estoy parado en la esquina de Mulholland y Laurel Canyon Blvd esperando que cambie un semáforo en rojo, cuando veo a dos auto-estopistas, una pareja de hippies, ahí parados esperando que los lleven. Lo siguiente que sé es que se están montando en la parte de atrás del coche. Supongo que debieron pensar que me estaba ofreciendo a llevarlos (no les dije que entraran al coche ni les hice señas ni nada, ni siquiera estaba pensando en ello), así que les pregunté dónde iban y ¡no dijeron NADA!

Conduje por Laurel Canyon Blvd pasada la Cabaña de Troncos, pasada la casa de Harry Houdini, pasado el Country Store y hacia Hollywood. (Yo estaba con Sherri entonces, pero se me había olvidado hasta que ella me lo contó hace un par de meses, ¡y ella se acuerda también de todo esto!) Llegué a la parte baja de la colina e iba a torcer a la derecha. Les pregunté algo así como "mirad, voy a torcer a la derecha, ¿queréis bajaros?" No dijeron nada. Estaban ahí en blanco. Me imaginé que iban de ácido o algo. No me podía comunicar con ellos. No estaba seguro de qué hacer, así que seguí hasta mi destino. Cuando llegué allí dije, "vale, aquí es donde voy. ¡Hasta luego!" Ellos simplemente se quedaron en el coche y no salieron. Así que aparqué el coche, salí y me fui a mi estudio y comencé a trabajar. Estaba trabajando en la portada del álbum Uncle Meat.

Esto fue en el estudio que antes había sido una consulta de dentista encima de un local de perritos calientes en Melrose. De vez en cuando miraba por la ventana para ver si se habían ido pero todavía estaban sentados en el asiento trasero del coche. Una hora o dos más tarde, miré por la ventana y me di cuenta de que se habían ido. Pensé, "¡al fin!" Y poco después, ¡veo que han vuelto! Habían ido al supermercado a por una barra de pan y embutido y empezaron a hacerse bocadillos en la parte de atrás del coche. ¡Estaban almorzando! Después se fueron.

©2000 Cal Schenkel

Zappa

2010-12-30T17:35:00.002-04:30

Zappa
Por David Truba

El zapador era el soldado que preparaba el avance del resto de la tropa. La labor de zapa se extendió al mercado laboral e incluso a la actividad seductora, donde el trabajo previo es fundamental para cualquier conquista. Sin embargo no fue por eso por lo que se eligió el verbo zapear para describir la acción de cambiar de canales de televisión de manera compulsiva, sino por su parentesco con el inglés zapping, actividad que en Norteamérica se remontaba al año 1956 y la invención del mando a distancia. El éxito de tal acción frente al televisor, esa especie de autoridad magnífica, terminó por contagiar nuestra forma de vivir y el zapeo es ya una seña de identidad en las relaciones, las ambiciones, las diversiones y las emociones del siglo XXI.
Pese a que el zapeo define el consumo de la televisión moderna, aún hoy la pantalla sigue ejerciendo un poder adictivo brutal y, pese a la facilidad de acción, apagar el televisor implica un esfuerzo de voluntad enorme. El zapeo propone una falsa alternativa al sabio gesto de apagar, incita a navegar durante horas en busca de algo quimérico que te aguarda escondido en algún canal. La televisión del futuro, que ya está cerca de incorporar la ingente cantidad de material subido a la Red, permite aumentar la búsqueda e incluso empezar a conformar un carácter de programador en el mero usuario.
Enfrentado a especiales televisivos sobre Camilo Sexto, Rocío Dúrcal o Raphael, no es raro que el espectador navideño tenga la sensación de estar atrapado en el mismo bucle musical desde su infancia. Para huir de ello nada mejor que recorrer fragmentos de un músico inasequible, Frank Zappa, que estas fiestas habría cumplido 70 años. Desde su primera aparición en el show de Steve Allen haciendo música con dos bicicletas, hasta las últimas entrevistas ya herido de muerte por el cáncer de próstata que acabaría con él a los 52 años, este experimental iconoclasta, antiautoritario, alérgico a la censura y aficionado a satirizar sobre toda raza y condición, proporciona una gran definición de sí mismo: dale una nariz larga, un pelo extraño y una cara fea a cualquier tipo y verás de lo que es capaz.

Prefiero esa labor de Zappa.

Hammersmith Odeon

2010-12-22T17:51:00.001-04:30

Hammersmith Odeon
Frank Zappa

Official Release #89
Released: 6 November 2010
Label: Vaulternative Records
Catalog Number: VR 20101
Produced by Frank Zappa
CD Produced by Gail Zappa & Joe Travers
Music, Performance, Band & Recordings by Frank Zappa
Audience de la London, England

Tracklisting:

DISC 1 (tt 55:41):
1. Convocation/The Purple Lagoon (1-27-78) 2:18
2. Dancin' Fool (1-27-78) 3:43
3. Peaches En Regalia (2-28-78) 2:36
4. The Torture Never Stops (2-28-78) 13:52
5. Tryin' To Grow A Chin (2-28-78) 3:37
6. City Of Tiny Lites (2-28-78) 7:01
7. Baby Snakes (2-28-78) 1:54
8. Pound For A Brown (2-28-78) 20:39

DISC 2 (tt 56:17):
9. I Have Been In You (1-26-78) 13:55
10. Flakes (2-28-78) 6:39
11. Broken Hearts Are For Assholes (2-28-78) 3:54
12. Punky's Whips (1-26-78) 10:26
13. Titties 'N Beer (1-26-78) 4:49
14. Audience Participation (1-26-78) 3:32
15. The Black Page #2 (1-26-78) 2:49
16. Jones Crusher (1-25-78) 3:01
17. The Little House I Used To Live In (1-25-78) 7:13

DISC 3 (tt 62:04):
18. Dong Work For Yuda (1-25-78) 2:56
19. Bobby Brown (1-26-78) 4:54
20. Envelopes (1-26-78) 2:16
21. Terry Firma* (1-26-78) 4:10
22. Disco Boy (1-26-78) 6:43
23. King Kong (2-28-78) 10:10
24. Watermelon In Easter Hay [Prequel] (1-27-78) 3:55
25. Dinah-Moe Humm (1-26-78) 6:10
26. Camarillo Brillo (1-26-78) 3:23
27. Muffin Man (1-26-78) 6:18
28. Black Napkins (1-25-78) 5:16
29. San Ber'dino (1-25-78) 5:54

Personnel:
FRANK ZAPPA Lead Guitar & Vocals
TERRY BOZZIO Drums & Vocals
PATRICK O'HEARN Bass & Vocals
ADRIAN BELEW Guitar & Vocals
TOMMY MARS Keys & Vocals
PETER WOLF Keys
ED MANN Percussion

Original Recordist, Peter Henderson
Recording Trucks by Basing Street Mobile,

25-27 January & Manor Mobile, 28 February; 1978

JV CAMPOS con ZAPPA GLOBE

2010-12-21T17:47:00.000-04:30

Zappa cumpliría 70 años hoy

2010-12-21T17:45:00.000-04:30

Zappa cumpliría 70 años hoy

21 de Diciembre 2010

(Solstico de
Invierno).

Felicídades Frank donde sea que estés !!!
León Ronay.

The FRANK ZAPPA aaafnraaaa Birthday Bundle 21 Dec. 2010

2010-12-21T17:43:00.001-04:30

The FRANK ZAPPA aaafnraaaa Birthday Bundle 21 Dec. 2010

http://www.zappa.com/fz/aaafnraa/2010aaafnraaaa.html

Zappa
Anything Anytime Anywhere For No Reason At All, Again, Also

Released: December 21, 2010
Label: Zappa Records
Tracklisting:
01. Willie The Pimp
02. Bobby Brown
03. Treacherous Cretins
04. The Deathless Horsie
05. City Of Tiny Lites
06. Your Mouth
07. My Guitar Wants To Kill Your Mama
08. Jumbo Go Away
09. Peaches En Regalia
10. Take Your Clothes Off When You Dance
11. The Torture Never Stops
12. Stairway To Heaven

AAAFNRAAAA Birthday Bundle 2010 Details:
"Willie The Pimp" by Frank Zappa
Artists: DMC, Talib Kweli, MMM & Ahmet Zappa
Produced By Jared Lee Gosselin For Monsterfoot Music
Recorded and Mixed By Jared Lee Gosselin, UMRK
Vocals - DMC (Darryl McDaniels), Talib Kweli (Talib Kweli Greene
courtesy of Blacksmith Music) & Ahmet Zappa
Drums - Marshall Goodman
Guitar - Orbel Babayan
Bass - Kurt Morgan
Scratches - Mix Master Mike

"Bobby Brown" by Frank Zappa
Artist: Ahmet Zappa
Produced, Recorded & Mixed By Jared Lee Gosselin, UMRK
B.G. Vocals - Rama Duke
Guitar - Orbel Babayan
Keys - Fred Kron
Bass - Kurt Morgan
Drums - Joe Travers

"Treacherous Cretins" by Frank Zappa
Artist: Frank Zappa
Pau, France, 16 March 1979
Produced & Recorded Live by FZ
Guitar/vocals - FZ
Vocals - Ike Willis
Slide guitar/vocals - Denny Walley
Guitar - Warren Cuccurullo
Keyboards - Tommy Mars
Keyboards - Peter Wolf
Percussion - Ed Mann
Bass - Arthur Barrow
Drums - Vinnie Colaiuta
Mixed by FZ
Mastered by John Polito 2010

"The Deathless Horsie" by Frank Zappa
Artist: Dweezil Zappa (Live with ZPZ)
Produced by Dweezil Zappa
Mixed by Dweezil Zappa & TJ Helmerich
Mastered by Dweezil Zappa & TJ Helmerich
Live Recording Engineer: Dave Tobias
2011 GRAMMY NOMINEE - Best Rock Instrumental Performance

"City Of Tiny Lites" by Frank Zappa
Artist: Frank Zappa at Hammersmith Odeon
London, England, 26 January 1978
Produced & Recorded Live by FZ
Guitar, vocals - FZ
Drums - Terry Bozzio
Guitar, vocals - Adrian Belew
Percussion - Ed Mann
Bass - Patrick O'Hearn
Keyboards, vocals - Tommy Mars
Keyboards - Peter Wolf
Mixed by Craig Parker Adams, December 2010
Mastered by John Polito 2010

"Your Mouth" by Frank Zappa
Artist: Macy Gray (Courtesy of Concord Music Group)
Produced By Jared Lee Gosselin For Monsterfoot Music
Recorded & Mixed By Jared Lee Gosselin, UMRK
Back Vocals - Rama Duke
Lead Guitar - Dweezil Zappa
Horns - Scheila Gonzalez
Keys - Fred Kron
Rhythm Guitar - Orbel Babayan
Bass - Kurt Morgan
Drums - Joe Travers

"My Guitar Wants To Kill Your Mama" by Frank Zappa
Artist: Frank Zappa
Syracuse, NY, 21 March 1988
Produced & Recorded Live by FZ
Lead guitar, computer-synth, vocal - FZ
Vocals - Ike Willis
Rhythm guitar, synth, vocal - Mike Keneally
Keyboards, vocal - Bobby Martin
Vibes, marimba, electronic percussion - Ed Mann
Trumpet, flugel horn, synth - Walt Fowler
Trombone - Bruce Fowler
Alto sax, soprano sax, baritone sax - Paul Carman
Tenor sax - Albert Wing
Baritone sax, bass sax, contrabass clarinet - Kurt McGettrick
Electric bass, Minimoog - Scott Thunes
Drums, electronic percussion - Chad Wackerman
Mixed by FZ with Bob Stone, UMRK 1989
Mastered by John Polito 2010

"Jumbo Go Away" by Frank Zappa
Artist: Frank Zappa at Hammersmith Odeon
London, England, February 1979
Produced & Recorded Live by FZ
Guitar/vocals - FZ
Vocals - Ike Willis
Slide guitar/vocals - Denny Walley
Guitar - Warren Cuccurullo
Keyboards - Tommy Mars
Keyboards - Peter Wolf
Percussion - Ed Mann
Bass - Arthur Barrow
Drums - Vinnie Colaiuta
Mixed by FZ with Bob Stone, UMRK circa 1981
Mastered by John Polito 2010

"Peaches En Regalia" by Frank Zappa
Artist: Dweezil Zappa, Zappa Plays Zappa with N.M. Brock & Steve Vai
Produced by Pierre & Francois Lamoureux
Mixed by Denis Normandeau & Dweezil Zappa with Francois Lamoureux
Mastered by Bryan Martin & Francois Lamoureux at Sonosphere, Montreal
2009 GRAMMY WINNER - Best Rock Instrumental Performance

"Take Your Clothes Off When You Dance" by Frank Zappa
Artist: Holland Greco
Ukulele / Vocals / Kazoo / Bells - Holland Greco
Drums - Andy Sanesi
Tracking Produced by Joe Travers, UMRK
Engineered by Richard Landers
Additional Recording, Engineering, and Synths by Starvon Washington at
S1V Music Studios
Mix by Jared Gosselin

"The Torture Never Stops" by Frank Zappa
Artists: Chloe & Robert Trujillo (on Bass)
Guitar - Jamie Kime
Keys - Fred Kron
Drums - Andy Sanesi
Tracking Produced by Joe Travers, UMRK
Engineered by Richard Landers
Mix by Jared Lee Gosselin, UMRK

"Stairway To Heaven" by Jimmy Page & Robert Plant
Artist: Frank Zappa
Buffalo, NY, 9 March 1988
Produced & Recorded Live by FZ
Lead guitar, computer-synth, vocal - FZ
Vocals - Ike Willis
Rhythm guitar, synth, vocal - Mike Keneally
Keyboards, vocal - Bobby Martin
Vibes, marimba, electronic percussion - Ed Mann
Trumpet, flugel horn, synth - Walt Fowler
Trombone - Bruce Fowler
Alto sax, soprano sax, baritone sax - Paul Carman
Tenor sax - Albert Wing
Baritone sax, bass sax, contrabass clarinet - Kurt McGettrick
Electric bass, Minimoog - Scott Thunes
Drums, electronic percussion - Chad Wackerman
Mix by FZ with Bob Stone, UMRK 1989
Mastered by John Polito 2010

gran héroe

2010-12-08T12:27:00.003-04:30

Este mes celebramos el nacimiento de nuestro gran héroe

El 21 día en que nació Frank Zappa

Pojazz dijo...
Para que vayáis ensayando.

Cumple birthday feliz!
Cumple birthday feliz!
Te deseamos "Yellow Shark"
Cumple birthday feliz!

...the Secret Word for to night is...

siempre Zappa

2010-10-29T12:07:00.001-04:30

LOS HIJOS DE ZAPPA

2010-10-05T15:49:00.000-04:30

El hijo de David Bowie, Ziwie, se cambió el nombre a uno más ordinario.

¿Pero les gustan sus nombre a los hijos de Frank Zappa? ¿Les gusta llamarse Moon Unit, Dweezle, Ahmet y Diva?

Frank Zappa dice:
Ellos no tienen ningún problema con sus nombres. Hay otros chicos aquí en Valley que también tienen nombres raros. Cuando Moon era pequeña, un día vino y anunció que se quería cambiar el nombre. Le dije: "Muy bien ¿cuál te quieres poner?" Y ella contestó, BEAUTYHEART (Corazón lindo). Después de un tiempo se olvidó de eso. Y antes de que Diva naciera, Ahmet llegó un día y dijo. "Tengo el nombre perfecto para mi hermana menor", porque desde luego estaba convencida de que iba a ser niña. Le dije "¿Y cómo se va a llamar?" y me contestó BONE SAUCE. Eso no funcionó, me gustaba más Diva.

10 TEMAS DE ZAPPA

2010-09-25T13:08:00.004-04:30

10 TEMAS DE ZAPPA

1
Elessar
Vamos a hacer una liZta de los 10 temas de Zappa q nos llevaríamos a una isla desierta, como proponía hace poco Guille.
Así q allá va, no en orden de preferencia sino de ocurrencia, así q no es muy fiable, pero bueno.

- Inca Roads (YCDTOSA 2)
- Amnerika (Civilization Phase III)
- Wild Love (Sheik Yerbouti)
- Zoot Allures (Zoot Allures)
- Black Page #2 (Zappa in NY)
- Watermelon in Easter Hay (Joe's Garage)
- Outrage at Valdez (The Yellow Shark)
- Peaches in Regalia (Hot Rats)
- Black Napkins (Phily'76)
- Son of Orange County (Roxy and Elsewhere)

Aunque bien pensado...
1. Bolero
2. Zoot Allures
3. Mr. Green Genes
4. Florentine Pogen
5. Andy
6. Inca Roads
7. Sofa
y tres más al azar de las de arriba, las de estudio, porque no sé decidirme.

2
Carlos Zerpa
Bueno voy con mi listado de DIEZ pero no importa el orden
a veeer... a veeer...
The Zappa top 10 para Carlos Zerpa are...
1- Help, I'm A Rock de Freak Out
2- Concentration Moon de We're Only In It For The Money
3- What's The Ugliest Part Of Your Body? de We're Only In It For The
Money
4- You Didn't Try To Call Me de Cruising With Ruben & The Jets
5- Willie The Pimp de Hot Rats
6- Twenty Small Cigars de Chunga's Revenge
7- The Clap de Chunga's Revenge
8- Mystery Roach de 200 Motels
9- Don't Eat The Yellow Snow de Apostrophe (')
10- Cosmik Debris de Apostrophe (')
11- Inca Roads de One Size Fits All
12- Wind Up Workin' In A Gas Station de Zoot Allures
13- Black Napkins de Zoot Allures
14- The Torture Never Stops de Zoot Allures
15- Watermelon In Easter Hay de Joe's Garage
OH NOOOOOO ya me pasé y todavía me faltan como 500 discos...!!!!!

3
Miguel Tomás
Así, sin pensarlo demasiado y sin ningún tipo de orden:
1. Eat that Question
2. Uncle Remus
3. Inca Roads
4. Echidna's Arf
5. Montana
6. Brown Shoes
7. Big Swifty
8. Punky's Whips
9. Hungry Freaks
10. The Illinois Enema Bandit

4
Guillermo Uria
Hace muchos años alguien me grabó un cd con temas sueltos de Zappa, cuando aún muy poquito yo lo conocía (sólo discos editados por acá en esos tiempos, Grand Wazoo, Hot Rats, Apostrophe). Bueno era el 82 y yo estaba conociendo a Zappa, de hecho estaba editado en Uruguay el Waka Jawaka... pero nunca ví la edición nacional.
Bien, volviendo, esa cinta que perdí hace mucho, empezaba con Inca Roads y terminaba con Pijama People, así que esos dos van seguros, en el 1 y el 10 como agradecimiento de tal grabación. Me faltan 8
(Anoté la lista, pero no cómo la ven más abajo, sino con los 8 del medio vacíos, que ahora voy rellenando)
1. Inca Roads
2. Holiday in Berlin, full blown
3. Flambay
4. Night School
5. Library Card
6. The Gumbo Variation
7. Broken Hearts are for Assholes
8. The Ocean is the ultimate solution
9. Amnérika
10. Pojama People
Digamos que es la lista que me sale ahora, rellenando los sitios del 9 al 3 (sí los rellené al revés), pensando qué canción estaría bien oír antes de la que viene luego, y la número 2 pensando en cuál se disfrutaría mucho entre la 1 y la 3.
Un abrazo

5
Ozcar
Uffff...a mi es que esto de elegir solo 10 temas, o 10 discos, o 10 comidas, o 10 mujeres...como que no...me ataca la duda y me atoro...no puedo, es superior a mi...si elaboro la lista conforme al corazón será completamente diferente de si lo hago con el cerebro...así que una vez más voy a pasar de todo...no hay lista de los 10 temas de Zappa que me llevaría a una isla desierta como tampoco hubo lista de los 10 discos...y vuelvo a insistir, a una isla desierta, además de un machete y un hacha, me llevaría una guitarra acústica...
Un saludo (...noooo juegoooo...)

Congess Shall Make No Law

2010-09-13T11:53:00.001-04:30

Congess Shall Make No Law

El 19 de septiembre se inagurará el busto replica de FZ

2010-09-04T21:35:00.001-04:30

El 19 de septiembre se inagurará el busto replica de FZ de Vilnius en Baltimore, convirtiéndose en el día dedicado a FZ con diferentes actos y conciertos y por otro lado la familia Zappa editará este nuevo cd "Congress Shall Make No Law" que incluye el testimonio de FZ en el congreso norteamericano contra la censura que cumple su 25 aniversario...
September 19, 2010 2:00PM

Enoch Pratt Free Library 3601 Eastern Avenue Baltimore, MD 21224

Frank Zappa statue to be dedicated on Sunday, September 19 at the Southeast Anchor Branch of the Enoch Pratt Free Library located at 3601 Eastern Avenue. Additional details are forthcoming.
The sculpture is a gift to the city of Baltimore orchestrated by three guys from Lithuania: Saulius Paukstys, Saulius Pilinkus and Arturas Baublys. It is a replica of the bust of Frank Zappa installed in Vilnius (pictured here), created by artist Konstantinas Bogdanas. The gift and location were approved by the Baltimore City Public Art Commission and sanctioned by the family.
Legendary musician and composer Frank Zappa was born in Baltimore in 1940 and passed away in 1993, at home in Los Angeles. He is internationally recognized as one of the most innovative composers and musicians of the 20th century with a career spanning more than 30 years.

Hélio Oiticica y la cocaína sobre la portada de Wea-sels Ripped My Flesh de Frank Zappa

2010-09-04T20:16:00.004-04:30

Hélio Oiticica y la cocaína

sobre la portada de Wea-sels Ripped My Flesh

de Frank Zappa

Hélio Oiticica estaba drogándose en su departamento de Nueva York cuando descubrió que la cocaína que había esparcido sobre la portada del LP Wea-sels Ripped My Flesh (Comadrejas rasgaron mi piel) de Frank Zappa hacía un dibujo interesante. Seducido por el juego de macabra autodestrucción de la tapa del artista Neon Park, por el descubrimiento de la cocaína como pigmento o por el carácter ready-made del resultado, lo cierto es que el artista brasileño comienza entonces - corría el año 1973 - a investigar las posibilidades artísticas de las ceremonias del éxtasis.

"Hélio Oiticica: la invención del espacio"
ensaio de Gonzalo Aguilar

Ensaio de Gonzalo Aguilar sobre as "Cosmococas" de Hélio Oiticica, originalmente publicado em abril de 2006 na edição no. 84 da revista argentina Punto de Vista, como contribuição ao projeto documenta 12 magazines.

La cocaína como pigmento: ese forzamiento de los límites entre transgresión a la moral social y arte imprime una fuerza al mismo tiempo disciplinada y desesperada a las cosmococas de Oiticica que, a fines de 2005, fueron vistas en el MALBA de Buenos Aires.

Hélio Oiticica estaba drogándose en su departamento de Nueva York cuando descubrió que la cocaína que había esparcido sobre la portada del LP Wea-sels Ripped My Flesh (Comadrejas rasgaron mi piel) de Frank Zappa hacía un dibujo interesante. Seducido por el juego de macabra autodestrucción de la tapa del artista Neon Park, por el descubrimiento de la cocaína como pigmento o por el carácter ready-made del resultado, lo cierto es que el artista brasileño comienza entonces - corría el año 1973 - a investigar las posibilidades artísticas de las ceremonias del éxtasis. Surgen así los Block Experiments in Cosmococa, Program in Progress, una serie de instalaciones que combinan la ambientación espacial y sonora con la proyección de slides de los rostros de Marilyn Monroe, Luis Buñuel, Yoko Ono, Jimi Hendrix y Mick Jagger maquillados con regueros de coca.

No es la primera vez que Oiticica trabaja con el cine experimental: aunque inconcluso, su primer proyecto, Nitro Benzol & Black Linoleum, es de 1969. Como muchos otros artistas brasileños del período (Antonio Dias, Lygia Pape, Antonio Manuel y Neville D'Almeida), Oiticica hace diversas experiencias con el súper-8 y los slides de 35mm en la búsqueda de un 'cine' antinarrativo y ambiental al que denomina quase cinema.

Hastiado del clima opresivo que se vivía en su país y beneficiado con una beca Guggenheim, Oiticica se traslada en 1970 a Nueva York donde se queda hasta 1978. Pese a que llega con un prestigio internacional bastante cimentado después de la retrospectiva de Londres de 1969, la vida en la nueva ciudad no le resulta nada fácil, y mientras cursa algunas clases de cine en New York University sobrevive haciendo traducciones y, según algunos testimonios, vendiendo cocaína. Sin embargo, su actividad artística no decrece y es en esos años que comienza la redacción de unos note-books - verdadero cuaderno de bitácora del artista en el campo de la experimentación - donde registra obsesivamente proyectos, observaciones, ideas, anécdotas y lecturas."1. El título general que les asigna a estos cuadernos es Newyorkaises, y en ellos incluye, entre otros innumerables proyectos, las instrucciones para el montaje de las Cosmococas. Allí, Oiticica detalla una suerte de guión y prevé, para su nueva obra, tanto una performance pública como una privada. El hecho de que las primeras exhibiciones sólo se realicen siguiendo esta última modalidad, en su departamento neoyorquino a fines de 1973, resulta previsible."2 Por más que en Nueva York hubiese una cultura underground vigorosa, era difícil creer -aun para un artista relativamente conocido, que en 1970 participa en la muestra Information del MoMA- que estas piezas pudieran mostrarse en público. Sin embargo, hay que considerar también que la decisión de instalar las cosmococas en su departamento está vinculada o subordinada tanto a la negativa a hacer muestras en galerías o en museos como al intento de convertirse en un artista clandestino o "subterráneo", según le gustaba definirse. Es que con las cosmococas Oiticia redefine y reorienta su trayectoria, y lo hace en parte porque muchos de los motivos que habían marcado sus invenciones en la década anterior se habían modificado: la exhibición en espacios públicos en Rio de Janeiro, el uso de lo marginal para construir una posición antagónica, las conexiones entre arte y política. Por eso mismo, aun la noción clave de "campo experimental", a la que Oiticica había accedido tras años de actividad intensa, exigía ser reconfigurada. Más allá del sentido sensorial amplio que le adjudica Oiticica, el "campo experimental" puede ser definido como el espacio público -no artístico y no coercitivo- en el que se prueba el poder de la forma artística para liberar cuerpos, sensaciones y percepciones. Así entendido, la confrontación de las obras del artista de los años sesenta y el quase cinema de principios de los setenta no es solamente una confrontación de su trayectoria, sino que permite revisar las mutaciones del entramado social y cultural en el que aparecen.

Primer corte: marginal y abyecto

Durante la primera fase de su trayectoria, entre 1955 y 1964, Oiticica produce en su trabajo rupturas graduales, como si en vez de avanzar practicando cortes absolutos con su propia obra, el artista carioca desplegara la evolución inmanente de la forma artística. Así, después de sus indagaciones iniciales en la dinámica del plano (los Metaesquemas), juega con el desplazamiento de la moldura en el espacio (los relieves espaciales) para posteriormente crear recorridos laberínticos y coloridos con el proyecto Cães de caça de 1961. Aunque ya están aquí las preocupaciones por el color y por el espectador que recorren todas sus creaciones, la dominante de esta fase es la radicalización de la forma modernista que, desde la exposición nacional de arte concreto de 1956, había marcado los rumbos del arte brasileño. Esta lógica evolutiva se quiebra con los Bólides (recipientes de vidrio o de madera pintada que contenían tierras de colores) y con los Parangolés (vestidos coloridos para performances visuales) que significan un corte absoluto con lo que había hecho anteriormente. En los Bólides, incorpora lo abyecto a través de materiales extraídos del mundo extraartístico de los desechos, que provocan un cortocircuito en la percepción formal de la obra. Con los Parangolés, todavía va más allá y viola uno de los tabúes modernistas por excelencia al incluir la figura humana. Si el arte, en la versión modernista de mediados de siglo, se encaminaba sin retorno posible a la abstracción, la actitud de Oiticica - en sintonía con lo que ya venían realizando otros artistas - contribuía a la revisión de sus fundamentos. En un solo golpe, con esas capas con las que vestía a sus amigos de la escola de samba de Mangueira, Oiticica se sale de la evolución inmanente del arte modernista e introduce un elemento que ya no es legible según sus coordenadas. Las capas, de una manera consecuente con las obras anteriores, profundizan el trabajo con el color y con el espacio. Pero el acento en las telas utilizadas y sobre todo en el cuerpo del bailarín imponen una lógica que implica un cambio en los criterios de valoración de su producción. En su artículo seminal "Arte ambiental, arte pós-moderna, Hélio Oiticica" de 1966, Mário Pedrosa trata de dar cuenta de estos pasajes y llega a la conclusión de que es necesario acuñar un neologismo ("pós-moderno") para dar cuenta de las operaciones que estaba realizando el artista carioca"3. Básicamente, se trata del pasaje de la "aristocracia distante de lo visual" a la "fruición sensual de los materiales", que exige de la crítica un reposicionamiento porque ese "arte ambiental" ya no debe ser evaluado exclusivamente según valores estéticos sino también -o sobre todo- culturales. Si lo abyecto de los Bólides todavía adquiría valor por su antinomia con los materiales del arte, el escándalo de los cuerpos de los Parangolés ya no pertenece al orden de lo artístico sino que es cultural: Oiticica entrando con sus amigos de la favela de Mangueira en el Museo de Arte Moderno de Río para presentarlos en la exposición "Opinião 65". El acontecimiento es inmediatamente incoporado a las elucubraciones del artista: el espacio público ya no es en esta experiencia algo dado o determinado, sino el efecto de una invención en la que interviene la forma artística aunque ya no como arte sino como experiencia vital.

Este giro en la trayectoria de Oiticica se apoya en un tipo de operación que se disemina velozmente por esos años entre los artistas brasileños: la arquitecta Lina Bo Bardi recorre las casas populares para ver cómo se trata la funcionalidad del diseño, Haroldo de Campos incorpora el canto de un trovador nordestino ciego y mendigo en sus joycianas Galáxias, Glauber Rocha hace colisionar la literatura de cordel clandestina con la experimentación cinematográfica en Deus e o diabo na terra do sol, para no hablar de lo que sucedería poco después con Caetano Veloso, Gilberto Gil y el movimiento tropicália, término tomado - como es sabido - de una instalación de Oiticica. Se trata de un fenómeno que podría denominarse populismo de vanguardia o populismo chic y que tuvo una gran persistencia en la cultura brasileña. En el caso de Oiticica, este populismo de vanguardia contiene la promesa de conectar las conquistas del arte contemporáneo con la labor en las favelas y en otros espacios públicos. Todavía muchos años después y cuando ya otros artistas habían abandonado esta perspectiva - Glauber Rocha, en una carta difamatoria escrita en 1972, dice que "Oiticica debe ser acusado de explotador sexual de los favelados"-"4, Oiticica programa en 1979 Cajú-Kleemania. Se trata de un homenaje al centenario del nacimiento de Paul Klee, realizado en el barrio de Cajú en Río de Janeiro. Como se puede ver, y esto dicho sin ninguna ironía, el populismo chic de vanguardia tuvo la virtud de, por un lado, viabilizar y vitalizar la circularidad entre cultura alta y cultura popular, y por otro, de potenciar al máximo la interacción entre densas categorías provenientes de la estética y la vida cotidiana.

Además de la figura humana, los parangolés hacían otra inclusión extraña a la pureza pictórica del arte abstracto. Se trata de los slogans que, en diálogo con las marchas multitudinarias que se hacían en Brasil entre 1964 y 1968, se inscriben sobre las telas y expresan poéticamente el antagonismo político: "Incorporo la revuelta", "De la adversidad vivimos", "Estamos hambrientos", "Sea marginal, sea héroe". Esta última, que sirvió de bandera a los tropicalistas y que protagonizó un célebre caso de censura, condensa magistralmente el tipo de desplazamiento que estaba realizando Oiticica: reconvertir la marginalidad del vanguardista en el campo artístico en una marginalidad más general que incluyera también a los opositores políticos, al pueblo y, como símbolos de este proceso, a los bandidos sociales. El Bólide Caixa 18, Homenagem a Cara de Cavalo (1965-1966), que reproduce una foto de este bandido abatido por la policía con los brazos en cruz, concreta esta reconversión y señala, como lo vio muy bien el propio Oiticica, el desplazamiento de preocupaciones de orden estético a otras de orden ético. Mezcla de dandy y reo, último baudelairiano, Hélio Oiticica escribe junto a la caja que homenajea a Cara de Cavalo que para el bandido "el crimen es una búsqueda desesperada de la felicidad". Oiticica encuentra allí una "antimoral" que "es peligrosa y trae grandes infortunios" pero que ve como la única vía para la destrucción de los valores establecidos. Aunque de carácter predominantemente defensivo, la ecuación de lo marginal era sin duda eficaz en su capacidad de articular instancias como "pueblo", "antiburguesía", "arte de vanguardia", "malditismo", "rebelión política", que hasta entonces transitaban por niveles diferentes. Y si el populismo de vanguardia proporcionaba el modo de interactuar con las masas, el marginalismo era la manera de imaginarse integrado con ellas.

El extremismo cultural, artístico y ético de esta actitud tenía que encontrarse, en un momento u otro, con la política. Sin duda, varios trabajos de principios de los sesenta admitían una lectura desde la política del arte, pero lo que sucede a fines de la década es algo totalmente diferente: la performance artística del arte ambiental se vincula con la acción política propiamente dicha en momentos en los que se vive una gran efervescencia popular contra la dictadura militar instaurada en 1964. El encuentro se produce en la exposición Apocalipopótese realizada en la explanada del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, en julio y agosto de 1968, en consonancia con las marchas que se estaban realizando por esos mismos días"5. A diferencia de lo que sucedió en la Argentina con la ya mítica Tucumán arde, los artistas brasileños -entre ellos Oiticica- no se sintieron tentados por abandonar las instituciones del arte ni por descartar los poderes de su especificidad: por un lado, porque no tenía sentido dilapidar el entramado institucional de los museos de arte moderno logrado en las espléndidas batallas del concretismo; por otro, porque el antagonismo político no se percibía necesariamente más vigoroso que el artístico. Con la música popular del tropicalismo, el cine de Glauber Rocha y otras manifestaciones, las prácticas artísticas habían alcanzado un increíble grado de intervención e inserción cultural. Con la consigna de "A Arte é do povo e para o povo" y el apoyo del gobierno provincial y del diario Ultima hora, durante todo el mes de julio se llevan a cabo actividades pedagógicas y de difusión artísticas y el 18 de agosto se presenta una muestra colectiva y ambiental de artistas ya reconocidos. Aunque las autoridades prohibieron la exhibición de una bandera que sostenía un explícito "Abajo la Dictadura", toda la experiencia tuvo un fuerte impacto político y artístico: los parangolés de Hélio Oiticica (uno dedicado al Che Guevara), los ovos de Lygia Pape, las Urnas quentes de Antonio Manuel y la performance de Rogério Duarte con sus terribles perros amaestrados concretaron una promesa de arte participativo y de oposición articulado alrededor del acto o del pueblo en acto. Pero a diferencia de las puestas en escena de Antonio Manuel y de Rogerio Duarte, Oiticica no buscaba un efecto exterior en el campo de la política. Su intervención crítica, en cambio, está en relación con la liberación de las restricciones corporales y con la ampliación de lo sensorial, y solo mediado por la forma puede decirse que su arte es eficaz.

Oiticica llega a considerar esta experiencia como un antes y un después, y afirma que le reveló el futuro. En un texto escrito en Londres en agosto de 1969, se refiere a este evento de un modo que recuerda al "Manifiesto Antropófago" de Oswald de Andrade por el modo de fechar retrospectivamente: "época: última semana de agosto 1969 / há um ano da Apocalipopótese / da noite negra". Sin embargo ese futuro -como el del Apocalipsis- no se concreta nunca y la promesa de Apocalipopótese se apaga dramáticamente con la "noche negra" instaurada el 13 de diciembre de 1968 por el Acto Institucional número 5 del gobierno que suprimía derechos y libertades civiles. Apenas cuatro meses después de la realización del evento, los valiosos resultados que alcanza Oiticica con su arte ambiental pierden el contexto en que adquirían sentido: el de la construcción de un poder marginal y alternativo contra el autoritarismo militar y la sociedad burguesa.

Segundo corte: Marilyn, Malevitch y la cocaína

Dos poemas que Oiticica escribe en Londres, antes de instalarse en Nueva York, indican muy gráficamente las nuevas condiciones en las que deberá desempeñarse como artista. El título que llevan ambos es "Subterrânia" y, de un modo obsesivo, juegan con las diferentes posibilidades del prefijo "sub": desde conceptos muy instalados en las ciencias sociales latinoamericanas como "subdesarrollo", hasta otros, como "sublime", de larga tradición en el campo de la teoría estética. Los poemas ponen de manifiesto su deseo de abandonar el mundo del arte - algo que hace efectivamente cuando llega a Nueva York - y de ir a la búsqueda o a la construcción de una cultura underground. Es en este proceso de búsqueda que son pensadas las cosmococas. El antagonismo y el "ejercicio experimental de la libertad", según la gráfica fórmula de Pedrosa, ya no pasan por la ocupación de los espacios públicos sino por lo que el mismo artista denominó vida subterránea.

En marzo de 1973 Oiticica consigna el plan para la primera cosmococa, a la que titula CC1 Trashiscapes y cuya traducción podría ser Basurascapes. Ésta, como las cuatro que le siguen en agosto del mismo año, son realizadas en colaboración con el cineasta Neville D'Almeida: CC2 Onobject, sobre Yoko Ono; CC3 Maileryn, que usa el libro de Norman Mailer sobre Marilyn; CC4 Nocagions, a partir del libro Notations de John Cage, y CC5 Hendrix-War, sobre la tapa de un LP del guitarrista. Por su parte, CC6 Coke's Head Soup se basa en la portada de Goat's Head Soup de los Rolling Stones y fue hecha en colaboración con Thomas Valentin. A estas seis cosmococas hay que agregarles tres más para completar el conjunto de instalaciones realizadas con slides de 35mm (fotos de imágenes de libros o fotos regadas con cocaína), equipamientos vinculados al consumo de cocaína (navajas, limas de uñas...), espacios para los participantes (globos, hamacas, piscina) y cintas sonoras"6. Casi todas las cosmococas trabajan con figuras de la cultura masiva: en Maileryn, por ejemplo, se proyecta, en un ambiente plagado de globos naranjas y amarillos, fotos del libro de Mailer sobre la Monroe maquillada con cocaína, y fotos de tijeras, de un ventilador, de un parangolé y del equipamiento relativo a la droga. La única que no trabaja con rostros humanos es Nocagions que proyecta, además del equipamiento habitual de navajas y tubitos de metal, imágenes del libro Notations de John Cage sobre el que se esparcen, entre el orden y el caos, líneas de cocaína. En 1973 esta última cosmococa se presenta en la casa del artista, pero para una futura exhibición pública las instrucciones prevén instalarla alrededor de una piscina iluminada con luces verdes y azules, colores fríos frente a los globos cálidos de Marilyn.

Creo que no habría que dejar de admitir -lo que además tendría el efecto benéfico de apartarnos de una crítica, como la de Oiticica, tan mimetizada con su objeto- que las cosmococas significan un retroceso, un repliegue y hasta, si se quiere, una reducción drástica del campo experimental. Muchas de las líneas que el artista carioca había trazado laboriosamente a lo largo de los años sesenta se cortan o son bloqueadas. En realidad, no es que Oiticica se detenga o claudique, sino que el endurecimiento del régimen militar le secuestra los materiales con los que estaba trabajando. Después de 1969, son impensables en Brasil eventos públicos en la ciudad, experimentos con el espectador o un arte del slogan. Como muchos otros escritores y artistas de su país, Oiticica inicia lo que la crítica llamó tan pintorescamente ego-trips, caminos individuales a caballo de la droga o de otras experiencias alternativas y totalmente desligados de una militancia política tradicional. Oiticica, sin embargo, insiste en desarrollar, aun en las condiciones más adversas, algunos de sus postulados experimentales. Las líneas y las conexiones se redistribuyen y los materiales se redefinen: ya no el cuerpo de los sujetos populares sino el de los medios masivos, ya no el éxtasis multitudinario de la fiesta sino el solitario de la droga, ya no los espacios abiertos sino un ámbito cerrado y casi clandestino, ya no los cambios de la forma en oposición a las políticas represivas del Estado sino la investigación sensorial de los cuerpos, las percepciones y los valores, ya no la forma tratada desde la cultura brasileña sino desde la cultura de masas. Todo, como lo denominó el propio Oiticica, bajo un "estado de invención". Los cambios parecen demasiado drásticos, pero la insistencia de las Cosmococas en las relaciones dinámicas entre margen, cuerpo y forma en la invención del espacio o del "campo experimental" continúan siendo ejes que permiten reflexionar sobre sus invenciones.

Aunque la caracterización que hace Pedrosa de Oiticica como artista posmoderno sigue siendo válida, esto no debe llevar a la conclusión de que lo que se produce es un olvido o un borramiento del modernismo: por el contrario, su obra -aun en la diferencia- lo reinscribe como un elemento dinámico e ineludible. Basta pensar en los títulos vinculados con las cosmococas, para detectar las huellas de autores claves del repertorio canónico: "program in progress" remite a James Joyce y al lema work in progress que identificó al Finnegans Wake en su fase de redacción; "quase cinema", por su parte, es una cita del prólogo de Stéphane Mallarmé a su poema Un coup de dés: "sans présumer de l'avenir qui sortira d'ici, rien ou presque un art" ("sin presumir el porvenir que surgirá de aquí, nada o casi un arte"), que sirvió como programa para diversas neovanguardias. Ambas invocaciones pueden ser leídas como el lugar del "porvenir" que pretende ocupar Oiticica: una utopía sensorial de la pura creatividad y del puro ocio (lazer), para la que creó el adjetivo de crelazer. Sin embargo, más importante aún que estas dos referencias, es la que hace con la cocaína como pigmento"7. Es que el blanco de la cocaína también admite una lectura desde el modernismo: a principios de los setenta, el "blanco sobre blanco" de Malevitch se había convertido en una verdadera obsesión para Oiticica. De hecho, los dos parangolés que se incluyen fotografiados en las cosmococas Maileryn y Trashiscapes están hechos con telas de nylon blanco casi transparentes, así como el libro Notations de Cage que sirve a la cuarta cosmococa es una tapa blanca sobre la que se dibuja el blanco de la droga"8. El blanco se convierte en un sinónimo de éxtasis y de aprensión de lo inconmensurable (o lo "cósmico"), y permite observar claramente cómo Oiticica se posiciona fuera del dominio artístico creado por el modernismo sin, paradójicamente, abandonar su forma a la que le asigna todavía poderes cognitivos, estructurantes y liberadores. Mientras en Malevitch la persecución de lo sublime se realiza a partir de una progresión hacia lo esencial de la pintura, en Oiticica es la cocaína como pigmento la que trata de mimar un sublime que es, al mismo tiempo, lo que emana de los medios masivos y sus rostros. Lo blanco sublime converge con la droga, los cuerpos en ocio, la música rock y contemporánea y los rostros de los stars de la cultura masiva. ¿Cómo leer a Marilyn maquillada por Malevitch?"9

En nuevas condiciones, Oiticica vuelve a testear las formas del espacio público, ahora desde el espacio limitado de una sala que puede montarse en cualquier lugar. El cuerpo del espectador o participante es colocado cara a cara con la fuerza marginal clandestina y subterránea de la droga y con la fuerza de los medios masivos a los que es imposible sustraerse. Señala Gilles Deleuze que "la droga ha cambiado el problema de la percepción, aun para los que no se drogan" y que por eso es tan importante reconocer su causalidad o modalidad específica. La respuesta que da el filósofo francés es que lo específico de la droga está en que el deseo inviste directamente el sistema-percepción"10. Algo de psicodelia hay en las cosmococas, ya sea en los globos de colores, en las imágenes proyectadas en la oscuridad o en las luces coloridas. Sin embargo, a diferencia de casi todo el arte del siglo XX vinculado a la droga (pienso en Henri Michaux, en Aldous Huxley, en William Burroughs), Oiticica no trabaja con la descripción de los efectos sino con el uso de su materialidad. Con la cocaína hace, como lo define él mismo, una "parodia de las artes plásticas": si retorna a la pintura es porque el caballete ahora son libros de tapa dura, el pigmento es la cocaína y los pinceles, las navajas que se usan para cortar la coca. La causalidad específica de la que habla Deleuze, en cambio, no aparece asignada a la droga sino que se desplaza a los héroes de los medios masivos quienes, en sus rostros, efectivizan percepción y deseo. Al agrandar desmesuradamente esos rostros, Oiticica altera la relación de dimensión 'natural' con los cuerpos que establecían los parangolés: el carisma de esos personajes ingresa en el espacio cerrado de la exhibición y su gigantismo se proyecta en las paredes. Con estos procedimientos, las cosmococas parecen afirmar, por un lado, que nuestra relación con los cuerpos se ha modificado totalmente, que ya no se despliega en el espacio público sino en los medios. Por otro, se reafirma el descubrimiento de lo sublime en los mass media, típico de los setenta y la consecuente transformación de un espacio público que antes era imaginado a escala humana. El problema es básicamente de dimensiones: frente a la grandiosidad y "unilateralidad del cine-espectáculo", crear el goce del cuerpo en el esparcimiento experimental del quase cinema.

No es poco lo que se le pide al participante de las cosmococas quien, arrojado en la caverna del conocimiento de su propio cuerpo, está atrapado entre tres goces antitéticos: el de la máxima concentración de singularidad de los rostros, el de la disolución y enmascaramiento de la cocaína y el de la indiferencia y el juego que proponen las hamacas, la piscina o los globos. Lo que se le ofrece, en definitiva, es un sublime del goce: sublime porque testea las fuerzas de la forma fuera del arte pero sublime también porque se enfrenta directamente con las energías de la vida y la autodestrucción.

Podría pensarse este sublime que plantean las cosmococas en un contexto más amplio de rehabilitación del goce como noción que impugna a la narración burguesa (no hay que olvidar que Oiticica estaba abocado a hacer un arte antinarrativo) y que reivindica el entusiasmo dionisíaco. Hay que recordar que El placer del texto de Roland Barthes - que participa del mismo ánimo post-68 - es del mismo año que las cosmococas, y que la lectura de Nietzsche atrapa a Oiticica como antes sólo lo habían hecho Merleau- Ponty y Marcuse. Páginas enteras de textos nietzscheanos son pegados en sus cuadernos y, hacia fines de la década, la fórmula deleuziana "tragique = joyeux" se transforma en una de sus divisas. Pero lo más original de la empresa de Oiticica no está en los posibles intertextos sino en el modo en que lo sublime y la forma colocan la cuestión de cómo hacer del goce, en las nuevas condiciones post-68, algo público. Desde los goces clandestinos de la droga a los infantiles del juego con globos. Si en los sesenta Oiticica descubre que el arte no debe situarse en espacios públicos preexistentes sino que debe inventarlos, la revelación de las cosmococas, pese a la falta del cambio político en su horizonte, no es menos fundamental: la máquina sensorial del cuerpo no deja de trazar zonas y líneas de fuga.

Han pasado más de treinta años desde que Oiticica invitó a unos amigos a su departamento en Nueva York para mostrarles que no era cierto, como se decía en Brasil, que estaba acabado. Desde entonces hasta ahora, cuando las cosmococas se exhiben en los museos, muchas cosas pasaron. Entre otras, se ha debilitado notablemente el régimen de censura y represión en el que las cosmococas fueron pensadas, pero nuestras nociones del cuerpo y del espacio siguen siendo notablemente limitadas y el quase cinema de Hélio Oiticica no deja de ofrecernos el medio de una inesperada expansión.

Notas

1 Afortunadamente, los escritos de Oiticica pueden consultarse por Internet en el sitio dedicado a su archivo: www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia/ho.volta ao texto

2 La primera muestra pública de las Cosmococas se hizo en una retrospectiva organizada en 1992 que recorrió ciudades de Europa y Estados Unidos. Las diferencias en las instrucciones entre las performances privadas y públicas son meramente técnicas.volta ao texto

3 "Arte ambiental, arte pós-moderna, Hélio Oiticica" fue publicado en el Correio da Manhã el 26 de junio de 1966 y después reproducido en Acadêmicos e Modernos (Textos escolhidos III), San Pablo, Edusp, 1998, pp. 355-366.volta ao texto

4 En Glauber Rocha: Cartas ao mundo, organización de Ivana Bentes, San Pablo, Companhia das Letras, 1979, p.435. Las relaciones entre el voluble Glauber y Hélio habían conocido épocas mejores: en 1968, Oiticica participó como actor en Câncer, una de las expresiones más acabadas y felices de lo que aquí denomino populismo chic de vanguardia.volta ao texto

5 El término Apocalipopótese es una palabra portmanteau creada por Rogério Duarte que junta "apocalipsis" e "hipótesis".volta ao texto

6 Para un análisis del proceso de composición de las Cosmococas puede consultarse el ensayo de Carlos Basualdo incluido en su libro Hélio Oiticica Quasi-Cinemas, Germany, Kölnischer Kunstveiren - New Museum - Wexner Center for the Arts and Hatje Cantz Publishers, 2001. Para una perspectiva más vinculada con el cine underground del periodo puede leerse "Distracción, un estudio sobre algunas experiencias visuales de Ivan Cardoso, Torcuato Neto y Hélio Oiticica" de Mario Cámara, Grumo, número 4, octubre 2005.volta ao texto

7 La valoración del pigmento por razones no exclusivamente vinculadas con el color no es nueva: como se sabe, en el Renacimiento el azul ultramarino que se extraía de la piedra lapislazuli era el pigmento más caro y el que se reservaba para el manto de la Virgen.
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8 Esta cosmococa está dedicada a Augusto y Haroldo de Campos, con quienes Oiticica traba un intenso contacto en esos años y en quienes también se percibe este interés por "el blanco sobre blanco" en diversos poemas, traducciones y artículos críticos. No casualmente el parangolé blanco reproducido en Trashiscapes también está dedicado a Haroldo de Campos. En una carta inédita que Hélio Oiticica le envía a Augusto de Campos se lee: "augusto, fue genial que me hayas mencionado el libro de cage, notations: lo compré y es realmente increíble, de una riqueza sin fin, cósmico, con un montaje fantástico; he leído mucho silence también, libro con el que siento una afinidad increíble. la construcción de esos libros son obra de genio" (carta del 16 de octubre de 1971). Notations es una compilación que hace John Cage de partituras de diversos autores que contienen nuevos sistemas de notación musical y que el propio Cage comenta siguiendo el sistema del I-Ching. El título de la obra de Oiticica juega con el significado de "cage" (jaula) en inglés y la negación, mimetizándose con el título Notations.volta ao texto

9 Los maquillajes estaban a cargo de Neville D'Almeida y son llamados "mancoquillagens" en referencia a Manco Capac, el dios maya de la planta de coca.volta ao texto

10 En "Deux questions sur la drogue", ensayo incluido en Gilles Deleuze: Deux régimes de fous (Textes et entretiens 1975-1995), París, Minuit, 2003, p. 139.volta ao texto

ZAPPA EN MÉXICO

2010-08-20T19:35:00.001-04:30

ZAPPA EN MÉXICO
por vladimir

Mi experiencia de haber presenciado la musica del genio, de mi maxima influencia como musico y persona Frank Zappa, me refiero al interesante proyecto de su hijo Dweezil Zappa Plays Zappa
Era jueves, recuerdo que tenia que ir al trabajo, estaba impaciente para que llegara ese concierto, lo habia esperado tanto tiempo que simplemente pensaba que no iba a ser posible JAMAS!, pero de repente sucedio, zappa plays zappa venia a mexico y yo me hacia del baño en los calzones; ese mismo jueves fui a comprar mi boleto y para mi sorpresa solo contaba con 550 pesos que era lo que costaba la localidad mas barata, pero no importaba iba a ver al hijo del legendario genio, irreverente y mil adjetivos mas FRANK ZAPPA, interpretando la musica de este, en fin llegue a la taquilla y para empezar el wey que atendia ni siquiera sabia quien era y mucho menos como escribirlo asi que tarde como 10 minutos en lo que buscaba el evento,para acabarla de chingar me dice que ya no hay boletos de esa localidad!!! en ese momento senti que mi vida se hbaia ido por el caño y me las vi negras, me fui triste a mi casa, pero dije "nimadres tengo que ir a ese concierto" asi que le hable a mi madre, y le conte lo sucedido, despues le hable a mi abuela que me prestara dinero y finalmente me los presto, ya estaba todo listo; tenia el dinero incluso para una localidad mas cara, brincaba de emocion.

En el trabajo contaba los segndos para q saliera e irme directo al teatro de la ciudad, se me hizo eterna la espera, pero bueno me dirigia al lugary no pudia contener mi felicidad, tenia una gran sonrisa y no podia dejar de sonreir, me dolia la cara!!!!!!!

eran las 5:30 y el acceso era hasta las 7:00, fui a comer unos tacos muy buenoos por cierto, luego camineeee y camineee de un lado a otro impaciente escuchando parte del soundcheck que en ese momento estaban tocando "Eat That Question" y dije "nomames esto va a ser de otro mundo, una interpretacion perfecta por parte de todos los musicos, ya no podia esperar mas!""; como se imaginaran fui el primero en llegar el lugar, la gente se me quedaba viendo de manera extraña pues estaba hablando solo y tan impaciente, tan feliz que me valia madres todo lo demas.

A eso de las 6, empezaron a llegar algunas personas mas, sin duda seguidores fieles de la musica de frank zappa y porque no de su persona e idiologia, asi se fue alargando la fila y llegaban mas y mas seguidores de ese genio bigoton; por fin!! la espera termino!!!!! se abrieron las puertas y sali en chinga a buscar mi lugar, para empezar me impresiono bastante el lugar, es un teatro verdaderamente hermoso.

no compre de la localidad mas cara porque ya no habia boletos, pero bueno me toco un lugar bastante agradable y cómodo, en realidad me fui a la zona de los palcos; ni siquiera me tocaba ahi pero puta se veia geniaal todo perfecto y decidi quedarme ahi, ya que si despues llegaba alguien y me decia del lugar me iria, pero bueno para mi suerte solo llegaron 2 personas a ese lugar y estaba tan emocionadoo que ahhh no puedo describir todas esas emociones. En el escenario ya estaba todo montado listo para que salieron esos musicos de primer nivel y empezar la orgia musical con la musica de mi maxima influencia para mi!!! el señor Frank zappa, banda liderada por su hijo Dweezil Zappa; a lo lejos en la parte lateral izquierda del escenario vi la silueta de la hermosa Scheila Gonzalez y empece a gritar como loco su nombreee, despues salio a sentarse Joe Travers, The Vaultmeister Himself!!!, era una locuraa lo veia y no lo podia creer, se anuncia la tercera llamada y empiezo a gritar como loco euforico, empezaba el orgasmo sonico!!! y escucho esas disonancias tan excitantes de Purple Lagoon,que buena rola para comenzar se escuchaba muy muy muyyyyyy bieeeeeen claro el sonido y la visibilidad que tenia pff veia a todos perfectamente sin dar pausa alguna comenzaba ahora Stinkfoot, y despues Inca Roads;pfff INCA ROADS!!! una cancion tan satirica y comica pero a la ves tan llegadora, almenos para mi mas en ese solo que tanto me recuerdo a Frank asi que no puedo contener algunas lagrimas pero en fin; despues siguieron canciones como City Of Tyni Lights, Keep It Greasy, Daddy Daddy Daddy, y finalmente algo que jamas imagine que tocarian porque de hecho hasta lo que se frank nunca interpreto esta cancion en vivo; BLESSED RELIEF; nomaaameees que canciooooon de mis favoritas del bigoton, excelente interpretacion y en ese momento me enamore perdidamente de Scheila Gonzalez...que mujer!!!!!!!, que musico!!!! multiinstrumentista, y ese carisma que tiene woao es verdaderamente seductor, la noche siguio con temas como Apostrophe, Eat That Question, Florentine Pogen, Latex Solar beef, entre otras, (perdonen( no recuerdo al 100 por ciento el orden del set list en fin) llego la parte del Encore y para finalizar el dia mas feliz de mi vida hasta el momento fue Dont Eat The Yellow Snow para seguir sin pausas con Peaches en Regalia pffffff otra gran cancion y finalmente Cosmik Debris.

Asi termine mi odisea , sin duda el mejor espectaculo musical que he visto, todos los musicos se dieron el tiempo y la molestia de firmar autografos y tomarse fotos, pero fue la maldita policia de mierda que no me dejo entrar a la planta baja del teatro para que me firmaran mi poster y boleto, y claro aprovechar para fotografiarme con esos musicasoos, malditos los odiooo pero bueno me la pase de huevos aunque no tuve la oportunidad de conocer a dweezil junto a la demas banda que enseguida mencionare en las percusiones Billy Hulting, bateria Joe travers, guitarra Jamie Kime, Saxofon, Flauta, teclados y voz Scheila Gonzalez, teclados Crhis Norton y primera voz en Inca Roads y City Of Tiny Lights, en el bajo Pete Griffin, voz principal Bob Thomas y finalmente en la guitarra principal el primogenito del bigoton, el señor DWEEZIL ZAPPA!...

VIVA ZAPPA!!!!!...
MUSIC IS THE BEST.
Frank Zappa

BIGOTES

2010-07-25T13:54:00.001-04:30

Make a Jazz Noise Here

2010-07-19T16:19:00.001-04:30

Make a Jazz Noise Here
Felicitaciones por tu trabajo en Rasgadodeboca, que no conocía pero al que me he aficionado. Te dejo un artículo sobre "Make a jazz noise here" que salió hoy, que espero sea de tu agrado así como de todos los zappa-maníacos...
Un abrazo,
Federico Fernández Giordano

Para los que aún no estén familiarizados con el excéntrico compositor californiano Frank Vincent Zappa (1940-1993), Make a jazz noise here es sin duda una carta de presentación que acredita sobradamente la capacidad que tenía este portentoso músico para reciclar, renovar, transformar y refinar cada uno de los cánones y clichés que rodean a la música del siglo XX. Esta obra, grabada en vivo durante la última gira de Zappa en 1988, viene a ser el culmen de la larga serie de prodigiosos directos que el bigotudo nos dejó a lo largo de su carrera, arropado en esta ocasión, y como era habitual en él, por una de las mejores bandas que jamás se han visto sobre un escenario.
A lo largo de su titánica discografía (en el momento de morir contaba 62 discos en su haber), Zappa colaboró con la friolera de medio millar de músicos, entre los que se cuentan la London Symphony Orchestra, la Ensemble Modern de Frankfurt, o personajes de la talla de Shelly Manne, George Duke, Jean-Luc Ponty, Terry Bozzio, Adrian Belew, el capitán Beefheart, Steve Vai... En el disco que nos ocupa, lo acompañaba la última “big band” rockera de Zappa (la con justicia llamada “The best band you never heard in your life”), antes de que el genio se sumiera en sus postreros proyectos para orquesta sinfónica propiamente dicha.

Es precisamente en sus directos donde Zappa plantea un panorama musical que, para quienes comprenden los rigores de la orquestación, representa un fenómeno sin parangón y muy difícil de igualar. Tras estudiar a fondo cada una de sus obras en directo, se concibe la extraña impresión de estar escuchando una fantasía musical, una broma pesada de la razón, y uno casi ha de “frotarse las orejas” para cerciorarse de que no está soñando. Se comprenden entonces los motivos que pudo tener Zappa para titular la serie de 6 discos dobles atiborrados de música en vivo llamada You can’t do that on stage anymore (algo así como: “No puedes hacer eso sobre un escenario”). Y por cierto que ni el mismo Zappa podía o quería hacerlo, pues raramente ejecutaba una pieza de forma idéntica; por el contrario, cumplía al pie de la letra una de las formas que caracterizan a la música moderna: la variación.

DISCO 1:
Tras anunciarnos que Jimmy Swaggart (telepredicador fundamentalista-cristiano famoso en EEUU) está “bajo investigación” por ciertos asuntos pornográficos, el concierto arranca con el mítico tema “Stinkfoot”, con un bluesy Mike Keneally a la guitarra y un solo limpio a cargo del maestro, que nos recuerda el sonido translúcido de la grabación original. Le siguen las típicas bromas de Zappa (en esta ocasión, sobre las protestas de un fan al parecer molesto por una fallida interpretación de Ed Mann al vibráfono), y el concierto entra en su recta inicial con una suite compuesta de dos cortes inéditos: “When yuppies go to hell” y “Fire and chains”, toda una experimentación de atmósferas y fragmentos aparentemente inconexos durante casi 20 minutos de duración, incluyendo cáusticas secciones de viento, percusiones enajenadas, efectos sonoros, solos de trompeta y batería, sonoridades jazzísticas, líneas de bajo desenfrenadas, y hasta un inquietante fragmento de orquesta sinfónica a cargo del Synclavier (invento tecnológico semejante a un sampler y con el que Zappa superponía líneas previamente grabadas en estudio). Todo ello en una atmósfera paradójica, por cuanto que oscura a la vez que desenfadada, a medida que el tema parece desintegrarse ante nuestros oídos. Un amigo me dijo que “When yuppies go to hell” se parece a una visita actualizada al Infierno de Dante… Y con razón. La polifacética voz de Bobby Martin nos introduce en un club de jazz de pesadilla antes de dar paso al primero de los muchos solos de guitarra zappianos “par excelence” que este disco contiene: distorsión, técnica diabólica y enjundia a raudales. Pero este desasosegante principio no debe desalentarles; la banda sólo está calentando instrumentos… La suite que componen “Let’s make the water turn black”, “Harry, you’re a beast” y “The Orange County lumber truck”, dominada por una férrea sección de vientos, es una de las más joviales y desenfadadas de Zappa. A continuación, el cantante Ike Willis parece hacerse cargo del sentir general del auditorio con el corte “Oh no (I don’t believe it)”, ornado de espléndido solo con delay y una rítmica capaz de cortarte el aliento. No pierdan de vista la labor del batería Chad Wackerman, de los mejores que han pasado por la banda de Zappa, lo cual es mucho decir. “Theme from lumpy gravy”, una de las viejas, cierra esta primera parte con una lírica deliberadamente frívola, antes de reanudar con el grandioso y épico “Eat that question”, sacado del álbum orquestal The grand Wazoo, que es tal vez uno de los mejores y menos conocidos del Zappa de los 70.
La versión de “Black napkins”, un clásico que Zappa incluía en casi todos los conciertos, vuelve a aludir al título del disco con su sofisticada aproximación a los terrenos del jazz. El sinfónico “Big swifty” se interrumpe y resquebraja con las ya habituales digresiones; más fragmentos de jazz entre divertidos alaridos de la banda en emulación a los viejos jazzmen; sin previo aviso se arrancan con el Lohengrin de Wagner, cortado y pegado con un fragmento de Carmen de Bizet y otro de Overtura de 1812 de Tchaikovski, continuas referencias y autorreferencias, más solos… En fin: una banda divinamente loca dando lo mejor de sí. Una intro a lo reggeae da paso a la luminosa melodía de “King Kong”, en esta ocasión provisto de solos de viento, samplers, atmósferas de delirio, funk, y un cáustico monólogo del trombonista Bruce Fowler que termina perdiendo los estribos… Gamberrismo musical en estado puro. El disco 1 acaba con un extraño corte llamado “Star wars won’t work”, presuntamente una improvisación, con un solo de guitarra que al principio parece blusero pero que obviamente Zappa acaba conduciendo a su terreno.

DISCO 2:
A pesar del aviso del disco, “All selections segue”, no me queda claro si el disco 2 es continuo al primero o bien es el inicio de un nuevo concierto, pero esta versión de “The black page” es una de mis favoritas. Espléndida orquestación sinfónica con la banda trabajando al completo; una misteriosa línea de bajo a cargo de Scott Thunes; y un solo de guitarra de los que sientan cátedra. Con “T’mershi duween” la fantasía zappiana alcanza cotas importantes, antes de precipitarnos en “Dupree’s paradise”, otro tema sinfónico que súbitamente se convierte en una amalgama de ritmos y coloraciones diversas. Chad Wackerman y Scott Thunes llegan en este tema a una especie de limbo. De nuevo Zappa maquina con su Synclavier, que parece poseído por el demonio, y más jazz (por algo el título del disco, digo yo), solos de viento, etc… Una fragmentación musical que contrasta con la solidez de melodías rotundas y lúcidas. Y así llegamos a uno de los clásicos rockeros del repertorio, “City of tiny lights”, en esta ocasión ornado de vientos de película de gángsters, y que Bobby Martin interpreta con su característico y poderoso timbre de bluesman blanco. A continuación, la versión editada por Rykodisc incluye dos cortes que la edición de Zappa Records en Europa no traía: una versión circense de “L’histoire du soldat” de Stravinski, y otra, por contra más lírica, del Concierto para piano nº 3 de Bartok. Tras esto, el dinámico “Sinister footwear 2nd mvt” (con hilarante título además…), tema complejo, con un intermedio pesado e intrincados arreglos de viento, cediendo finalmente al festivo y heavy metal “Stevie’s spanking”, tema que proviene de una curiosa anécdota acerca de Steve Vai, y que el propio Zappa explica en The real Frank Zappa book, pgs. 213, 216:
“En 1981, durante una de las primeras giras con Steve Vai, tocábamos en la Universidad de Notre Dam y Laurel Fishman se pasó por allí. Por un giro del destino, Steve acabó en su habitación del motel con Laurel. Se dedicaron a una serie de prácticas que incluían un cepillo para el pelo, y a Steve babeando sobre su propia polla mientras ella se la cascaba. (Obtuve el catálogo completo de eventos a la mañana siguiente durante el Informe del Desayuno.)
Tras esto, otra de mis favoritas instrumentales, “Alien orifice”, de remarcable melodía, ritmo y orquestación complicada. Ya estamos en la recta final del concierto: una versión impecable del viejo “Cruisin’ for burguers” (mucho ojo a lo que hace el batería durante el solo de guitarra… --aunque esto también vale para el resto del concierto, ¿verdad?...), y el no menos clásico blues de casi todos los sets de Zappa desde su aparición en Bongo’s fury (1975): “Advance romance”. De nuevo Bobby Martin se hace cargo de la voz cantante, tomándole el relevo muy dignamente a los brillantes Ray White y Napoleon Murphy Brock de formaciones anteriores. Y el concierto concluye con una interpretación, a mi parecer un pelín contenida y menos espectacular que la de You can’t do that on stage anymore vol. 6, de “Strictly genteel”, tema elegante, profundamente lírico y sinfónico. Para acabar de ponerle broche a esta orgía musical de más de dos horas, Zappa hace las presentaciones de la banda mientras ésta le homenajea con el coro de “With a little help from my friends” de los Beatles, versión Woodstock de Joe Cocker... Toda una finta en la finta.

El fenómeno de fantasía musical al que hacía referencia al principio de este artículo podría definirse como una inconcebible “improvisación sinfónica”, o lo que Ramón García Albertos, en la suculenta página dedicada a Zappa que lleva a su cargo desde 1997, www.el3erpoder.com, denomina como “composición al instante”. Es sumamente curioso, así como raro, escuchar una ejecución en vivo tan compleja como la de esta banda, en la que al mismo tiempo se hallan elementos propios de la improvisación y la partitura, lo que podría constituir el mayor logro musical de Zappa: la concepción de una música flexible dentro de su integración en líneas racionales de composición. Éste es un rasgo característico de Zappa desde entrada su madurez como compositor, allá por 1973, y que lo llevó a desmarcarse de las tendencias psicodélicas, punk, minimalistas o deconstructivas que se pondrían de moda. La insistencia de Zappa puesta en la técnica, en la construcción de un discurso positivo, para a continuación refutarlo autoparodiándose en sediciosos parafraseos, en cataclísmicos arrebatos de exuberancia musical… todo esto sitúa a Zappa en un campo que busca una modificación musical desde dentro de la música, sin negarla, sin desnaturalizarla ni anularla. Por eso Zappa, por usar la famosa combinación de conceptos acuñados por Umberto Eco, es una perfecta muestra de artista apocalíptico-integrado, un anfibio que se sirve de las reglas de juego tradicionales para lograr un discurso en absoluto tradicional.

Como ocurre con la música de Edgard Varèse, a quien Zappa admiraba por encima de ningún otro, el aparente caos y desintegración de sus composiciones encierra en verdad una calculada estructura organizativa. No es casual que Zappa lograse transitar de la hilaridad a la seriedad máxima en una misma suite, combinando bosquejos de irreverencia con cortes que destilan la belleza y cohesión de los maestros clásicos. Asimismo, Zappa no se limita a una mera fusión o mixtura de estilos; él y sus músicos se apoderan de cada fragmento, sean propios o ajenos, para remozarlos en un discurso por completo innovador. Tanto es así, que más de uno se llevará las manos a la cabeza cuando escuche esta fantasía musical cuyo fin no es otro que la libertad creativa en su máxima expresión.

DISCO 1
1. Stinkfoot
2. When yuppies go to hell
3. Fire and chains
4. Let’s make the water turn black
5. Harry, you’re a beast
6. The Orange County lumber truck
7. Oh no
8. Theme from lumpy gravy
9. Eat that question
10. Black napkins
11. Big swifty
12. King Kong
13. Stars wars won’t work

DISCO 2
1. The black page (new age version)
2. T’mershi duween
3. Dupree’s paradise
4. City of tiny lites
5. Royal march from L’histoire du soldat
6. Theme from the Bartok piano concerto nº3
7. Sinister footwear (2nd mvt)
8. Stevie’s spanking
9. Alien orifice
10. Cruisin’ for burguers
11. Advance romance
12. Strictly genteel

Frank Zappa: guitarra solista, sintetizador, voz
Ike Willis: guitarra rítmica, sintetizador, voz
Mike Keneally: guitarra rítmica, sintetizador, voz
Bobby Martin: teclados, voz
Ed Mann: vibráfono, marimba, percusión electrónica
Walt Fowler: trompeta, flugelhorn, sintetizador
Bruce Fowler: trombón
Paul Carman: saxo alto, saxo soprano, saxo barítono
Albert Wing: saxo tenor
Kurt McGettrick: saxo barítono, clarinete bajo
Scott Thunes: bajo, mini-moog
Chad Wackerman: batería, percusión electrónica

Frank Zappa: Un Quijote Ausente {1940-1993}

2010-07-17T11:20:00.001-04:30

Frank Zappa: Un Quijote Ausente {1940-1993}
por Sergio Monsalvo

Su muerte ocurrió en un momento inoportuno. Aunque durante los últimos años de su vida se apartó de la escena y se dedicó más a sus intereses de la composición, FZ aparecerá en la historia como un hombre que nadó contra todas las corrientes. La falta de escuchas calificados indujo a este freak, en un momento de franqueza a señalar su carrera como "un desastre total".

Frank debió todas las etiquetas que le fueron adjudicadas -satirico, crítico social, - iconoclasta- a sus textos, pero las palabras para él eran adornos mucho menos importantes que la sustancia musical. De algo hay que cantar, pensaba. No le interesaban el corazón y sus lamentos. ¿Por qué no colocar un espejo ante la sociedad y salpicarle un poco de sarcasmo.

Una Amplia Gama Musical:

Los textos eran un asunto secundario para él. Desde 1965, en sus inicios idealistas, intentó enviar mensajes cifrados a todos los que compartieran sus gustos singulares. El descubrimiento de que casi nadie estaba sintonizado con él le confirmó su sentido del aislamiento y procuró disfrutar de ese estado lo mejor posible.

A fin de seguir su evolución hay que conocer no sólo a los grupos vocales de doo-wop de los 50, el blues y rhythm and blues de músicos como Johnny "Guitar" Watson, Guitar Slim, Howlin´ Wolf y otros muchos, las big bands del jazz (sobre todo Duke Ellington y Count Basie), los antecesores del free (Roland Kirk, Archie Shepp), así como a diversos exponentes de la world music (a Frank le fascinaba la búlgara, los tradicionalistas irlandeses, The Chieftains, así como el canto mongol de tonos concomitantes), sino también a un amplísimo repertorio de música extraída del cine y la TV (la gama abarcaba desde el tema de "Bonanza" hasta los soundtracks compuestos por Nino Rota para Fellini).

Sin embargo, reviste una importancia mayor el sin número de sus referencias a la música "clásica" del siglo XX. El estudioso serio de la música de Zappa debe tener por lo menos nociones de la obra de (respiren hondo) Edgar Varèse, Igor Stravinsky, Charles Yves, Arnold Schönberg, Anton Webern, John Cage, Pierre Boulez, György Ligeti, Krzysztof Penderecki y Tatu Takemitsu, por mencionar algunos.

Como ejemplo están canciones como "Brown Shoes Don´t Make It" (Absolutely Free, 1967), en la cual se escucha al fondo un cuarteto de cuerdas dodecafónico del más estricto academicismo (como tributo a Schoenberg y Webern) y al final de la misma pieza un collage de canciones en las cuales se canta a la gloriosa nación estadounidense (Charles Ives).
Dichas insuinaciones son adaptadas a la canción, la cual se reduce, para todos los que se concentran solo en las letras, a un ataque cínico contra la moral de los usuarios de zapatos conservadores. A Zappa le encantaban estos juegos.

Lo absurdo de su posición era que los escuchas y críticos "clásicos" quienes quizás hubieran podido entender sus bromas musicales, rechazaban el volumen rocanrolero y el humor crudo, mientras que el público roquero no tenía la menor idea de la complejidad musical de sus obras, además de que la ingenuidad de este último lo llevaba, en muchas ocasiones, a tomar en serio los textos. Un gran porcentaje de sus fans coincidían exactamente con el tipo del que Zappa se burlaba en piezas como "Titties´n´Beer".

No obstante, entre más ridiculizaba Zappa la relajada actitud del "¡Quiero divertirme!" de su público, éste más lo celebraba. Y no se puede negar que el apoyo directo de estas personas, aunado a una capacidad increíble de trabajo, fue lo que permitió al músico una independencia inalcanzable para cualquier otro compositor de vanguardia: 60 álbumes en 25 años (si se cuenta "Beat The Boots", la serie 'oficialmente autorizada' de grabaciones piratas, el número aumenta a 76), años de experimentos radicales en su estudio casero -el 'Utility Muffin Research Kitchen' , equipado con todas las innovaciones tecnológicas-, edición de discos bajo su propio sello (Barking Pumpkin), venta de souvenirs por medio de su propia compañía de fabricación y distribución (Barfko-Swill) y cubrir el mercado de video (Honker Home
Videos). Hasta donde es posible apreciar, no parece haber habido un momento en que Zappa no hiciera lo que quería y ganara mucho dinero con ello.

Un Entretenedor Estadounidense:

El fracaso del que él mismo hablaba era el hecho de que "casi nadie" captara los matices finos de su trabajo. No obstante, hacia el final de su carrera la situación empezó a cambiar, cuando las interpretaciones de su obra presentadas primero por Pierre Boulez y luego por el Ensamble Modern arrojaron nueva luz sobre ella. Siguieron trabajos de composición para renombrados grupos de cámara, desde el Kronos Quartet hasta el Aspein Wind Quintet. Sin embargo, Zappa criticaba a la comunidad "clásica" en la misma forma despiadada que al mundo del Rock. Aborrecía la distinción arrogante establecida entre la cultura seria y la de entretenimiento y, a pesar de sus prioridades insistía en no ser artista sino "sólo" entertainer. "Nunca tuve la intención de dedicarme al Rock. Siempre quise componer música más sustanciosa, que se interpretara en salas de concierto, pero también sabía que nadie estaría dispuesto a tocarla. Por eso pensé que la única forma de dar a conocer algo mío sería formando un grupo y tocando Rock". Ese era su plan a largo plazo: una carrera como compositor disfrazado de roquero.

Los ahora legendarios MOI (originalmente llamados Mothers, que en el lenguaje del jazz es la abreviación de motherfuckers, es decir, músicos que le tupen en serio) derivaron de un grupo llamado Soul Giants, al que Zappa se unió en 1964. Al principio era un integrante secundario, pero no tardo en
ejercer el control sobre la agrupación, por ser el único que componía su material. Sin embargo, dicho material convirtió al grupo en una empresa kamikaze. El estreno en vivo de cada canción solía provocar de inmediato la prohibición de volver a aparecer en el lugar correspondiente.

También la escena freak de Los Angeles, en la cual Zappa y sus compañeros irrumpieron poco tiempo después, les exigió 18 meses de penurias tradicionales (bolsillos y estómagos vacíos) antes de firmar su primer contrato con MGM, quien les asignó a Tom Wilson como el productor del disco "Freak Out". Las grabaciones realizadas durante esa época demuestran que la formación fue en muchos sentidos la más creativa encabezada por Zappa. El grupo del periodo de Uncle Meat constituyó una mezcla fascinante de
autodidactas y músicos con antecedentes clásicos. sabían fundir sin ningún problema la dureza del Rock con ritmos complejos. Los saxofonistas Ian Underwood y Bunk Gardner, así como el tecladista Don Preston eran solistas excelentes. Ninguno de los conjuntos formados a la postre por él poseyó tanto potencial y espacio para las excursiones solistas e improvisaciones como los tempranos Mothers.

Con todo, el propio Zappa definía el concepto del grupo,. Tenía un don natural para causar disturbios y su trabajo singular recibía mucha publicidad. Entre los primeros éxitos figuróun contrato de 6 meses con el Garrick Theater de Nueva York, dónde el grupo presentaba su "show de monstruosidades". La predilección de Zappa por lo teatral se desarrolló en pleno durante ese tiempo.

En la actualidad es difícil apreciar el alboroto causado por el álbum "We´re Only In It For The Money" de 1967. En el momento culminante del movimiento hippie, una de sus figuras de culto se atrevió a burlarse de los ideales de toda una generación. El título era un golpe bajo contra los manifiestos de sus contemporáneos sobre la paz y el amor. La portada, una maliciosa parodia de "Sgt. Pepper". Los textos, una ironía despiadada hacia los Flower Children: Zappa pretendía apartarse de la manada. Hoy día sabemos cuán acertado fue su escepticismo.

El fin de los Mothers originales llegó cuando el empresario George Wein mandó al conjunto de gira. Hasta ese momento, Frank había pagado un salario fijo a sus músicos, sin importar si hubiera trabajado o no. De ahí en adelante sus grupos se armarían en principio con "trabajadores de temporada", reunidos solo para algún proyecto de grabación o una gira. Desde luego era un sistema más económico, pero la música perdió algo de esa indefinible calidad "orgánica"´sólo encontrada en las agrupaciones que durante mucho tiempo trabajan por un objetivo común.

..."El problema no es que me entiendan, sino que la gente no tiene la menor
idea de que es lo que hago"... <>.

Lo Que El Jefe Quería:

Lo que Zappa pretendía a partir de ese momento era el control absoluto.
Se tocaba la música como él se la imaginaba o nada. Asumió el papel del director en el escenario. No quería promover la realización personal de sus "empleados" (porque eso eran). También impuso un duro régimen tras bambalinas. Despedía en el acto a los músicos que encontraba drogándose. Con el tiempo los grupos con los cuales salía de gira empezaron a componerse cada vez más de músicos caracterizados por una disciplina admirable. Buenos técnicos, muchas veces graduados de la escuela de jazz de Berklee, sabían reproducir todo lo que Frank ponía frente a ellos en sus partituras. Y eso era exactamente lo que el jefe quería. Zappa componía piezas "hechas a la medida" para destacar las virtudes peculiares de cada músico.

Entre los personajes más interesantes que figuraron en su grupo en las décadas de 1970 y 1980 estaban los guitarristas Steve Vai y Adrian Belew, los bateristas Terry Bozzio, Aynsley Dunbar, Vinnie Colaiutta, Chad Wackerman; el bajista Jeff Berlin, el tecladista George Duke, el violinista Jean-Luc Ponty y la vibrafonista Ruth Underwood.
http://www.youtube.com/watch?v=8U9Lqki7Y9k

Respaldado por un grupo muy profesional y organizado, Zappa pudo permitirse mayores libertades como guitarrista. Pronto no eran ya raros sus solos de 10 minutos. Los álbumes en Vivo "Shut Up ´n´ Play Yer Guitar" y "Guitar" demuestran que dichos solos o "esculturas de luz" como él las llamaba nunca caían en regodeos vacíos.

Desarrolló un lenguaje muy personal en la guitarra. Según Steve Vai: .."al colaborar con Zappa yo servía de herramienta al compositor. Mi tarea consistía en tocar ciertas cosas complejas que él deseaba oír. Pero lo que más disfruté fueron los momentos que podía pararme ahí y escucharlo nada más. En su ejecución siempre se encontraba continuidad y evolución. Sus pasajes tenían muchas aristas"...

Por otro lado, el sentido de humor de Zappa siempre molestó a los puristas. Con trabajos digirieron el tono surrealista y absurdo, pero en su mayor parte inofensivo, de los primeros álbumes de los Mothers. Desde 1970 dicho tono se volvió más mordaz. En una época en que el movimiento de liberación femenina estaba tomando fuerza, Frank se rió de él en sus textos. Las críticas desde luego le importaban un comino. "Es fácil odiarme. Mi insensibilidad no se detiene prácticamente ante nada", confesó.

Zappa no temió siquiera clavarse de cabeza en el campo minado de los estereotipos étnicos. La canción "Jewis Princess" provocó protestas publicas por parte de la liga B' nai B'rith, la cual lo acusó de representar tendencias antisemitas. Frank no los tomó en serio y dio inicio a una campaña contraria en defensa de su derecho de libertad de expresión, además de continuar su serie de retratos de mujeres "típícas" con ataques no menos despiadados contra las "Catholic Girls" y la "Valley Girl" de California.
Otros blancos predilectos fueron los evangelistas de la T.V., los censores, los cientólogos, los amantes de la música disco, los camioneros, los nostálgicos de los 60, los apóstoles de la salud y desde luego los políticos de cualquier tendencia, sobre todo los republicanos.

En 1979, Zappa afirmó que jamás había podido identificarse con un movimiento social o político. Se negaba a participar en las elecciones únicamente para impedir que tomara el poder el peor candidato.
En los 80 cambió de opinión, promovió el registro electoral, hizo publico su parecer con respecto a cuestiones ecológicas y era el más elocuente entre los músicos de Rock que se manifestaron de forma abierta contra la censora Tipper Gore y su comité de "Esposas de Washington".

¡Claro qué escucho mi propia música en casa!. ¿Que voy a hacer?. ¿Escuchar a
Bob Dylan?.
<>.

Con Nosotros O Con Zappa:

Después de abandonar por completo las giras en 1988, harto de los gastos que le ocasionaban cada concierto, Zappa invirtió más tiempo en la política y los negocios. Entabló relaciones comerciales con Europa del Este. Durante un viaje a Praga, hizo amistad con Vaclav Abel, quien resultó ser un fan de los
Mothers originales. Cuando el presidente checo lo nombró embajador extraordinario de Comercio, Cultura y Turismo de la republica Checa, casi ocasiona un escándalo a nivel internacional. La Secretaría de Relaciones Exteriores de los USA puso un ultimátum: "Escojan: tratan con nosotros o con Zappa".

Frank, a quien le molestaba mucho que siempre lo sacaran de la jugada, pasó a la ofensiva y amenazó con presentar su candidatura a la presidencia estadounidense: "Seamos honestos, ¿de veras podría yo cometer más pendejadas que George Bush (padre)?". La campaña electoral seguramente hubiera sido muy entretenida, pero no hubo oportunidad. En 1989 a Frank se le diagnosticó un cáncer de próstata. La enfermedad ya estaba avanzada y los doctores no le dieron esperanzas.
Así, intensificó su trabajo en el estudio, preparó varios álbumes, puso en orden sus asuntos personales y pasó sus derechos de sus composiciones al Zappa Family Trust. Era muy fuerte su voluntad para seguir. Trabajar 12 horas, editar cintas viejas y componer nuevo material en el Synclavier fue hasta el final el objetivo declarado de cada día.

La experiencia musical culminante de sus últimos años fue para Zappa la colaboración con el Ensamble Modern de Frankfurt. El excelente cd "The Yellow Shark" probablemente no será el único documento de dicha cooperación.
En julio de 1993, Zappa produjo en Los Angeles un álbum, para su disquera Barking Pumpkin, en el cual, el ensamble interpreta las obras para orquesta más importantes de Edgar Varèse, entre ellas "Ionisation", la pieza que en algún momento despertó en Zappa el deseo de ser compositor y que lo acompañó durante toda la vida. Aportó a esta última sesión todos los conocimientos adquiridos en 3 décadas de trabajo, a fin de crear el marco óptimo para las tonalidades sonoras de esa música que tan bien conocía y registrarlas con la técnica digital de 48 tracks. Murió el 4 de diciembre de 1993, en Los
Angeles.

Su música construyó puentes para escapar del carácter insular y la banalidad del Pop. Seguir su trayectoria permite descubrir mundos musicales fascinantes. La pasión de Zappa por lo que llamó "La Música Verdadera" fue lo más cercano a una convicción espiritual por parte de un hombre tan escéptico.
<>.

Información no es igual a conocimiento.
Conocimiento no es igual a sabiduría.
Sabiduría no es igual a verdad.
Verdad no es igual a belleza.
Belleza no es igual a amor.
Amor no es igual a música.
"La Música es lo Máximo".

[FRANK ZAPPA].

Así es mi querido Frank porque: Un día sin Música es un día Perdido.

Joe Rocker

FELIZ CUMPLEAÑOS RINGO !!

2010-07-08T18:52:00.000-04:30

FELIZ CUMPLEAÑOS RINGO !!

DIEZ de los 200 MOTELES

2010-07-08T14:57:00.001-04:30

DIEZ de los 200 MOTELES
Diez Moteles en los cuales metimos las narices.
Eran 200 los de Frank Zappa pero no pudimos visitarlos todos por cuestiones de tiempo

Carlos Zerpa

1- En el primer Motel, los lavamanos de un verde agua, tenían dos llaves como todos los lavamanos, una para el agua fría y otra para la caliente, pero en este baño de Motel, una llave tenía escrita la palabra “HOT” y la otra “RATS”. Supimos que quién lo regentaba era “El Capitán Corazón de Bistec” y que a él a media noche junto a sus carnales “El Pachuco Cadaver” y “Willie the Pimp” cantaban a grito herido no dejando dormir a nadie. “Standin' onna porch of the Lido Motel. Floozies in the lobby love the way I sell: HOT MEAT, HOT RATS, HOT ZITS, HOT CHEST, HOT RITZ, HOT ROOTS, HOT SOOTS.”

2- El segundo Motel tiene todo el piso lleno de sandías abiertas, tomates aplastados y zanahorias desparramadas, de un rojo impresionante… Los Mothers vestidos de señoras nos invitan a entrar gentilmente, también aparecen por las puertas de las recámaras: nosferatus, monstruos, momias, vampiros, engendros del mal, Jimi Hendrix (en vivo) Nostradamus y seres bizarros en un paisaje tenebroso de tormentas eléctricas que se divisa por la ventana principal. Cuando le preguntamos a los dueños del lugar (vestidos de señoras) ¿de qué se trataba todo esto?, ellos respondieron: “We're Only In It For The Money”.

3- En el tercer Motel justo al entrar, en una sala toda pintada de amarillo Nápoles, nos encontramos con un gran sofá de cuero rojo, majestuoso. Ese sofá rojo que prácticamente vuela, va acompañado en una insólita galaxia de planetas, estrella y asteroides… Sobre el muro en una leyenda escrita con una tipografía casi gótica nos alerta: “Diván, diván… Wisst du wer ich bin…” Una mano izquierda refinada, con el dedo meñique alzado pinta una nebulosa con un pincel lengua de gato, otra mano sostiene o coloca en el firmamento una luna que es cuarto creciente, otra mano con el dedo índice, hace girar rápidamente a un planeta que me recuerda a Saturno con su anillo; otra mano en un primerísimo primer plano, con un pequeño tatuaje de una cruz radiante, una cruz con tres líneas que representan: al padre, al hijo y al espíritu santo, llamada "Pachuco Cross"… Mano que sostiene un Habano humeante, hace ver que es la diestra del mismísimo creador. “One Size Fits All” o que es lo mismo para nosotros como un “Talla Única”. Nada que ver este “SOFÁ” con los Simpson o más bien todo que ver del genial Matt Groening con Zappa, porque Matt afirma que: “Frank es mi Elvis”. En la pared de la derecha está colgado un “Yellow Shark” realizado en madera tallada, suerte de tiburón amarillo, que en realidad es un pez espada yellow con una mancha roja, de sangre en la boca. El propietario del Motel está enfadado pues las toallas misteriosamente pasan de las habitaciones a las maletas de los músicos. Levemente pudimos escuchar que de uno de los cuartos salía el sonido de un viejo rock'n'roll. ¿Johnny “Guitar” Jakson?.

4- En el cuarto Motel nos percatamos que la mesa de banquete sobre el mantel tiene ya las servilletas de tela de color negro dispuestas y el plato principal del Menú era “Tuna Sandwichees”. Otras comidas engalanaban la mesa: Panquecas de la “Electric Aunt Jemima”, ricas salchichas, las “Iron Sausage”, muchos Muffins, puré de “Potato Headed Bobby”, pescados de “Thing Fish” y la espectacular “Suzy Creamcheese” diciendo muy coqueta "Are Hung Up???" mientras se limpiaba su boquita con una "Black Napkins"

5- En el quinto Motel, el que nos abrió la puerta fue un enano muy parecido a Ringo el de los Beatles, pero con bigote y perilla a lo FZ ¿era Ringo o era Zappa?. Luego “The Mothers” comenzaron a tocar "Mystery Roach Motel" y al encender todas las luces cual si fuese un set de filmación, entendimos de que se trataba. Una jirafa de peluche perforada con una manguera y un difusor industrial de nata batida se encendió y reventó su culo, un amigo se acercó detrás de ella y apretó el botón y de inmediato teníamos esa cosa cagando nata batida por todo el vestíbulo, nos dimos cuenta que ellos estaban continuando las olvidadas tradiciones de las experiencias Da Da del gran Tristan Tzara… “Cuanto más absurdo, más nos gusta”…

6- En el sexto Motel quien abre la puertas es un científico loco de lentes de aumento gruesos cual lupas el cual se mueve en medio de gramófonos, herramientas, carátulas de discos de vinilo (Uncle Meat), libros, revistas, frascos repletos de tuercas, cajas llenas de mil cachivaches, un gramófono que suena un vinilo negro con aquello de: “Where did they go when did they come from”. Estantes en donde también hay un papiro con jeroglíficos egipcios, un libro de cocina etrusca, un mapa vial de Delaware de la Esso, un dibujo-diagrama de una ametralladora que en vez de tener cañón, tiene una pierna de muñequita de plástico que solo sirve cual vibrador, para masturbar jirafas, je, je, je… Justo en esa biblioteca hay una maceta hecha de una vieja lata en donde en tierra abonada, crece una planta de hojas alargadas, que en vez de frutos da ojos, según el Shenkel, una “Ecu dama puckered rictus”…. De seis ojos, que miran en todas direcciones, son ojos como pelotas de ping pong con sus iris de color azul.

7- En el séptimo Motel hay dos vacas al entrar, más bien parece un establo, todas sus paredes están recubiertas de cuero, de “Leather”…Una de ellas era la vaca con la que salió Zappa en la película de los Monkees, la otra vaca tenía una mancha en forma del mapa de Italia. Al fondo se escucha un sonido aterrador que no era el conocido muuuuu de las vacas. Al asomarnos nos dimos cuenta que era el rinoceronte Rihno de FOO-EEE, con su pinza de ropa en la nariz. El dueño del lugar aparece con una mopa y la cara pintada de negro, él nos aclara que ese lugar no es un establo si no un Motel Garage, el JOE'S GARAGE MOTEL At the Gas Station.

8- El octavo Motel parece un iglú, las paredes hechas con bloques de hielo y el piso con una gruesa capa de hielo molido, de verdad hace frio adentro, al entran nos ofrecen “Raspados” de hielo color amarillo, conos con nieve amarilla, paseándose por el lugar hay un huskie-weewee, un pingüino en bondage, un pingüino de plástico que como una bala atraviesa un aro de fuego y una foquita baby-seal que nos dice al oído, que casi nos susurra: “Don’t eat the yellow snow”.

9- En el noveno Motel en medio de la sala tienen un piano de cola color negro, de ser blanco el piano pensaríamos que era el de Lennon para tocar y cantar “Imagine”, pero no, este es negro, vemos también con sorpresa como por la ventana se asoma el gorila King Kong mientras un violinista muy parecido a Jean Luc Ponty aparece tocando y el gran simio sonríe. Los músicos con caras de perros de Rubén & The Jets hacen aparición junto con un enorme poodle teñido de rosado, “Evelyn, A Modified Dog”. Evelin, ese perro que no era perro sino más bien una puercoespín hembra se afeita la barba con la comadreja-afeitadora de “Weasels Ripped My Flesh”, mientras King Kong solo dice Arf ,Arf. Tan solo faltaba que el piso estuviese todo recubierto de corn flakes, pero esto solamente se daría si el piano fuese blanco.

10- El décimo Motel (Último en esta visita dominguera) es todo una caja de sorpresas, al entrar nos reciben con el grito: Hi ho Silver! . En la pared principal podemos ver un letrero pintado con carbón que dice: “Who Are The Brain Police?”. La señora que nos abre la puerta nos habla en alemán pero al ver que no le entendemos nada, nos aclara que el alemán es un idioma importante, porque es el que utiliza Dios para hacer negocios. Su esposo es una especie de Gurú con una bola de cristal que al vernos pretende vendernos su “Cosmik Debris”. Nos damos cuenta que la “Torture Never Stop” en este lugar, el cual está recubierto todo, completamente todo, muebles, paredes y objetos de plastilina, al ver con detenimiento al Gurú nos damos cuenta que era Bruce Bickford. Repentinamente se abre una puerta y aparece un hombre enloquecido gritando: ¡Hola, chicos y chicas, soy Jimmy Carl Black, soy el indio del grupo!.

Gracias a Dios que Zappa nos garantizaba que visitar estos 200 Moteles NO provocarían condenación eterna en aquel lugar regentado por un tipo con Cuernos y Tridente… PERO CASI.

Mira el Zappa que me han regalado

2010-07-02T14:37:00.000-04:30

2010-06-29T13:01:00.002-04:30

The Hijos of Frank Zappa y los Brothers de la liZta

foto Rocco Noccela

TRES AUTÓGRAFOS

2010-06-25T20:01:00.002-04:30

¿ZAPPA PLAY ZAPPA IN MÉXICO?

2010-06-15T11:13:00.000-04:30

¿ZAPPA PLAY ZAPPA IN MÉXICO?
por Sebastián Molinero

Cuando Dweezil Zappa cuenta el setlist del concierto Zappa play Zappa en Mèxico.

Setlist:

1 Purple Lagoon
2 Stinkfoot
3 Inca Roads - Chris solo, DZ solo
4 Daddy Daddy Daddy - SEGUE
5 Lonely Little Girl -SEGUE
6 City Of Tiny Lights
7 Blessed Relief - Billy Solo
8 Mystery Roach - SEGUE
9 Florentine Pogen - SEGUE
10 Advance Romance - Jamie Slide Solo, Ben Harmonica
11 The Little House I Used To Live In - SEGUE
12 Latex Solar Beef -Willie to Drum SOLO to
13 Apostrophe - Pete Solo
14 The Blue Light
15 Pick Me I'm Clean
16 Big Swifty - Billy Solo, Jamie Solo, Scheila Solo
17 Keep It Greasey
18 Eat That Question - Chris Solo, Scheila Solo
19 Easy Meat - END Of Show

Encore:

20 Yellow Snow
21 Peaches En Regalia
22 Cosmik Debris - DZ Solo - End of show

Por lo que se ve mantienen una buena base de temas de la gira de dos años atrás, más o menos un 40%, no?

Que no sé la trascendencia de este hecho, pero bueno, se me ha pasado por la cabeza. Me gusta mucho más el enlace de Material que el de Kurt, lo que no significa que este último sea un acha, pero le falta la h, imprescindible.
Pues hombre, qué te voy a decir. La trascendencia del hecho nunca depende del hecho en sí. Por ejemplo, un holocausto nuclear no tendría trascendencia alguna ya que ningún ser humano sobreviviría a él, y no parece razonable pensar que las ratas o las cucarachas de nueva generación (las que han aniquilado a la coqueta cucaracha negra) lo llegaran a documentar. Esto es la teoría de la trascendencia del holocausto nuclear. Pero en realidad sí que tendría trascendencia, ya que junto a ratas y cucarachas aladas sobrevivirían un puñado de homínidos evolucionados y algún gato, perro, periquito, canario y tal vez hurón, resguardados en refugios. La hermandad natural de destino tendría lugar; ratas, cucarachas aladas y los elegidos.

No estoy del todo de acuerdo contigo. Es muy fácil hacer populismo de rebelde sin causa cuando lo que eres es una simple causa sin rebeldía. Eres simple azar y tu supuesta rebeldía puede desaparecer por el mismo azar genético que la impulsa. Un pelotazo en la cabeza, un par de capilares rotos en el lugar adecuado y te conviertes en el más reaccionario del planea, pajillero de los refugios antiatómicos y defensor de la aniquilación de la mezquindad. Te recuerdo que tras el holocausto todo volvería a la normalidad, o bien el Dios Creador regenera el destino o bien éste se autoconstruye en cuestión de un puñado de millones de años. Algo irrelevante en la temporalidad del Universo. Mamón.

No me toquéis las pelotas, sólo estaba divagando respecto a un dato sin importancia. Qué me importa si tocan un 40% o un 39% del repertorio de hace tres años. Mucho delirar sobre lo humano y lo divino y a la hora de la verdad ¿qué hay de interesante en lo que decís?
Hubo un negro en Orleans en 1916 que hizo lo que vosotros decís, pero con una guitarra de tres cuerdas. Se suicidó con la cuarta. Y dentro de poco los degollados de la historia saldrán y os darán vuestro merecido. ¿Qué creeis que son si no los dj's? La reencarnación de todos los degollados, la degolladura hecha carna, zombis postmodernos que atacán a la parte más débil, vuestros hijos. Cuando todos humanos movamos la cabeza al ritmo del tecno-harcore al amanecer se creará un efecto concatenado de pequeños vórtices espaciotemporales que paralizarán el avance del espaciotiempo en nuestro espaciotiempo creando un vacío gravitatorio del que sólo los degollaos del tecno hard-core podrán escapar a toda pastillá hacia arriba, p'allá hacia la estratosfera.
Y mientros esto está a la vuelta de la esquina vosotros, clinisguds de la existencia, os preocupáis por el holocausto nuclear. Holocausto neuronal, hacedme caso.

Ya está, ya salió el fagocitador de la entropía. Maldito pene erecto del 69. Te crees que cualquier tiempo pasado fue mejor simplemente porque no lo viviste o no lo recueras. Apechuga con la oruga de tu cerebro y no te escudes en su constante degullición de masa neuronal del recuerdo para buscar evasivas. Lo único cierto es que has dado importancia a un dato, el 40%, de un repertorio tocado por el hijo de un muerto que trata de resucitar, o peor aún, reencarnar, a alguien con quien comparte la misma base genética que el resto de mortales. Eso está bien, el techno harcore está mal. Tú decides las fronteras de la dignidad desde el prejuicio de lo digno. Tu dignidad se la lleva el viento como el recuerdo se lleva la esencia de las cosas. Hablas por no callar. Habas por no callar, como diría un castizo a régimen. El único holocausto neuronal que conozco es el que sufrieron los hijos de la revolución de las flores. Tan naturales, ellos han
elevado a la categoría de única verdad el sucedáneo.

Que yo recuerde estabamos hablando de Zappa.

No, no, perdona, aquí nadie está hablando de Zappa.
¿Quieres que te recuerde que aquí nadie habla de Zappa? ¿Quieres que te recuerde que aquí nadie está hablando, que llevas una hora tricotando teclas y nadie dice nada. Te preguntarás quién soy yo, o el otro mamón que me ataca con la parafernalia del dj. Soytu, tuotroyó y te preguntarás quien es el otro al que llamo mamon que me ataca con la parafernalia del dj, pues él es tuotroyodelateridad, lo mismo que yo para él, que también soy tuotroyodelalteridad, pero entre nosotros nos respetamos y nos tratamos como suotroyodelalteridad. El respeto que nos tenemos es lo único que nos diferencia de ti, que despreciándonos a ambos tratas de trascender como una convergencia casual de dos distancias equidistantes en el vacío de tu cerebro. Intentas compensarnos -según tu lógica social, cuando en realidad tratas de negarnos- con el principio de la equidad y relativizas la importancia del 40%. A nosotros, y ahora hablo por ambos, no nos importa el
porcentaje, nos importa la veracidad de tu indagación. Relativizar el porcentaje es prender fuego y tirar cal sobre nuestra propia dignidad. No te importa el porcentaje, ¿qué te importa, entonces?
La vida es simple estadística, la lógica matemática mucho más las leyes físicas son en esencia la imagen de esta estadística. Es un intento por poner coto al azar y tratar de vestir con un traje de noche llamado predicción el desnudo grotesco de la impotencia intelectual, también llamada soledad vital. Cualquier ruptura del orden natural supone una negación de la ciencia exacta y rompe la estadística. Ninguna ciencia tal y como hoy la entendemos puede ir más allá del presente, el futuro es pura estadística que, si se cumple, verifica nuestro modo de construir la imagen del mundo natural. Lo que en el sucede y que llamamos vida natural, entre la que te encuentras tú, trata de racionalizarse en base a la misma lógica, pero día a día la realidad la desmiente. El único principio inalterable es que todo llega a su fin, cómo lo hace es otra cosa, la ciencia lo explica porque la estadística lo ratifica, de lo contrario sería
inexplicable.
Inexplicable es por qué tuotroyodelalteridad no me ha callado la boca de una magna leche.

Pues saben que les digo a ustedesdelalteridad? Que les aste un buey. Que aquí también falta la h, y en este caso no es imprescindible sino necesario, para beneficio de vuestros anales.

Pues porque estoy tumbado en una hamaca mirando las estrellas y escuchando grillos cantar, o escorpiones, cuyo canto es difícil de diferenciar, si es que realmente cantan y no es una leyenda de la reserva indígena del mundo rural que trata de protegerse de la reserva patógena del mundo urbano con leyendas de escorpiones que cantan a la luz de la luna, que de lo contrario te partiría la cara.
Estoy tumbado y no le digo suotroyodelalteridad lo que hago y dejo que me hagan porque vendría a este otro lado del hemisferio cerebral del mamón del 40% y me tocaría compartir. Cosa que no me apetece en absoluto, pues ya que sueño en compañía prefiero evitar la equidad de géneros.
Por lo demás, voy a provocar un cortocircuito y que el engendro este se vaya a dormir ya de una vez, que buena falta le hace.

Zappa Greasy Love Songs

2010-06-12T13:55:00.004-04:30

Zappa Greasy Love Songs
Por Javi NtmeC

Cuando Zappa empezó a re-editar su catálogo completo allá por mediados de los ochenta, los Old Masters y tal, consideró que a un par de sus álbumes les hacía falta un cambio para adaptarlos al público del momento; de este modo el maestro grabó nuevas pistas de bajo y batería para We´re Only In It For The Money y Cruising For Ruben & The Jets, cambiando sustancialmente el sonido de ambos trabajos y dejando a los viejos fans no muy contentos. Lumpy Gravy corrió la misma suerte, pero le convencieron para que se lo pensara mejor y no editó la nueva mezcla (finalmente apareció en el segundo cedé de The Lumpy Money Project/Object).

En el caso del Cruising el enfado fue mayor, pues la sección rítmica presente en la edición original era particularísima y genial y había sido sustituida por un bajo y una batería electrónica muy de la época (a cargo de Arthur Barrow y Chad Wackeman); sin desmerecer por supuesto el trabajo de los músicos, se había convertido en otro disco totalmente distinto. En 1995 se vuelven a re-editar los discos de Zappa, y si bien We´re Only In It For The Money recuperó la mezcla original del vinilo no fue el caso de Cruising, que se quedó con la remezcla de los ochenta, para nuevo desencanto de los fans del sonido original. Lo más jodido de las re-ediciones de Cruising With Ruben & The Jets no es que los cedés tuvieran la nueva mezcla ochentera, ¡es que los elepés nuevos también la tenían! Y encima no advertía de nada en el libreto ni pollas en vinagre. Vamos, que el que se comprase el vinilo re-editado porque en su día no pudiera hacerse con el original y escuchara la sección rítmica nueva se sorprendería bastante. Yo tuve la grandísima suerte de encontrármelo por casualidad en Ebay y a un precio decente, y créanme que lo guardo como la joya de mi modestísima colección.

Quince años más han tenido que pasar para que la familia Zappa se decida por fin a editar en cedé la mezcla original del 67 de Cruising With Ruben & The Jets, siendo este disco el grueso de Greasy Love Songs. Se completa con mezclas o versiones alternativas de 6 temas del álbum original, más dos pistas extra con extractos de entrevistas, lecturas de textos... de Zappa.
Podían haber editado la mezcla antigua en cedé hace muchísimo tiempo porque estaba disponible desde siempre, pero así son las cosas. El concierto de Roxy & Elsewhere en video también anda por ahí desde hace eones, y siempre pasa algo con él: que si la mezcla final
está costando más trabajo del esperado, que si hay problemas...en fin, las cosas de palacio van despacio.

Paso a detallar a continuación el material extra de Greasy Love Songs con las notas junto a cada tema extraídas del libreto del cedé:

- Jelly Roll Gum Drop. Alternative Mix-Mono.

Curioso; en un punto del tema suenan por un segundo unas voces chillonas en primer plano made in Zappa que diría yo no aparecen en la mezcla de Cruisin original.

- No, No, No. Long Version.

Pues eso, tema alargado. Qué juego de voces tiene este tema, la Virgen...

- Stuff Up The Cracks. Alternate Mix. Recorded At Mayfair Studios, 24 July 1967 during the WOIIFTM Sessions - Evidence suggests this mix was likely done at the same time. Players: FZ-Guitar & Vocals, Ray Collins-Lead Vocals, Roy Estrada-Bass & Vocals, JCB-Drums, Ian Underwood or Don Preston-Piano.

Otro temita alargado, que es una delicia supina. Solo de saxo, voces otra vez genialísimas (como en todo el disco en realidad), y final con guitarreos de Zappa (!!!) junto al piano y la base rítmica estrambótica. Joyaza instantánea.

- Serious Fan Mail. Segments/Excerpts: FZ Lecture with Q & A at The New School, NYC, 21 Feb, 1969 / Interview at WMEX with Warren Duffy, Boston, 31 Jan 1969. Segment Collaged by the Vaultmeister at UMRK, 2008.

Como acaban de leer, collage de declaraciones de Zappa acerca de "Cruising With Ruben & The Jets, básicamente explicando de qué iba aquel disco, si realmente iban en serio grabando un disco de r&b y de cómo la gente que no supo en su momento que realmente eran los Mothers y no Ruben & The Jets flipó pepinillos con el álbum. Por lo que he podido entender en la escucha superficial, el single que sacaron del disco, Deserie, fue todo un éxito, y a una estación de radio de Philadelphia que puso mucho el disco le llegaron cartas de fans de Ruben & The Jets diciendo que eran el mejor grupo de r&b desde Danny And The Juniors. De ahí al título del tema.

- Valerie. (C. Lewis/B. Robinson, BMI). Mono mix. Mayfair Studios, 21 July 1967. This alternate version was recorded during the "Money" Sessions, precedes BWS and frequently played at the Garrick! Repertoire!!! Engineer-Gary Kellgren, Players: FZ-Lead Vocals, Guitar, Roy Estrada-Bass, Ian Underwood-Piano, Motorhead Sherwood-Baritone Sax, JCB-Trumpet, Billy Mundi-Drums, M.O.I.-Background Vocals.

Como ven, versión de la versión anterior a la de Burnt Weeny Sandwich. Empieza muy parecida a ésta, si exceptuamos el par de notas y el saxo tímido de fondo de la "mini-intro"; pero pasa el primer minuto y Zappa se empieza a emocionar cada vez más. Para el 1:45 hace como que llora en el micro (jamás escuché a Zappa en este plan), y en el 1:53...¿coñoseso? ¿Ese ruído lo hace la trompeta, el saxo o qué cojones? Una especie de chillido que acompaña el "llanto" de Zappa, y que se repite al final, junto a los últimos sollozos desesperados del bigotudo. Bizarro de pelotas el temita, pero fantástico.

- Jelly Roll Gum Drop (Single Version). Released as B-side to "Deseri", December 1968.

Pelín diferente de la mezcla original en Cruising, sobre todo al final del tema.

- Secret Greasing. FZ delivers THE STORY OF RUBEN & THE JETS, Xenochronous with Big Jay McNeely´s "Benson´s Groove" Live on KPPC in Pasadena with Les Carter, 27 Nov, 1968. Beat Booten by Joe Travers.

Audio de un anuncio que por lo que he podido entender no fue emitido jamás por violar todas las normas del comisionado de yo que sé. Cuenta la historia de los Ruben en boquita de Zappa, todo muy en plan "ponte gomina, tu traje nuevo y vamos al baile a pelearnos con otros grupos".

- Love Of My Life. From FZ´s 1977 2 tk "Cuca Impossible Recordings" compilation in a Record Plant box, 1/4 inch and 10 inch reel format, carefully labeled in FZ´s hand- CAREFUL! OLD TAPE. Check Azimuth for Each Cut- An FZ-typed sheet indicates Ray Collins & Mary Gonzales. Suspicious minds might conclude that FZ plays everything and it might be that there was possible lurkage by Paul Buff. Original recording circa ´62-´64, Cucamonga (Studio Z!)

Versión primigenísima de la canción. Sonido antiguo, la batería es particularmente curiosa por simple y por sonido, y se nota que no hay mucho retoque en estudio. Quizá lo más reseñable es el "duelo" de voces masculinas y femeninas.

El setlist del concierto Zappa play Zappa en México

2010-06-05T10:39:00.003-04:30

Dweezil Zappa os cuenta

el setlist del concierto

Zappa play Zappa en México:

Por Javier

Setlist:

1 Purple Lagoon

2 Stinkfoot

3 Inca Roads - Chris solo, DZ solo

4 Daddy Daddy Daddy - SEGUE

5 Lonely Little Girl -SEGUE

6 City Of Tiny Lights

7 Blessed Relief - Billy Solo

8 Mystery Roach - SEGUE

9 Florentine Pogen - SEGUE

10 Advance Romance - Jamie Slide Solo, Ben Harmonica

11 The Little House I Used To Live In – SEGUE

12 Latex Solar Beef -Willie to Drum SOLO to

13 Apostrophe - Pete Solo

14 The Blue Light

15 Pick Me I'm Clean

16 Big Swifty - Billy Solo, Jamie Solo, Scheila Solo

17 Keep It Greasey

18 Eat That Question - Chris Solo, Scheila Solo

19 Easy Meat - END Of Show 20 Yellow Snow

21 Peaches En Regalia

22 Cosmik Debris - DZ Solo

End of show

http://www.dweezilzappaworld.com/events/47-teatro-de-la-ciudad

Dweezil firmando autógrafos

Carlos Zerpa y Angel Mollo

Firma de Dweezil en la portada CD homenaje a Frank Zappa

Frank Zappa

2010-05-01T09:54:00.002-04:30

Frank Zappa
Greasy Love Songs (2010) {Zappa Records}

EAC rip (secure mode) FLAC+CUE+LOG -> 402 Mb MP3 @320 -> 149 Mb
Full Artwork @ 300 dpi (jpg) -> 17 Mb (web)
© 2010 Zappa Records / ZFT ZR 20010
Rock / Experimental Rock / Doo Wop

The Mothers of Invention per Frank Zappa's original liner notes on Cruising With Ruben & The Jets:
Ray Collins: lead vocals
Frank Zappa: low grumbles, oo-wah & lead guitar
Roy Estrada: high weazlings, dwaedy-doop & electric bass
Jimmy Carl Black and/or Arthur Dyer Tripp III: lewd pulsating rhythm
Ian Underwood or Don Preston: redundant piano triplets
Motorhead Sherwood: baritone sax & tambourine
Bunk Gardner & Ian Underwood: tenor & alto saxes

tracklist:

01. Cheap Thrills (Original Mix)

02. Love Of My Life (Original Mix)

03. How Could I Be Such A Fool (Original Mix)

04. Deseri (Original Mix)

05. I'm Not Satisfied (Original Mix)

06. Jell Roll Gum Drop (Original Mix)

07. Anything (Original Mix)

08. Later That Night (Original Mix)

09. You Didn't Try To Call Me (Original Mix)

10. Fountain Of Love (Original Mix)

11. No. No. No. (Original Mix)

12. Anyway The Wind Blows (Original Mix)

13. Stuff Up The Cracks (Original Mix)

14. Jell Roll Gum Drop (Alternate Mix)

15. No. No. No. (Alternate Mix)

16. Stuff Up The Cracks (Alternate Mix)

17. Serious Fan Mail (Dialogue)

18. Valerie (Alternate Early Version)

19. Jelly Roll Gum Drop (Single Mix)

20. Secret Greasing (Dialogue)

GREASY LOVE SONGS

Acabo de volver de vacaciones y esta mañana me lo han dejado en el
buzón...a parte de cambiar de proveedor de telefónica e internet ahora
mismo que se ha ido el técnico...

Plateado y molón diseño del cd, trasera del Nash del 53, interiores
también plateados con la original portada de Carl Shenkel y fotos
psicodélicas, libreto en b/n incluido de cómo debes peinarte el pelo
onda gomina y rulos y en contraportada cómo debes bailar el beat el
bop de Ruben & the Jets, 21 temas, fotos de los Mothers
caracterizados bop, intro de Cheech Marin
( curioso el encuentro y audición para FZ),detalles técnicos de esta
edición, comentario de GZ, letras en inglés y la historia de Ruben &
The Jets, a parte foto tipo carnet de FZ y detrás con las notas
originales del ´68 de los componentes e instrumentos.

El sobre que guarda el cd es imitación a cartón arrugado donde aparece
como si fuese un single:
NO¡ NO¡ NO¡
Long Version
LaMarr & The Finetones
Time:3:10

Y la otra cara:

NO¡ NO¡ NO¡
(LaMarr Brewster)
Pub. SANO BMI

LaMarr & The Finetones
Time: 2:25
En el cd a modo de dibujo animado imitando a la galleta ( azul) de un
disco de vinilo,aparece escrito :

Finetone ( en color rosa)
Real Sharp Records
Greasy Love Songs
Frank Zappa
ZR20010

Saludos,
Javier.

2010-03-24T20:31:00.002-04:30

ZAPPA LA ENTREVISTA EN EL ROLLING STONE
Escrito por Arroyero en su blog
http://www.arroyero.es/

En 1988 el periodista y comentarista de la MTV Kurt Loder entrevistó de forma bastante extensa a Frank Zappa para la revista Rolling Stone. La entrevista también apareció publicada dentro de su libro Bat Chain Puller: Rock and Roll in the Age of Celebrity (2002). Como no he encontrado traducción al español (y si la hay he perdido el tiempo de forma lamentable) me he puesto manos a la obra y os ofrezco dicha entrevista. Espero que la disfrutéis.

Frank Zappa es un hombre muy inteligente y divertido que podría perfectamente hacer carrera como comediante de monólogos, si así lo deseara. Pero en su lugar Zappa ha elegido conducir sus inclinaciones musicales en un área de sofisticación musical que prácticamente elimina cualquier posibilidad de colocar un single en el top ten en un futuro próximo. De manera que, ¿Acaso ha dejado, vuelto, o reunido a los Mothers of Invention para una gira conmemorativa de sus 25 años? Ni hablar. Zappa gestiona su propia compañía discográfica en la actualidad, con la que alimenta a sus fervorosos admiradores. También escribe comentarios económicos en la red del Financial News y es recibido en audiencia por el Presidente de Checoslovaquia – una tierra recién liberada en la que, según cuentan, está intentando instalar una franquicia de Helados Ben & Jerry. Un músico autodidacta y teórico social, Zappa hizo discos muy complicados con los Mothers of Invention allá en los sesenta (incluyendo el primer álbum “conceptual”, Freak Out!, que se adelantó por dos años al Sgt. Pepper de los Beatles). Además de su afición por el doo-wop de los cincuenta y por el R&B, tiene muy poco interés por el pop adolescente comercial, y si eso le impide conseguir alguna vez un megahit en las listas de éxitos, pues que así sea. Ya encontrará otras cosas que hacer, como fustigar a las pobres damas de la Parent´s Music Resource Center (la entidad que califica los discos), o recordar a la irresponsable industria musical la importancia de la Primera Enmienda. Los objetivos de su enfado rara vez encuentran motivos de risa en sus andanadas verbales, pero Zappa sigue siendo uno de los ingenios mas afilados del rock.

¿Eras un cómico ya desde niño?

Lo intentaba. Era raro, porque a los once años de edad ya tenía bigote, grandes espinillas, y pesaba casi 82 kilos. Descubrí que podía hacer reir a la gente cuando me obligaron a dar una pequeña charla en clase sobre las mujeres en la escuela. No se lo que les hizo reir, pero lo hicieron, así que pensé “De acuerdo, nada mal”, de manera que lo desarrollé en una especie de… No diré un número cómico.

¿Qué fue lo que te atrajo a la música a principios de los cincuenta?

La primera música que oi y que me gustó fue árabe. Pero no puedo imaginar dónde la oi, porque mis padres no tuvieron un reproductor hasta que tuve quince años. Cuando lo compraron, creo que el primer disco de R&B que conseguí fue “Riot in Cell Block #9”, de The Robins. Y poco después lei un artículo sobre Edgard Varese en la revista Look, y encontré su disco, y eso fue todo lo que tuve. Los Robins y Varese, y creo que también “Work with me, Annie” de Hank Ballard y los Midnighters.

¿Veias algún tipo de dicotomía entre los discos de Varese y los de R&B?

No, en absoluto. Lo veía como una teoría de campos totalmente unificada. Lo que mas me llamó la atención en el disco de Varese era lo directa que era la composición. Era como si aquí hubiera un tipo que escribe música disonante y no va jodiendo a los demás. Y aquí hay un grupo llamado Los Robins, y tampoco parece jodan al personal. Se lo estaban pasando bien. Desde luego Hank Ballard y los Midnighters sonaban como si se lo estuvieran pasando en grande. Y aunque armónicamente, rítmicamente y en otros muchos aspectos superficiales eran muy distintos, el alma básica de la música me parecía provenir de la misma fuente universal. Ya sabes, un tipo que tiene las agallas de levantarse y decir “Ésta es mi canción, o te gusta o te largas”.

Fuiste autodidacta a la hora de leer y componer música a muy temprana edad, pero imagino que no fuistes un estudiante modelo en el instituto.

Me expulsaban constantemente por diversos comportamientos antisociales. Mi padre estaba preocupado porque le retiraran el pase (NT: El padre de Zappa era peluquero en la base militar)

Uno de tus compañeros en la escuela era Don Van Vliet, que luego sería Captain Beefheart. ¿Cómo era entonces?

Conducía un Oldsmobile celeste con un hombre-lobo tallado a mano reemplazando el logo de la empresa en el centro del volante. Su padre era repartidor de pan para Helms. Don no pasó mucho tiempo en la escuela; la mayor parte del tiempo lo veía en su casa. Escuchábamos discos de R&B por las tardes, y por la noche lo mas excitante que se podía hacer en Lancaster era ir a Denny a tomar café “porque no había nada mas” – es decir, todo cerraba a las seis. Realmente horroroso. Asi que para poder ahorrar para ir a Denny Don tenía que conseguir acceder al interior del camión de su padre. La maquina de cambio estaba en el frontal, y el vehículo estaba cerrado a cal y canto, así que había que acceder por la parte trasera, apartando cajones lo suficiente para que su novia Laurie pudiera entrar a robar el cambio, y después sacarla tirando de ella por los tobillos. Así nos pagábamos la diversión.

A principios de los sesenta te mudaste a Cucamonga y empezastes a trabajar en un pequeño estudio de grabación. ¿Qué tal era el sitio?

Lo construyó un tipo llamado Paul Buff. Paul es un genio, un gran tipo. La mayoría de los sitios en aquellos tiempos estaban apartados si tenían una maquina de tres pistas. Paul se construyó una de cinco pistas para hacer overdubs. Construyó su estudio a partir de chatarra, usando los conocimientos que adquirió en los marines. Y el lugar era genial. “Wipeout” se grabó en ese estudio, en una sola sesión. Un hecho poco conocido. Me llevó Ronnie Williams, un músico con el que había tocado en algunos bares locales. En aquel tiempo, alrededor de 1961 o 1962, existían esas cosas llamadas “discos noveles”, ¿sabes? Como “Please, Mr. Custer”. La radio todavía tenía cierto sentido del humor. De manera que si conseguías hacer un “disco novel” había posibilidades de que una discográfica lo editara. Escribí uno, y junto con paul llevamos el máster a Capitol por un anticipo increible de 700 dólares. Era un engaño total, y el motivo era que el disco parecía que iba a ser increiblemente “caliente”. ¿sabes por qué? Se llamaba “The Big Surfer” e iba de un tipo, un DJ de San Bernardino llamado Brian Lord, que imitaba la voz de Kennedy mejor que él mismo. Era como el lanzamiento del primer disco de la Primera Familia (NT: se refiere al clan Kennedy), en el que Kennedy es juez de un concurso de surf. Y completamente producido, con efectos sonoros y todo, ok? Pues bien, la broma era que el ganador del concurso era premiado con un viaje con todos los gastos pagados como el primer miembro del Cuerpo de Paz mandado a Alabama. Pero poco después de firmar el contrato Medgar Evers fue asesinado y Capitol se negó a lanzar el disco (NT: Medgar Evars fue un activista de los derechos de los negros que fue asesinado por el Ku Klux Klan el 12/06/63 en Mississippi).

¿Esperabas que fuera tu gran oportunidad?

Bueno, quizás. Podía haberlo sido. Era un buen disco.

También escribistes la banda sonora de una película llamada “The World’s Greatest Sinner” en ese estudio de Cucamonga. ¿Qué tipo de película era?

Era una película producida, dirigida e interpretada por Timothy Carey… Escribí la banda sonora y el tema de rock & roll principal. La premisa del guión era: Un hombre se cree Dios, duda de si mismo, irrumpe en una iglesia, roba el pan de la comunión, lo pincha para comprobar si sangra o no. Lo hace, y se da cuenta entonces de que no es Dios. ¡Hablando de grandes guiones!

Por poco hicistes tu propia película en Cucamonga, con Don Van Vliet de protagonista. Pero después ocurrió el incidente “pornográfico”. ¿Qué fue exactamente lo que pasó?

Bueno, hay cosas de esa historia que aún no entiendo. Yo intentaba hacer una película de ciencia-ficción en un edificio de almacenes de Cucamonga, ¿De acuerdo?. Ya tenía el estudio de grabación, y tenía suficiente espacio atrás para construir decorados y filmar. Fui a una subasta a un sitio de Hollywood llamado F. K. Rocket Studios. Abandonaban el negocio y por $50 me traje una ranchera llena de decorados. Así que estaba listo para hacer la película, que se llamaría “Captain Beefheart vs the Grunt People”. También tenía entre todo el material que traje un cartel que ponía TV PICTURES – un bonito cartel rojo con letras doradas. Resulta que mi estudio se encontraba justo enfrente de una iglesia y a media manzana de una escuela de grmática para niños. En un pueblo en el que, si llevaba el pelo la mitad de largo que tú me considerarían una amenaza para la sociedad, y el código de vestimenta eran camisas blancas de mangas cortas, las camisetas eran señal de comportamiento extraño. Aquello era Cucamonga. Así que ahí estoy yo viviendo en el estudio, y conmigo vivían dos chicas blancas y un bebé negro.

¿Cómo es que…?

Es realmente complicado. No tenían dónde quedarse, sabes. Les estaba ayudando. Y para ganarme la vida – dado que no había una cola de grupos surf en la puerta esperando para grabar otro “Wipeout” – tocaba la guitarra los fines de semana en este cruce de Sun Village, cerca de Lancaster, a 120 Km de distancia. Me pagan siete dólares cada fin de semana. Era todo lo que podía conseguir. Y resulta que mientras estaba tocando las chicas salían a la calle con su bebé negro y se ponían a tocar. Lo cual ofendió a todo el mundo en este pueblo. Asi que lo siguiente que se es que aparece este tipo llamando a mi puerta, dice que es un vendedor de coches de ocasión, que ha visto el letrero, que va a hacer una fiesta y que si puedo hacer una película para él. Empieza a hablar de dinero. Yo le digo “No lo entiendes. Hacer una peli es caro. Te propongo que si queréis reiros deja que te haga una cinta de audio”. Acordamos un precio de $100. Pensé que podía salir algo realmente divertido. Lo que no sabía era que mientras hablábamos él transmitía nuestra conversación a un camión mediante un micrófono en su muñeca.

¿Un micrófono en la muñeca?

Si, era totalmente como Dick Tracy. Y mientras tenemos esta conversación va mencionando con términos médicos las actividades que deben aparecer en la cinta. Y, quiero decir, nunca había estado cerca de un policía en mi vida, y no tenía ni idea de que este tipo – Detective Willis creo – era una tapadera. Para mi era una maldita broma, ¿ok? Quiero decir, en el momento en que el hombre empezó a hablar de “cópula oral” debería haber dicho ¿¿Qué?? Pero no, no lo hice. Porque, recuerda, yo ganaba entonces siete dolares semanales en Sun Village. Así que se va y preparo el equipo de grabación, y una de las chicas y yo entramos en la habitación que usábamos como dormitorio. No había absolutamente nada de sexo en la cinta. Eran solo quejidos y gruñidos, ooh ahh, ooh ahh. Terminé el master de gruñidos. Tenía que cortar todas las risas de la grabación porque era absurdo, y añadí música de fondo para darle un toque mas profesional. No era mas extraño que la cuarta cara del Freak Out!. El tipo vuelve a la mañana siguiente, me da $50. Le digo “Acordamos $100. No hay trato”. La cinta nunca cambió de manos. De pronto la puerta salta por los aires, flashes por todas partes y esposas en las muñecas. Como en la Alemania Nazi. Arrasaron con todo lo que había por allí. Rollos de cinta que no tenían nada que ver con este tema, proyectores, todo. No tenía dinero, asi que tuve que declararme nolo contendere. Un fiscal de26 años del condado de San Bernardino se nego a dejarme salir bajo fianza, asi que me cayeron seis meses con sólo diez dias en suspenso, mas tres años a prueba. Y mientras espero sentado a que me recoja el autobus de la prisión de San Bernardino para llevarme, me visita el detective Willis y me dice: “Si nos ayudas a establecer qué otras cintas son obscenas te devolveré el resto, borradas”. Y le digo “No está en mis manos convertirte de policía en juez”.

Su suerte comenzó a cambiar en 1964, cuando se unió a los Soul Giants, la banda que se convertiría en los Mothers of Invention. ¿Cómo eran cuando llegó?

Eran bastante buenos. Yo ya sabía que Ray [Collins] cantaba bien porque habíamos grabado juntos, pero lo que me impresionó de los Soul Giants, siendo una banda amante del R&B, fue Jimmy Carl Black – El único batería que conozco que de hecho podía pasar por el de Jimmy Reed.

¿En serio?

Si. Piénselo: Un completo desprecio por la técnica, ¿Entiendes? Una total dedicación a hacer bum-bap, bum-bap. Un talento muy difícil de encontrar.

¿Así que convenció a esos chicos de que podía hacerles ricos?

No. Les dije: “Aprendamos mas material original e intentemos obtener un contrato discográfico”. Y el saxo, un tipo llamado Davy Coronado – era su grupo – va y dice “No puedes hacer eso. En el instante en que toques música original te echan de esos clubs”. Y tenía razón. Aprendimos a tocar cosas originales y nos echaron… una y otra vez… y otra…

Al final decidió firmar un contrato, y ha tenido uno desde entonces. ¿Cree que la industria musical ha cambiado mucho desde aquellos tiempos, para bien o para mal?

Sabe, no recuerdo un solo momento en el que la industria musical haya cambiado a mejor. Ni uno sólo. Veintitrés años al frente y no se me ocurre ni una sola cosa que sea mejor que cuando comencé. La cuestión es que es mas negocio que música. Ahora todas las decisiones musicales las toman contables y asesores de moda. Antiguamente tenían a estos tipos con puros saliendo de sus bocas – antes de las zonas de no-fumadores. Llegaba una nueva banda, y estos tipos con puros se encogían de hombros y decían “Cualquiera sabe…” y firmar un contrato era tan barato… Quiero decir, nuestra tarifa con la MGM para hacer Freak Out! Fue de $2500 – a repartir entre cuatro. Y tuvimos suerte de conseguirlo. Y la razón de conseguirlo fue que alguien dijo “¡Cualquiera sabe lo que les gusta a los chicos de hoy en día!”

Al parecer Tom Wilson, el joven productor que firmó el contrato de los Mothers si que sabía…

Tom Wilson era un tipo genial. Tenía una visión, ¿sabes? Y realmente nos apoyó. Cuando hicimos aquel primer álbum realmente se encontraba en un estado de “Cualquiera sabe” cuando hicimos el segundo tema. Recuerdo que lo primero que grabamos fue “Any Way The Wind Blows” y no estaba mal. Después hicimos “Who Are The Brain Police?” y le veía a través del cristal llamando inmediatamente a Nueva York diciendo ¡Cualquiera sabe! Tratando de vendérselo a ellos. Supongo que algunas cosas son difíciles de vender, a pesar de todo.

¿Qué hizo la MGM con Freak Out! Cuando estuvo terminado?

Bueno, se opusieron violentamente por varias razones. Por un lado, estaban convencidos de que ninguna estación de radio pondría jamás un disco de una banda llamada The Mothers (NT: Las Madres) y por Dios que tenían razón, pero no por los motivos que creían. De todas formas nos dijeron que o cambiábamos el nombre o no grabábamos, así que nos vimos obligados a cambiarlo por The Mothers of Invention.

¿Y qué tal fue el disco?

Según sus cifras, Freak Out! vendió quizás 30.000 discos en el momento de su lanzamiento, pero creo que se vendió mucho mas, porque esto fue durante la época de, como decirlo, “seguridad relajada” en la planta de producción. Era algo llamado “excedentes de producción”. La compañía pedía 15.000 discos, la planta producía los 15.000… y luego se mantenía funcionando otros 15.000. Y el segundo lote no aparecía en nuestras cuentas. Iban al maletero de algún coche mas allá de la frontera estatal y se cambiaban por habitaciones llenas de muebles o por favores o por cualquier otra cosa. Y nos lo hicieron a nosotros, y a… el mayor perdedor fue la banda sonora de Dr. Zhivago – Oí que un cuarto de millón de discos salieron por la puerta trasera. Piense en los royalties que perdió Maurice Jarre. MGM era una compañía “traviesa” en aquellos tiempos, pero después decían “¡Cualquiera sabe!”.

Los Mothers se convirtieron en el emblema “freak” de los escenarios angelinos. ¿Qué era eso, exactamente?

Realmente fue un fenómeno de corta duración. Porque para cuando hizo su aparición en los periódicos ya estaba muerto. Fue un éxito antropológico arrollador durante casi un año y medio antes de que se mencionara en la revista Time. Para cuando publicaron aquella primera foto – del tipo aquel llamado Buffalo Bob con pelo a lo Príncipe Valiente, ¿se acuerda? – la poli ya estaba persiguiendo a la gente por las calles. Cerraron todas y cada una de las salas donde una banda podía tocar.

De manera que decidió traerse The Mothers a Nueva York…

Creía que todas las posibilidades de interpretación eran posibles aquí. Aunque la interpretación como tal no existía. Aquí no había largas cabelleras. No había nada. De ahí viene la frase “Oh, my hair’s getting good in the back.” (NT: “Que bien sienta mi pelo en la espalda” del tema Who Needs The Peace Corps?). Se podía ver a los chicos llegando de Long Island con cintas en el pelo. Es una cita real de lo que escuché una vez.

Y fue consciente de que algo nuevo surgía?

Me lo imaginé. Pensé: Si puede ocurrir en Los Angeles, donde nadie va a pie ¿qué puede pasar en un sitio con vecindarios? Piénselo: Un potencial infinito. Así que lo montamos en el Garrick Theater, de la calle Bleecker, en cuatro paredes. Y pronto los Fugs montaron el suyo justo al lado, y sucedían muchas cosas, y era genial. [NT: Los Fugs son considerados por muchos el primer grupo underground de la escena neoyorquina, formados en 1964]

¿Cómo fueron recibidos los Mothers en Nueva York?

Nos estrenamos en las vacaciones de Semana Santa de 1967 con un frio de muerte. Nevaba. Pero tuvimos colas alrededor del edificio en los dos shows diarios. Pensamos: Oh, ahora si, lo hemos conseguido. Estamos en Nueva York con colas alrededor del bloque. En cuanto acabaron las vacaciones tuvimos a tres, quizás cinco personas como único auditorio. Aun así hacíamos nuestro show. Cuando el lugar estaba casi vacío haciamos uno mas personalizado. Supón que había tres personas sólo en el público. Nos íbamos al Café a Go-Go, nos poníamos toallas en los brazos como camareros, volvíamos y les servíamos sidra caliente y cosas así y nos sentábamos a hablar con ellos durante la duración del show. Ése era el espectáculo. En otras ocasiones, si había cinco o seis personas les entregábamos nuestros instrumentos. Nos sentábamos y dejábamos que ellos tocaran. Hacíamos cualquier cosa por el espectáculo, tal y como lo entendíamos entonces. Ése era el espíritu.

También grabásteis dos álbumes durante vuestra estancia en Nueva York: We’re Only For The Money y Cruisin’ with Ruben & The Jets – éste último un homenaje al Doo-wop y al R&B de su juventud. ¿Cómo respondió el resto de la banda a esta propuesta?

Bueno, a algunos les gustó la idea y a otros no. ¿Sabes? En cada una de las bandas en las que he estado ha habido genta amente del R&B y otros que se rascaban la cabeza porque no entendían ese rollo y por qué nos gustaba tanto. Por lo general los grandes musicos – aquellos con gran técnica – no saben nada del R&B. Carecen por completo de ese aspecto de su vida musical. No lo entienden. Cuando ocurrió estarían en alguna otra parte.

Siempre he pensado que “Ruben” contiene su música mas dulce, mas emotiva. ¿Por qué no ha hecho mas en esa línea?

Bueno, no estoy seguro de que hacer música “emotiva” sea una muestra de excelencia. Ëse ha sido una de las críticas mas frecuentes de los críticos de rock, porque todos parecen tener esa sensación de que cuanto mas emotiva es una música mejor es. Y mi sentido estético no va por ahí. Un poco de cada cosa, ¿sabes? Me gusta la excelencia en la música.

¿Es por ello que siempre se ha opuesto a que sus músicos tomen drogas? ¿Y por lo que siempre ha sido muy claro al hablar sobre el tema?

He fumado diez cigarrillos de marihuana en mi vida, y probablemente la última vez que tuve uno cerca de mi cara fue hace doce o quince años. Y la razón por lo que lo hice fue porque , dado que fumo, la gente me dirá “toma, fuma ésto y te colocarás”. Así que lo fumaba, me producía dolor de garganta y me daba sueño. Así que debía asumir que o bien éso era lo que la gente entendía por colocarse, o algo iba mal. Pero nunca he sacado nada positivo de fumar marihuana. Simplemente no era plato de mi gusto. Y nunca he tomado LSD, ni cocaina, ni heroína, ni nada de ese estilo.

¿Qué pensaba cuando, en los tiempos hippies, veía a la gente colocada y supuestamente entrando en trance con la música?

Básicamente, veía a gilipollas en movimiento.

Junto a los Mothers una vez compartió escenario con John Lennon y Yoko Ono en la grabación de lo que sería el disco “Some Time In New York City”. ¿Cómo surgió esa ocasión?

Era 1971, y estábamos tocando en el Fillmore East, y teníamos un camión de grabación allá afuera, porque estábamos grabando un disco. Y habíamos tocado hasta las tres de la mañana la noche anterior y a la tarde siguiente me despierta un golpe en la puerta. La abrí y era el tipo éste del Village Voice, con John Lennon a su lado, y me meten un micrófono en la cara como para grabar mi primer aliento. Les digo: pasad. Y lo primero que John me dice es “No eres tan feo como en las fotos” Se lo agradecí y les ofrecí asiento. Le comenté que estábamos en el Fillmore y que por qué no se pasaba una noche y se sentaba a verlo. Pensé que sería una buena idea para reirnos todos un rato. Dijo que si, y lo hicieron. Y ahora la parte horrible de la historia. Durante nuestra actuación algunas piezas eran improvisadas, pero otras eran temas perfectamente compuestas y que ya habían salido en otros discos. Por ejemplo, una composición mia llamada “King Kong”. El trato que hice con John y Yoko Ono era que ambos tendríamos acceso a las cintas y podríamos usarlas como quisiéramos. Ellos obtuvieron un duplicado del master original, y lo mezclaron a su forma. Yo tenía mi copia, e iba a mezclarla para usarla en éste álbum de los Mothers. Ellos sacaron el disco éste, tomaron “King Kong” – que obviamente tiene una melodía, un ritmo, y cambios de acordes – y lo llamaron “Jam Rag”, y se atribuyeron la autoría y derechos de publicación. Échale un vistazo al disco.

[N. del T. Mas información sobre esta historia en este artículo]

¿Y que hicistes?

Hablé con Yoko el año pasado y le dije “Por cierto, ¿recuerdas aquel Jam Rag?” Me dijo “¿Sabes? Hemos tenido un problema con Capitol Records. Les vamos a demandar”. No me imagino que ese disco vendiera mucho, la verdad. Es cuestión de principios, ¿sabes? La otra cuestión que fue triste fue que hay una canción titulada “Scumbag” pero por la forma que la mezclaron no se oye a Mark y a Howard cantando. Y hay una razón para ello. Lo que cantaban era “Now Yoko’s in the scumbag, we’re putting Yoko in a scumbag”. [N. del T.: Mark (Volman) y Howard (Kaylan) cantan “Yoko está en la bolsa de la basura. Hemos tirado a Yoko a la basura”]

Sin duda algunos críticos lo ven como parte de una tendencia a la obscenidad barata. Incluso hoy en dia, Vd. sigue pidiendo a las mujeres del auditorio su ropa interior, e incluso tiene una cuerda en el escenario llena de pantis. ¿Tiene algún tipo de fetichismo con los pantis o qué?

No por mi lado. Pero solíamos tener a dos tipos en la banda que lo eran. Era una forma de hacerles felices y hacer también felices a las chicas del auditorio. Creo además que queda bonito en el escenario. Pienso que una cuerda llena de panties le da cierto aroma. ¿sabes lo que quiero decir? Tenemos incluso un ayudante para bragas, el que se encarga del Synclavier. Es cierto. Y en lo que respecta a la obscenidad de las letras, una persona puede sentirse ofendida por ella solo si cree en la obscenidad como un concepto y cree en el concepto de las palabras sucias, y no es mi caso. Siempre parece haber molestado a los críticos de rock mas que a cualquier otra persona. Quiero decir, ¿Quién cojones son esos críticos, de todas formas?

Finalmente decidió disolver a los Mothers en 1977. ¿Por qué?

Bueno, si había algo por lo que fueran conocidos The Mothers – ese loco y disparatado descontrol de los sesenta – ya había desaparecido casi por completo de nuestros shows.

¿Y éso?

Porque a medida que consigues músicos capaces de hacer ciertas cosas musicales, te das cuenta de que a veces les falta sentido del humor. O carecen de esa estética particular que hace posible tomar un cepillo de dientes y un salami y una muñeca y una lechuga y un bote de mayonesa y hacer algo divertido con todo ello, sabes, no todo el mundo puede hacer eso.

Pero te has asentado. ¿Crees que el público actual viene principalmente a oir su nuevo material o a ver a una leyenda viviente de las fabulosos sesenta?

Mira, el público de esos conciertos es realmente fanático. Literalmente. Hay jóvenes con entradas a diecinueve shows. Han dejado el trabajo, viven en el parque, están totalmente involucrados. Eso no es ir a ver a una leyenda. Creo que toda esa historia de un resurgimiento del interés en todo lo relacionado con los sesenta está exagerado. Hay un gran factor de deseo de alguna gente de los sensnta que le gustaría que así fuera, pero a los jóvenes de hoy en dia les importa un comino los sesenta, y no hay motivo para que no fuera así. Hice una entrevista con un tipo de un periódico, y me dijo: ¿Qué piensa de la música actual? Le dije “Nosotros somos la música de hoy en dia. Lo somos. Te guste o no. “¿Qué quiere decir?” ¿Crees que lo que hacemos es algo imaginario? Estamos ahí afuera. Lo estamos haciendo. Está vivo.

Zappa: El vinilo Artisan

2010-02-28T12:29:00.002-04:30

Zappa: El vinilo Artisan
Escrito por Arroyero.

En Desde El Arroyo
http://www.arroyero.es/zappa-el-vinilo-artisan/

Hace poco la genta de Zappateers ha hecho público un vinilo desconocido de Frank Zappa perteneciente a unas grabaciones en directo efectuadas entre Octubre de 1968 y Mayo del 69. De hecho era desconocido porque nunca se puso a la venta.
Artisan Sound Recorders fue una de las primeras empresas que en los sesenta comenzó a masterizar las grabaciones originales de forma específica para el medio en que se iba finalmente a grabar, en este caso el vinilo, lo cual no era muy frecuente en aquellos dias. Sus ingenieros de sonido eran gente capaz y sus grabaciones destacaban lógicamente por la calidad de su sonido.
La referencia RS6406 fue una masterización de prueba que FZ encargó para un álbum que nunca llegó a ver la luz, y uno de esos vinilos, probablemente el único existente, estaba en posesión de un tal RJ, que lo ha cedido a la gente de Zappateers para su publicación, lo cual ha implicado el ripeo del vinilo original y una concienzuda limpieza del audio. La calidad del resultado final es prueba de la maestría de la gente de Artisan, teniendo en cuenta que las grabaciones son en directo.
Como es frecuente en FZ muchos de estos temas vieron la luz de una u otra forma en discos posteriores, aunque el original, como podéis ver en la imagen, no le menciona y aparece acreditado exclusivamente a los Mothers of Invention.
Los temas son los siguientes, tal y como aparecen en la documentación original de Zappateers. He suprimido en la traducción algunas partes mas técnicas y para fanáticos, pero pueden consultarse íntegramente en el archivo de descarga.

Cara 1

1. Wipe OutEtiqueta en el vinilo: “Shrine Auditorium”
Duración – 3:04
Publicado oficialmente – Nunca publicado.
Fuente – No hay ninguna referencia a un concierto de FZ en el Shrine Auditorium de Los Angeles anterior al 23 de Febrero de 1974. hay motivos para creer que la grabación es del 6-7 de diciembre de 1968, The Shrine Exposition Hall, Los Angeles, California.

2. East L.A.Etiqueta en el vinilo: “Columbia University”
Duración – 4:59
Publicado oficialmente – Esta versión nunca fue publicada, pero porciones de ella fueron utilizadas como You Call That Music? del Sampler del You Can’t Do That On Stage Anymore (los primeros 3:04 de la pista) y en el You Can’t Do That On Stage Anymore Vol. 44 (los primeros 4:07).
Fuente – 14 Febrero 1969, Columbia University.

3. Weasels Ripped My FleshEtiqueta en el vinilo: “The Ballroom”
Duración – 4:09
Publicado oficialmente – Los primeros 2:58 de esta pista fueron grabados en The Ballroom, Stratford, Connecticut (no en Hartford como el mismo FZ afirma en el texto del LP OM 2 Mystery Disc), y se publicaron como Skweezit Skweezit Skweezit en el LP OM 2 Mystery Disc (LP) y en el Mystery Disc (CD). Los siguientes 1:09 fueron interpretados en el Thee Image, Miami Beach Florida, y publicados como los últimos 1:09 de Right There del YCDTOSA 5 (desde el último golpe de batería antes del aplauso hasta el “Thank You” de FZ). Los últimos 2 segundos son del final de la actuación en Miami; en el YCDTOSA este aplauso se mezcla con Where Is Johnny Velvet?
Fuente – Los primeros 2:58, 16 febrero 1969, The Ballroom, Stratford CT; últimos 1:11, 7 febrero 1969, Thee Image, Miami Beach FL.

4. Kung FuEtiqueta en el vinilo: “Phil Wenz”
Duración – 2:16
Publicado oficialmente – Los primeros 1:45 fueron publicados como los 5:05 a 6:50 de Didja Get Any Onya? de la edición extendida del CD de Ryko Weasels Ripped My Flesh. Los últimos 0:32 son inéditos.
Fuente – 2 marzo 1969, Philadelphia Arena.

5. Igor’s BoogieEtiqueta en el vinilo: “Phil Wenz”
Duración – 1:28
Publicado oficialmente – Una continuación inédita sin editar del tema anterior.
Fuente – 2 marzo 1969, Philadelphia Arena.

6. PassacagliaTítulo en el vinilo: “Passalaglia”Etiqueta en el vinilo: “Phil Wenz”
Duración – 3:11
Publicado oficialmente – Inédito— pero algunas partes de este material se pueden oir de fondo de la promo de FZ 1969 Hot Rats LP spot 2 (“Frank Zappa took a heavy trip recently …”). La actuación incluye partes del King Kong.
Fuente – probablemente del mismo concierto que los temas 4 y 5 — La acústica del local es idéntica.“Phil Wenz” tiene todo el aspecto de ser un error de tipografía y referirse realmente al (Phil)adelphia Ar(en)a.

Cara 2

7. Copenhagen Night MusicGrabado en mono.
Duración – 3:00
Publicado oficialmente – Inédito.
Fuente – 3 octubre 1968, Tivoli Gardens, Copenhagen

8. Help, I’m A Rock
Duración – 3:46
Publicado oficialmente – Este tema fue totalmente reconstruido para el Ahead Of Their Time en una mezcla que añadía reverberación digital para darle la ilusión de ser un concierto distinto. La calidad de esta prueba sin alterar es excepcional, probablemente superior a la del CD con su uso exagerado de la reverberación.
Fuente – 25 octubre 1968, The Royal Albert Hall, London.

9. Chocolate Halvah
Duración – 3:33
Publicado oficialmente – Salvo los primeros 3 segundos y los últimos 7, este tema se publicó en el YCDTOSA 5.
Fuente – 7 febrero 1969, Thee Image, Miami Beach FL.

10. Prelude To The Afternoon Of A Sexually Aroused Gas Mask
Duración – 3:35
Publicado oficialmente – Publicado en el LP del Old Masters del Weasels Ripped My Flesh, sin el material extra añadido a la versión extendida del CD de Ryko.
Fuente – 25 octubre 1968, The Royal Festival Hall, Londres.